Peut-être que personne, pas même l'acteur, n'est plus responsable de la façon dont une performance prend forme que le monteur.
Bien sûr, l'acteur doit livrer la marchandise pendant la production, et cela fait partie du travail du réalisateur de façonner cette performance lors des répétitions et du début. Mais en fin de compte, tout ce travail acharné n'est que matière première, attendant d'être sculpté dans sa forme finale par l'éditeur. Ce n'est pas un nouveau concept. Dans ses expériences des années 1910 et 1920, le cinéaste russe Lev Kuleshov a prouvé qu'en regardant une séquence d'images, les spectateurs attribuent leurs propres réactions émotionnelles à l'acteur. Sans surprise. c'est ce qu'on appelle l'effet Kuleshov.
Et bien sûr, c'est ce que le public finit par voir. Pas n'importe laquelle de ces matières premières, mais de petits morceaux de celle-ci, soigneusement sélectionnés et construits en une seule performance cohérente.
Pour ceux d'entre vous qui sont curieux de savoir exactement ce qu'un monteur fait pour faire briller une performance, notre ami Sven Pape de This Guy Edits (l'une des meilleures chaînes YouTube pour apprendre l'art et l'artisanat du montage de films), a une excellente vidéo pour tu. Vérifiez-le :
Sven a quelques conseils très utiles dans cette vidéo, en particulier lorsqu'il s'agit de travailler avec des images d'acteurs amateurs et non professionnels. Voici un récapitulatif :
1. Supprimez les dialogues qui ne fonctionnent pas ou qui ne sont pas nécessaires
C'est probablement le conseil le plus important ici. Ce n'est pas parce qu'une ligne de dialogue a été enregistrée sur le plateau que vous devez l'utiliser dans le film fini. À moins que ce ne soit 100 % nécessaire parce que cela fait avancer l'histoire, il devrait être sur la table pour être supprimé.
2. Devenez plus vague dans votre storytelling
Si tout est parfaitement énoncé pour le public, cela peut lui faire perdre tout intérêt ou prendre de l'avance, le faisant ainsi sortir de la scène. Alors, sortez les moments de manière stratégique pour que le public s'interroge sur le contexte et le sous-texte. Bien sûr, être trop vague peut dérouter le public, alors trouvez un bon équilibre entre donner et cacher des informations.
3. Inverser le dialogue
Vous pouvez mélanger et assortir les lignes de dialogue pour un impact émotionnel maximal. Faites juste attention à ne pas trop changer le sens.
4. Utilisez les coups de réaction généreusement
Certains des moments les meilleurs et les plus émouvants surviennent lorsque l'acteur ne parle pas, mais écoute et réagit. Profiter de cela peut également ouvrir de grandes opportunités pour réorganiser et réduire une scène.
5. Viens tard, pars tôt
Le cœur émotionnel d'une scène, toutes les bonnes choses qui font ou détruisent vraiment une performance, se produisent généralement au milieu d'une scène. C'est là que vous devez vous concentrer.
6. Découpez "le processus"
Ceci est similaire au conseil précédent. Souvent, les scènes commencent et se terminent par un dialogue descriptif qui n'est pas nécessaire car le public peut voir clairement ce qui se passe. Coupez les peluches et passez aux bonnes choses.
7. Jouer le dialogue hors caméra
Cela va bien avec l'idée d'utiliser beaucoup de tirs de réaction, mais cela va plus loin que cela. Lorsque le dialogue est hors écran, cela vous permet de faire toutes sortes de choses créatives, y compris la plupart des autres conseils ci-dessus. Utilisez donc des plans de réaction, des POV, des plans de coupe, etc.
8. Ne montrez pas de faiblesse
Lorsque vous rencontrez de petits morceaux d'une performance qui ne vous semblent pas corrects, essayez de trouver un moyen de les supprimer ou de les contourner.
9. Utilisez des moments sans méfiance capturés par la caméra
Parfois, la caméra continue de tourner avant ou après une prise, et parfois elle capture des moments vraiment authentiques. Cela peut être aussi simple qu'un léger sourire ou un regard maladroit.
Il convient de noter que plus l'écriture, la réalisation et le jeu sont professionnels, moins il est probable que vous ayez besoin de certains de ces conseils. Néanmoins, pour ceux d'entre nous qui travaillent sur des productions à petit budget et qui montent des scènes avec des acteurs non professionnels, ces techniques de montage peuvent vous aider à créer des performances incroyables et à obtenir l'effet Kuleshov complet, même si la matière première était un peu grossière.