Vous avez votre histoire, votre distribution, votre équipe, votre équipement et votre éclairage ; vous avez un ensemble ou un emplacement. Vous êtes sur le point de partir. Ce à quoi vous devez penser maintenant, c'est la composition de votre scène. Une bonne composition peut faire ou défaire un film parce que vous ne pouvez pas simplement mettre tout le monde et tout dans une pièce et en rester là. La position des personnes et des choses dans une scène et la manière dont vous les filmez transmettent beaucoup au public. Peu importe que vous tourniez une interview révélatrice ou que vous fassiez une vidéo de danse, comprendre les techniques de composition et les utiliser efficacement donnera vie à votre réalisation.
Règle des tiers
Il y a de fortes chances que si vous n'avez entendu parler que d'une seule règle de composition, c'est la règle des tiers. Cette règle divise votre scène en 9 rectangles, en utilisant 2 lignes verticales espacées uniformément sur votre scène et 2 lignes horizontales à intervalles égaux sur votre cadre. Les 4 points où ces lignes se croisent sont appelés points d'intérêt ou points de puissance.
La théorie derrière la règle des tiers est que vous positionnez votre sujet de mise au point sur l'un des points d'intérêt et utilisez les lignes de séparation pour les lignes horizontales ou verticales fortes dans votre scène . Cela crée une forte dynamique dans le cadre et introduit une tension entre les éléments de la scène. À moins que vous ne recherchiez une composition spécifiquement symétrique, cadrer votre sujet au centre de la scène peut sembler plat et sans vie. Peu importe la distance focale que vous utilisez, vous pouvez toujours appliquer la règle des tiers.
Vous pouvez voir dans cette vidéo comment le sujet est positionné sur la deuxième verticale, avec sa tête sur le point d'intérêt en haut à droite.
Dans ce clip vidéo, le promontoire en arrière-plan se trouve le long de la ligne horizontale supérieure. Il ne traverse pas le centre du cadre, ce qui le couperait en deux et laisserait la scène plate.
Équilibre et symétrie
L'équilibre et la symétrie sont des techniques de composition différentes. L'équilibre se présente sous de nombreuses formes, mais il garantit qu'une composition cinématographique semble complète. Une figure avec sa tête sur le point d'intérêt supérieur gauche peut être équilibrée par un objet vers le bas à droite. Il n'a pas besoin d'être de la même taille, de la même forme ou de la même couleur, mais il fournit un complément. Une fleur rose foncé dans le coin supérieur droit d'une photo peut être contrebalancée par un espace négatif vert clair remplissant le reste de la scène. Ou quelqu'un en bas à droite peut s'équilibrer en regardant vers le coin supérieur gauche. Vous ressentirez une scène déséquilibrée lorsque vous en verrez une, que vous ayez utilisé un téléobjectif ou un objectif grand angle. Soyez ouvert sur la façon dont vous le rééquilibrez - ce n'est pas nécessairement le choix évident qui fonctionnera le mieux.
Soi-disant, plus les gens sont symétriques, plus nous les trouvons attirants. Je ne sais pas à quel point cela est strictement précis, mais cela aide à expliquer pourquoi nous trouvons des plans symétriques agréables à l'œil, même s'ils enfreignent la règle des tiers. Il y a un calme, une régularité qui les engage.
Pour certains plans, seule la symétrie fera l'affaire – par exemple avec cette séquence d'un quadruple de couple. Et les plans centrés des visages des gens sont séduisants :vous avez l'impression de pouvoir vous connecter avec eux. Ils sont très puissants et peuvent être accentués en se rapprochant ou en s'éloignant du sujet à l'aide d'un travelling.
2 conseils quand il s'agit de compositions symétriques :Tout d'abord, elles doivent être précises. S'ils ne sont pas tout à fait corrects, ils irriteront vos téléspectateurs. Deuxièmement, n'abusez pas de la composition symétrique. Cela peut devenir épuisant pour votre public ou perdre de son impact.
Hauteur et marge de manœuvre
La marge signifie laisser un espace entre le haut de la tête de votre sujet et le bord du cadre. Cela empêche la scène de se sentir à l'étroit ou peut-être précipitée ou agressive. Il peut y avoir des moments où évoquer ces sentiments est exactement ce dont vous avez besoin, mais surtout, donnez à vos sujets la possibilité de respirer dans la scène.
La pièce principale fait référence à la position du sujet dans votre scène et à la direction dans laquelle il regarde. La convention suggère que si vous avez un sujet à gauche de la scène, il doit regarder vers la droite, et non vers la gauche, du cadre ou cela peut sembler déroutant pour le public. Si vous le faites avec soin et considération, je pense que c'est une règle qu'il est bon d'enfreindre.
Lignes directrices
Vous commencez à l'arbre, puis suivez le chemin à travers la scène.
Les lignes directrices dirigent votre public vers votre point de focalisation ou vers quelque chose d'autre dans votre scène qui est en quelque sorte significatif. Les lignes directrices peuvent être réelles ou imaginaires, droites ou courbes. Les routes, les voies ferrées et les rivières sont toutes des lignes directrices évidentes, mais les lignes de vue des gens fonctionnent aussi. Où regarde votre sujet ? Là où ils regardent, votre public regardera également.
Vous pourriez d'abord regarder le cinéaste sur la falaise, mais vous suivrez ensuite sa ligne de mire jusqu'à la mer.
Il est possible de composer un plan en utilisant plusieurs lignes directrices qui vous guident à travers la scène et vous aident à raconter votre histoire. Un chemin pourrait mener à votre sujet, tandis que sa ligne de visée pourrait mener d'un arbre à un oiseau.
Profondeur de champ
Le degré de netteté et de flou d'une scène aide à raconter votre histoire en montrant à votre public où se concentrer et ce qui est important.
Une faible profondeur de champ est idéale pour concentrer l'attention de votre public, mais cela ne fonctionnera pas pour un plan d'établissement où vous essayez de définir le contexte. Même avec un objectif grand angle et une grande profondeur de champ, vous pouvez toujours vous assurer que votre public reconnaît votre sujet. En réduisant ou en agrandissant le sujet dans la scène, vous pouvez suggérer si quelqu'un est dépassé ou contrôle également une situation.
Apprendre à tirer la mise au point ou à mettre au point est une grande compétence pour aider à changer ce qui est mis au point dans une scène. Que vous utilisiez un objectif principal ou zoom, il devra disposer d'une mise au point manuelle pour la mise au point du rack.
Règle des 180º
Lorsque vous avez 2 personnages ou plus communiquant dans une scène ou un personnage interagissant avec un objet clé, ils doivent toujours rester du même côté de l'écran lorsque le public les regarde. C'est ce qu'on appelle la règle des 180 ° et elle permet de maintenir la cohérence pour votre audience. Vous pouvez franchir la ligne à 180º, mais cela doit être fait avec beaucoup de soin et avec un but, sinon cela confondra le public et il risquera de perdre l'intrigue.
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Les angles de caméra modifient l'opinion d'un public sur les sujets à l'écran. Si vous approchez quelqu'un au niveau des yeux, votre public se sentira égal et connecté à lui. Filmez d'en bas, et le public se sentira soumis au personnage. Inversez la position de tournage et le personnage apparaîtra comme soumis. N'oubliez pas que lorsque vous modifiez vos angles de prise de vue, ce qui apparaît au premier plan et à l'arrière-plan change également. Vous devez considérer ce que vous voulez voir visible et son importance.
Comparé à
Connaître les règles, afin de pouvoir les enfreindre
On pourrait bien vous dire que la différence entre une bonne composition et une mauvaise composition est de respecter les règles de composition. Ce n'est pas vrai. Lorsque vous comprenez les règles de composition, cela vous donne une meilleure compréhension de la façon dont votre public interagira avec vos images. Et cela vous donne la liberté d'aller enfreindre les règles pour atteindre vos objectifs cinématographiques. La différence entre une bonne composition de scène et une mauvaise composition de cadre est de savoir si vous êtes capable ou non de raconter votre histoire d'une manière convaincante qui saisit le public et ne le distrait pas ou ne l'irrite pas. Être audacieux. Connaissez les règles de composition et vous pourrez ensuite les enfreindre correctement.