Pour célébrer la Journée internationale de la femme, nous examinons le travail de 7 brillantes réalisatrices et voyons comment elles donnent chacune un aspect et une sensation uniques à leur travail. Bien sûr, il y a bien plus que 7 femmes réalisatrices incroyables, mais nous devons commencer quelque part !
Kathryn Bigelow, Le casier blessé (2008)
Commençons par Kathryn Bigelow, la seule femme à avoir remporté l'Oscar du meilleur réalisateur et le film qui lui a valu l'Oscar, The Hurt Locker . Bigelow a travaillé avec son directeur de la photographie, Barry Ackroyd, pour créer un film qui donne l'impression d'être un documentaire tourné par un journaliste intégré en Irak. En utilisant des appareils photo Aaton 16 mm avec du stock Fujifilm, le sentiment général est celui d'instabilité, renforcé par l'utilisation d'appareils photo portables. Il y a beaucoup de zooms avant et arrière et des changements rapides de mise au point qui reflètent l'environnement dangereux et en évolution rapide de la mission.
Les scènes en Irak, qui ont en fait été tournées au Koweït, ont été principalement tournées pendant la journée en utilisant autant de lumière naturelle que possible. Ackroyd a déclaré qu'il préférait un éclairage qui n'interfère pas avec le jeu d'acteur, et cela se poursuit dans les quelques scènes de nuit, qui utilisaient principalement des lumières pratiques.
De nombreuses scènes en Irak utilisent une faible profondeur de champ, évoquant la concentration étroite et les objectifs étroits des personnages experts en déminage. Cela contraste avec les scènes aux États-Unis, lorsque le protagoniste est revenu de son service militaire, où l'absence de but de sa nouvelle vie est transmise à travers des plans plus larges avec un champ plus profond.
La transition de l'Irak aux États-Unis n'est pas facile et sans heurts pour le protagoniste, ce qui se reflète dans les coupes rapides entre les 2 pays. L'utilisation par Bigelow de contrastes nets dans le style de tournage, les angles de caméra et l'éclairage entre l'Irak et les États-Unis met en évidence la difficulté de passer de la vie militaire à la vie civile. C'est un bon exemple de la façon dont la technique est un élément essentiel dans votre narration.
Céline Sciamma, Portrait d'une dame en feu (2019)
Critiques du Portrait d'une dame en feu de Sciamma étaient presque universels dans leur éloge d'un beau film pictural qui portait sur le regard ou le point de vue féminin. Étant donné qu'il raconte l'histoire d'une femme chargée de peindre secrètement le portrait d'une future mariée pour son futur mari, l'acclamation ne pourrait pas être plus appropriée. Sciamma et sa directrice de la photographie, Claire Mathon, ont recherché des femmes artistes historiques et leur travail pour apporter de l'authenticité à cette pièce d'époque.
Sciamma a utilisé des plans longs et persistants qui nécessitaient un blocage et une chorégraphie très minutieux, mais peu de modifications des configurations. Cela contribue à l'accumulation de "combustion lente" du film, mais permet également à l'éclairage de vraiment briller.
Sciamma avait des idées très claires sur l'utilisation du type de lumière qui faisait référence aux peintures à l'huile issues de ses recherches. Elle voulait une sensation écrasante de douceur à la lumière qui ne prenait jamais le dessus. La peau des acteurs n'a pas un aspect réaliste, mais ressemble plutôt à la perfection mate des portraits à la peinture à l'huile. Selon les mots de Sciamma : "La lumière semble sortir du personnage."
Les scènes d'intérieur ont été tournées dans un château de Seine-et-Marne en France. L'âge et la nature non restaurée du château signifiaient que l'équipage avait besoin d'une approche différente de l'éclairage. Ils ont construit une plate-forme à l'extérieur du château et ont éclairé toutes les scènes à travers ses fenêtres. Toutes les scènes nocturnes étaient éclairées avec ce qui ressemblait à des chandelles mais sans qu'aucune bougie ne soit utilisée. Tout cela a donné une sensation très sensuelle aux scènes et a contribué à créer cette lumière d'un autre monde.
Dans les coulisses de "Portrait d'une dame en feu". Image par NÉON
Les scènes de plage ont toutes été tournées sur la côte bretonne, et alors que les acteurs et l'équipe s'attendaient à du vent et de la pluie, ils ont eu un soleil radieux. Ils ont utilisé une caméra Red Monstro avec des objectifs Leitz Thalia et une LUT d'apparence cinématographique. Le look cinématographique a mis en valeur les tons cyan des plans, qui contrastaient bien avec les robes rouges et vertes des acteurs et apportaient des couleurs audacieuses et intenses au film.
Sofia Coppola, Les vierges suicidés (1999)
Contrairement à la perspective intensément féminine du Portrait d'une dame en feu de Sciamma , nous arrivons au premier film de Sofia Coppola, The Virgin Suicides . Ce film aux allures de rêve est raconté rétrospectivement, avec un groupe d'hommes rappelant ce qu'ils se souvenaient des 5 sœurs Lisbon, qui se sont toutes suicidées. Il serait très facile pour ce film de glisser dans la sentimentalité, mais Coppola garde la complexité de la vie des filles au premier plan, et vous vous demandez à quel point les narrateurs sont vraiment fiables.
Contrastant avec l'aspect doux et jeune du film aux nombreuses couleurs pastel, la mélancolie de la bande sonore. Cette juxtaposition souligne la confusion entourant la vie des filles et la compréhension qu'en ont les garçons. Que s'est-il vraiment passé? Et pourquoi ?
La clé de la technique de narration de Coppola est son utilisation de plans de fenêtre. En particulier, nous voyons les filles regarder depuis une grande fenêtre de leur maison, la caméra les regardant et le monde extérieur se refléter dans la vitre.
Qui regarde et qui est regardé devient interchangeable. Une autre fenêtre que Coppola a utilisée dans The Virgin Suicides et dans ses films ultérieurs, par exemple Marie-Antoinette , Perdu dans la traduction et Quelque part , était la fenêtre de la voiture (ou de la calèche). Ils montrent tous des gens emmenés quelque part mais sans révéler où et pourquoi ? C'est un outil de narration émotionnelle.
Andrea Arnold, Aquarium (2009)
Vous entendrez souvent que le cinéma d'Andrea Arnold appartient à la tradition du «réalisme social britannique», avec Ken Loach et Mike Leigh. Arnold, cependant, préfère penser que le public s'immisce dans la vie des gens, plutôt que d'être à l'extérieur et de regarder à l'intérieur. C'est quelque chose qu'elle réalise grâce à son approche cinématographique.
Pour commencer, Arnold mélange souvent non-acteurs et acteurs. Dans aquarium , l'adolescente principale Mia a été jouée par Katie Jarvis, qui s'est vu offrir le rôle après qu'Arnold l'ait vue attendre un train. Arnold a estimé que Jarvis incarnait Mia et se sentait authentique à sa vision. Mais Conor, le personnage dont Mia tombe amoureuse, était interprété par Michael Fassbender.
Ensuite, Arnold préfère tirer en séquence. Elle aime le flux organique que cela crée dans un film et comment cela permet aux acteurs de développer leurs personnages tout au long du projet.
Arnold n'a pas non plus tendance à bloquer les scènes ni à concevoir une liste de plans. Les choix d'objectifs peuvent également être dus au hasard. Mais elle préfère le film 35 mm au numérique. Tous ces choix contribuent à contribuer au sentiment naturel que ses films dépeignent la vraie vie. Avec DP Robbie Ryan, Arnold réussit à vous immerger dans la vie de ses personnages. Et tout comme les scènes où Conor touche Mia se déroulent de manière plus lyrique que la morsure dure de la vie réelle, c'est comme si nous étions tombés dans un rêve éveillé.
Lynne Ramsay, Nous devons parler de Kevin (2011)
Alors que Lynne Ramsay a certainement réalisé des films qui entrent dans la catégorie "Réalisme social britannique", Nous devons parler de Kevin fait un pas de côté par rapport à ça. Comme le dit Ramsay, ce n'est pas un film réaliste, c'est un film "Et si ?".
Nous devons parler de Kevin raconte l'histoire de Kevin, un garçon qui se livre à un saccage meurtrier, et de sa mère, Eva. Comme vous vous en doutez, il s'agit d'un film profondément troublant et déconcertant, et tout ce que Ramsay et le directeur de la photographie Seamus McGarvey ont mis en place à l'écran contribue à ce sentiment d'effroi et de terreur. Il a été principalement tourné à l'aide d'un appareil photo 35 mm sur du stock Fujifilm, les scènes de flashback étant numériques.
Vous ne verrez peut-être jamais de sang ou de gore, mais le motif rouge traverse très fortement le film et le sens de l'horreur est très soigneusement conçu psychologiquement. Lorsque des fusées éclairantes sont utilisées pour signaler la violence, ce qui reste à l'imagination est bien pire que tout ce qui pourrait être montré à l'écran.
Ramsay a utilisé le montage elliptique pour raconter l'histoire qui était à l'origine un roman épistolaire (sous forme de lettres), les scènes de flashback ayant un aspect plus plat et plus doux avec moins de couleurs que celles du présent. Pour le moment, des primaires très audacieuses - rouge, bleu et jaune - contribuent à l'intensité de l'histoire, tout comme l'utilisation de plans rapprochés et de personnages positionnés aux bords opposés du cadre. C'est un regard de confrontation, mais cela met également en évidence la distance qui les sépare.
Avec la coloration intense, le paysage sonore est dur, reflétant l'état d'esprit confus et dévasté d'Eva. La couleur et le son contribuent également à créer une tension pour le spectateur.
Enfin, il convient également de noter les similitudes visuelles entre Eva et Kevin. Bien sûr, il n'est pas rare que les enfants ressemblent à leurs parents, mais dans ce contexte, cela vous amène à réfléchir à quel point le comportement de Kevin est naturel et à quel point il est nourri.
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Commencez gratuitement maintenant Amy Heckerling, Aucune idée (1995)
Quand on pense à Clueless d'Amy Heckerling en 1995 , vous pourriez le considérer comme un classique du genre lycéen. Vous vous en souviendrez peut-être pour ses slogans originaux, sa mode fantastique et sa bande-son mignonne. Vous vous en souviendrez peut-être même pour avoir déclenché l'ère des "classiques racontés" menant à des films comme 10 choses que je déteste chez vous et Intentions cruelles . Mais il y a bien plus que cela et dans le cinéma de Heckerling.
Insouciant est un drame de passage à l'âge adulte archétypal qui ne craint pas la complexité des relations, même s'il est raconté à un rythme effréné et frénétique. Il y a de l'action en arrière-plan, de l'action au premier plan, de la narration et de la musique en même temps. Il serait facile pour tout cela d'être écrasant et pour le public de vouloir simplement s'en éloigner. Mais en fait, le chaos est soigneusement chorégraphié et il reflète clairement la vie d'un adolescent. Cela apporte du réalisme à l'autre monde de l'éducation de la protagoniste Cher à Beverly Hills.
La vie de Cher et de ses amis est si privilégiée et ils sont si inconscients de leur chance qu'il serait facile de ressentir du mépris à leur égard. Au lieu de cela, vous les aimez. Une grande partie de cela est due à l'utilisation par Herckerling des voix off. Souvent, ce que vous entendez Cher vous dire est complètement en contradiction avec les visuels à l'écran. Mais c'est sa sincérité et sa foi sincère dans la situation qui vous séduisent. Elle n'est pas méchante; elle est adorable.
Heckerling voulait Clueless être tout 'scintillement et scintillement'. Outre sa propre aversion pour les scènes faiblement éclairées après avoir grandi dans un appartement sombre du Bronx, elle avait vu tellement de cinéastes se diriger vers le look Rembrandt-y avec leur éclairage qu'elle voulait quelque chose de différent. Avec le directeur de la photographie Bill Pope, Heckerling nous a donné exactement cela; ils vous emmènent dans un monde positif rempli de lumière et de rires. Et sans aucune idée n'aurait jamais fonctionné sans les tenues, la conception de l'éclairage ou la fontaine qui explose en arrière-plan lorsque Cher réalise enfin qui elle aime.
Greta Gerwig, Lady Bird (2017)
La Dame Oiseau est censé se sentir comme un souvenir. Cependant, Gerwig ne voulait pas que ses débuts en tant que réalisatrice aient l'aspect banal d'un grain prêt à l'emploi ou d'une mise au point douce qui caractérise la mémoire. Au lieu de cela, elle voulait que son public sente l'arche de l'avant-scène et ressente la magie de la boîte à lumière du cinéma. L'effet qu'elle et le directeur de la photographie Sam Levy ont évoqué, en utilisant un Arri Alexa Mini avec de vieux objectifs Panavision et tourné en 2K, ressemblait à des pages imprimées qui avaient ensuite été photocopiées, ou à des photocopies de photocopies. C'est comme si vous regardiez quelque chose où il y a une nette perte de qualité, mais ce n'est pas exagéré.
Gerwig s'est davantage inspiré des photos de jeunes femmes de Lise Sarfati prises au début des années 2000. La description à l'origine du look de Lady Bird était "simple mais succulent". Elle voulait que le décor et les costumes soient riches et bien équilibrés mais pas pour distraire le spectateur. Tout est là pour contribuer à la personne du personnage ou à l'histoire elle-même, mais rien n'est fait pour prendre en charge.
Enfin, il y a le dialogue. C'est censé se sentir "réel". Les personnages de Lady Bird parlez avec des phrases qui changent de direction, ou n'allez nulle part ou ne vous arrêtez pas vraiment. Il y a des interruptions. C'était scénarisé, mais c'était scénarisé pour sonner comme les gens conversent dans la vraie vie, pas pour ressembler à un scénario de film. L'objectif de Lady Bird est sur les personnages et leur histoire; ce n'est pas sur le plateau ou sur la cinématographie flashy. Il s'agit de la vraie vie.