Polissage de la coupe grossière
Votre objectif avec votre premier montage est de disposer vos prises de vue dans l'ordre dans lequel vous souhaitez raconter votre histoire. Il y a de fortes chances que, si vous produisez un récit, vous ayez décidé de l'ordre de vos scènes en pré-production, et il vous suffit maintenant de suivre votre storyboard comme s'il s'agissait d'une recette et d'assembler les clips en conséquence, en choisissant la "meilleure" prise pour chaque scène. De nombreux documentaires «s'écrivent eux-mêmes», car les personnages décrivent le sujet. Quoi qu'il en soit, dans le premier montage, vous placez la vidéo tournée et l'audio associé dans l'ordre dans lequel vous souhaitez raconter l'histoire, en supprimant tout ce qui ne fait pas avancer l'histoire.
Il est maintenant temps de polir la coupe brute en un produit fini lisse et brillant. Contrairement à la première coupe, où vous regroupiez des séquences pour voir comment la juxtaposition et la synchronisation des clips fonctionnaient ensemble, le polissage nécessite que vous sortiez votre "loupe numérique" et que vous travailliez davantage sur un niveau de réglage image par image. .
Examinons sept aspects du montage final que nous appellerons le montage polonais.
1. L'étage de la salle d'édition
Nous allons commencer par l'une des étapes les plus difficiles :tuer vos favoris. Ce n'est pas techniquement difficile, mais c'est psychologiquement difficile. La règle générale est que vous devez couper tout ce qui ne fait pas avancer l'histoire. Mais qu'en est-il de cette photo imprévue du rare pic à bec ivoire qui s'est envolé de la jungle et a atterri sur la tête du tigre du Bengale qui est entré en scène pendant l'heure magique alors que votre caméra tournait par hasard ? Coupez-le ! Il est difficile d'être objectif avec ces montages, surtout si c'est vous qui avez tourné la vidéo. Souvent, vous devez écouter les autres qui vous disent que quelque chose ne fonctionne pas. Il est intéressant de regarder sur DVD les coupes du réalisateur étendues des grands films hollywoodiens pour voir des scènes coupées des sorties en salles originales. Neuf fois et demie sur dix, vous constaterez qu'il était approprié de supprimer ces scènes.
2. Durée totale de fonctionnement
La plupart du temps, en particulier pour un travail d'édition rémunéré, vous aurez une limitation TRT ou Total Running Time que vous devrez respecter. L'exemple le plus strict pourrait être un segment pour la télévision. Si vous faites une émission d'une heure pour le Public Broadcasting Service (PBS), ce ne sera pas 60 minutes, mais 52 minutes et trente secondes - pas une image de plus ou de moins. Si vous tournez une vidéo de mariage ou une courte vidéo pour un festival du film, vous aurez peut-être plus de latitude. Sinon, vous devez connaître vos paramètres et les garder à l'esprit lorsque vous peaufinez votre chemin vers une coupe finale.
3. Continuité et transitions
Nous associons continuité et transitions car, lorsque vous vérifiez la continuité entre vos clips, vous pouvez décider d'utiliser une transition ou une autre pour aider à la continuité. Comme nous l'avons dit à maintes reprises auparavant, sur les pages du magazine et du site Web Videomaker, votre transition la plus utilisée sera une coupe droite. Mais si vous montez un documentaire et que vous devez découper une interview verrouillée à tête parlante (plan fixe, monté sur trépied, gros plan moyen), vous devrez peut-être utiliser des fondus enchaînés, surtout si vous ne le faites pas. pas beaucoup de plans de coupe ou de rouleaux B. De plus, lorsque vous utilisez des transitions rendues telles que des fondus enchaînés, n'oubliez pas que vous pouvez ajuster la longueur des transitions, si vous avez suffisamment de têtes et de queues sur les clips que vous affectez. N'utilisez pas toujours le fondu croisé par défaut de 30 images/une seconde. Peut-être qu'un long fondu enchaîné de trois secondes ajoutera à l'émotion de la scène. Ou peut-être qu'un effacement ultra-rapide de dix images permettra de mieux faire passer votre message. Utilisez autant d'images que nécessaire pour optimiser la transition entre vos clips.
4. Effets audio réalistes
Vous avez peut-être ajouté des effets sonores au cours du processus de montage, mais les effets sonores, l'ADR (remplacement de dialogue automatisé ou automatique, ou boucle), le Foley (recréation et synchronisation des sons accidentels tels que les pas) et d'autres sons non naturels se produisent généralement après "verrouillage de l'image", lorsque l'édition visuelle est terminée. Il ne sert à rien de passer du temps à insérer des éléments sonores dans des scènes que vous pourriez couper, donc vous commencez généralement à enrichir l'audio après avoir au moins une coupe grossière assez solide. Ici, le vieil adage "moins c'est plus" s'applique toujours. Ce ne sont pas les "gros" sons tels que les explosions et les coups de feu qui rendront votre travail excellent ; ce sont les sons subtils. Les téléspectateurs peuvent même ne pas remarquer les bruits de fond comme les oiseaux, le vent, la circulation et les chiens qui aboient au loin, mais ils remarqueront s'ils ne sont pas là. Ces petits sons sont naturellement autour de nous partout, tous les jours. Arrêtez-vous un instant et écoutez simplement votre environnement sonore. Pensez maintenant à mettre ces sons dans votre travail. Avez-vous une scène dans un quartier urbain louche? Eh bien, faites en sorte que cette sirène de police semble venir de très loin, pas de devant, et vous avez le début d'un paysage sonore riche.
5. Adoucissez votre son
L'adoucissement du son est un processus qui prend du temps et peut-être même de la douleur, mais c'est tellement important. La majorité des films insupportables dans les festivals de cinéma peuvent attribuer leur disparition à un son médiocre. Un bon son, bien sûr, commence sur place, mais il se termine par un adoucissement. Les niveaux de chaque élément sonore sont-ils parfaits ? Votre compteur ou audiomètre VU (unité de volume) est votre ami ici, mais pas l'autorité finale. L'oreille et le bon sens d'un éditeur doivent déterminer le meilleur niveau de décibels pour chaque élément audio. Le point principal est d'examiner chaque unité sonore individuellement, puis avec les autres sons de la scène, pour s'assurer que les niveaux sont parfaits.
6. Modifier avec rythme
Cette section n'apparaît pas vers la fin de cet article car elle est promulguée en dernier; un bon monteur pense au rythme avant même qu'il ne s'assied pour la première fois à la baie de montage. Un éditeur doit toujours être conscient du rythme. Le producteur / réalisateur Jim Jarmusch écoute souvent différents types de musique avant et pendant un montage pour le mettre dans «l'ambiance rythmique» qu'il souhaite pour le montage. Les bons éditeurs rasent ou ajoutent souvent aussi peu qu'une seule image, un trentième (ou un vingt-quatrième) de seconde pour garder le rythme. Il s'agit d'une procédure image par image. Un rythme parfait peut faire ou défaire l'attention d'un public.
7. Obtenez la note avec la couleur
La correction des couleurs est volontairement la dernière. Cela devrait être la dernière étape pour plusieurs raisons. Comme pour les effets sonores, il n'y a pas grand intérêt à affiner la couleur d'un clip si vous ne le modifiez que plus tard. De plus, les nouveaux correcteurs de couleurs ou applications d'étalonnage des couleurs haut de gamme, comme Apple's Color, sont des applications autonomes, et non des plug-ins ou des effets qui fonctionnent dans l'éditeur. L'étalonnage est à l'image ce que l'adoucissement est au son. Il mérite beaucoup de temps pour être correctement peaufiné. Ce n'est pas un réglage en un clic. Une bonne notation peut faire la différence entre avoir une bonne vidéo et une excellente vidéo.
Morgan Paar, éditeur collaborateur, est un producteur, tireur et
monteur nomade, qui enseigne actuellement la production vidéo au lycée.