Akira Kurosawa a un jour décrit la force cinématographique comme dérivant "de l'effet multiplicateur de l'association du son et de l'image visuelle". Il est donc étrange que le son soit souvent relégué en marge du cinéma, peu de personnes réalisant réellement son plein potentiel dans une production. Comment pouvez-vous utiliser la conception sonore pour mieux impliquer votre public dans le récit que vous souhaitez raconter ?
Une bonne conception sonore se compose de nombreux éléments. Oui, cela peut inclure l'enregistrement d'effets sonores uniques – l'équipe sonore de « Gravity » a enregistré des guitares sous-marines pour créer leurs sons métal sur métal pour l'espace – mais cela inclut également l'utilisation d'une partition efficace et donner au dialogue une impression de rythme. Il existe un mythe commun selon lequel tout travail sonore devrait être relégué à la post-production, mais c'est une erreur qui laisse les aspects auditifs de votre film derrière tous les autres éléments de production plutôt que de les mélanger de manière cohérente et de les laisser informer la façon dont le film évolue. Planifier votre conception sonore dès le premier jour de l'écriture du scénario signifie que vous pouvez conférer à chaque environnement un plus grand sentiment d'identité, planifier plus méticuleusement vos prises de vue et, dans l'ensemble, faire du son un acteur actif dans le développement de votre récit.
Considérez la scène d'ouverture du western de 1968 de Sergio Leone, "Il était une fois dans l'Ouest". Dès le premier plan, l'ambiance sonore nous plonge dans une impression de grand espace. Une porte qui grince. Le chant des oiseaux qui gazouillent. Le vent et l'air humide s'abattent sur la gare isolée - et un moulin à vent qui grince innocemment. Ce moulin à vent apparemment inoffensif devient le tissu conjonctif pour le reste de la scène. Tandis que nos trois hommes armés se prélassent au bord des voies, nous nous enfonçons dans une aisance familière avec l'atmosphère environnante. Puis, huit minutes après le début du film, le train fatal arrive avec un grondement fort et presque tous les autres sons disparaissent. Cela souligne la tension du moment, alors que la cible des hommes armés apparaît de l'autre côté des pistes, et le premier véritable échange de dialogue du film se produit. Il y a une fusillade. Au moment où le cercle des coups de feu s'estompe, nous revenons à un plan du moulin à vent, qui a retrouvé sa voix avec le milieu environnant. La tension de la scène se dissipe. 
Une scène comme celle-ci n'aurait jamais été possible si son réalisateur n'avait pas construit la scène d'une manière qui permettait au son de respirer. De plus, cela nous montre comment le son peut être utilisé pour créer une conscience spatiale - une fois que l'on nous a montré le moulin à vent, une fois que nous savons quel son lui associer, ce qui signifie que nous pouvons dire à quelle distance il se trouve sans jamais avoir à le revoir. dans le cadre.
Un autre facteur important à prendre en compte lorsque vous travaillez sur l'audio est le point de vue du personnage que vous essayez de suivre. En travaillant en tandem, visuels et sonores peuvent nous emmener directement dans l'esprit de nos personnages, les rendre empathiques ou du moins plus intéressants à regarder. Il peut également manipuler toute la perspective du spectateur sur les événements de votre histoire.
Dans "The Conversation", un homme de surveillance professionnel devient obsédé par une conversation enregistrée qu'il a faite pour un mystérieux client. Le concepteur sonore Walter Murch nous emmène au plus profond de l'esprit de l'homme alors que les lignes de la conversation se répètent dans sa tête, prenant des tons de plus en plus sinistres à mesure que son état mental est compromis. Il y a une ligne spécifique qui devient essentielle à l'intrigue, dans laquelle l'une des voix de l'enregistrement dit :"il nous tuerait s'il en avait l'occasion". Dans un autre exemple de la façon dont les sons et les dialogues répétés peuvent évoquer différentes réactions tout au long d'une image, cela conduit l'homme - et les téléspectateurs - à croire que le couple de l'enregistrement est en danger. Plus tard dans le film, les mots sont répétés et, basés sur de nouvelles informations et un nouveau contexte dans l'intrigue, ils semblent prendre une nouvelle signification surprenante. 
Le son, la musique et les dialogues sont des outils puissants pour emmener le spectateur dans la psyché d'un personnage. Ils peuvent donner au public un plus grand sentiment d'immersion et servir d'élément récurrent dans l'histoire. Comme pour la vidéo, il existe une infinité de façons de jouer avec le son pour le faire « parler » au public. Tout ce qu'il faut, c'est un peu plus de conscience du rôle que votre conception sonore doit jouer et une volonté d'explorer les possibilités sonores.
BARRE LATERALE
Walter Murch, monteur de films et grand-père de la conception sonore moderne, a pratiqué une méthode de montage unique dans laquelle il coupe un film avec tout le son coupé. Essayez cette technique par vous-même en tant qu'exercice en désactivant les sons synchronisés potentiellement gênants, vous serez peut-être mieux en mesure d'imaginer le paysage sonore d'une scène et d'éditer avec un plus grand sens de l'espace pour savoir où les sons doivent être placés.
Arthur Lance est un écrivain passionné et un cinéphile.