L'espace narratif est l'environnement construit dans lequel se déroule une histoire. Contrairement à l'espace réel, l'espace narratif est nécessairement et intrinsèquement fragmenté. Des morceaux d'environnements réels et entièrement fabriqués sont mélangés afin de présenter l'apparence d'un espace cohérent, même lorsqu'un tel espace n'existe pas dans la réalité. En tant que telle, la construction de l'espace devient un élément de base de la narration qui doit être manipulé avec intention et créativité.
Suivre les règles
Les cinéastes suivent certaines directives afin que le public puisse comprendre les relations entre les personnages dans l'espace et que l'illusion d'un espace complet puisse être maintenue.
Par exemple, la règle des 180 degrés, qui dit qu'une fois qu'une ligne d'action a été établie, votre caméra ne doit pas franchir cette ligne pour éviter de dérouter le spectateur. Si deux personnages sont engagés dans une conversation, la caméra doit rester d'un côté de la ligne imaginaire qui les relie. Si la caméra passe de l'autre côté de cette ligne, les personnages sembleront changer soudainement de position, allant à l'encontre de l'interprétation initiale de l'espace par le spectateur et le distrayant de l'histoire.
Lorsque vous traversez cet axe, la ligne d'action, nous sommes confus car les informations présentées ne correspondent pas à l'espace que notre cerveau a déjà construit à partir des prises de vue précédentes. Le public n'est plus en mesure de conserver une image mentale cohérente de l'espace dans lequel les personnages naviguent et le film commence à s'effondrer.
Bien sûr, il y a des moments où cette règle et toute autre règle cinématographique peuvent être contournées ou enfreintes, mais il est important de comprendre pourquoi ces règles existent et comment elles affectent la perception de l'espace par le public et l'histoire qui s'y déroule.
Construire l'espace grâce au montage
Nous faisons des hypothèses sur l'espace en fonction de la façon dont les plans sont assemblés. Lorsque des informations manquent, nous comblons les lacunes avec ce qui a le plus de sens. Par exemple, si deux personnages sont engagés dans une conversation et que l'environnement qui les entoure est cohérent en termes de décor et d'éclairage, nous supposons que ces deux personnages sont dans la même pièce, même sans prise de vue pour confirmer cette hypothèse. C'est ainsi que fonctionnent les conversations dans notre expérience. Dans la réalité de l'événement pro-filmique - ce qui s'est réellement passé devant la caméra - ces acteurs n'auraient peut-être jamais parlé face à face.
Les scènes de poursuite, comme la célèbre scène de poursuite de San Francisco dans "Bullitt", relient souvent des espaces éloignés les uns des autres et peuvent même sauter d'avant en arrière le long d'un chemin. Le montage permet de construire un parcours parfaitement logique dans le récit mais impossible à suivre dans la vraie vie.
Les personnes qui connaissent très bien San Francisco peuvent trouver certains des sauts spatiaux les plus évidents de la scène de poursuite « Bullitt » déconcertants ou humoristiques, mais en général, le public ne sera pas dérangé par ces sauts car ils sont utilisés pour produire un espace cohérent. , bien qu'il soit complètement construit dans le processus d'édition. Tant que le récit de la poursuite lui-même a un sens, le lieu physique pro-filmique n'est pas pertinent.
Espace lointain
Construire l'espace à travers le montage n'est qu'un des moyens par lesquels la manipulation délibérée de l'espace peut fonctionner pour raconter votre histoire plus efficacement. Par exemple, "Citizen Kane" a utilisé une mise au point approfondie pour présenter une vision cohérente et cohérente de l'espace occupé par les personnages dans chaque scène.
Dans la scène où Mme Kane confie la garde de Charles à M. Thatcher, nous commençons à l'extérieur dans la neige avec Charles Kane et suivons en arrière par la fenêtre ouverte et dans la maison Kane. Ce travelling et la mise au point profonde du cadrage final relient explicitement l'intérieur et l'extérieur à travers la fenêtre tout en excluant simultanément Charles Kane de toute décision prise concernant son avenir à l'intérieur de la maison.
Plus tard, lorsque le père de Charles décide de fermer la fenêtre, il rompt cette connexion entre l'intérieur et l'extérieur, et même si Mme Kane rouvre la fenêtre, rétablissant apparemment cette connexion, son corps bloque notre vue de Charles. Le plan suivant se tourne alors vers l'intérieur et s'éloigne de Charles, renforçant encore son exclusion de la maison.
Nous pouvons voir que la façon dont l'espace est présenté dans cette scène contribue à notre interprétation globale des événements et même du film dans son ensemble - que ce soit consciemment ou non. Cela souligne l'importance de l'intentionnalité lors de la construction de l'espace narratif occupé par vos personnages.
Candidature
Le point à retenir ici est que chaque espace cinématographique que vous avez rencontré est une construction, soit au sens littéral d'un décor construit sur une scène sonore, soit au sens plus abstrait où chaque plan ultérieur enrichit notre compréhension de l'espace dans lequel le récit prend lieu.
En tant que conteurs, nous devons être conscients de cette vérité cinématographique car elle assure non seulement la continuité dans l'interaction de nos personnages avec leur environnement, mais présente également des opportunités intéressantes pour raconter nos histoires avec un vocabulaire cinématographique plus riche. La prochaine fois que vous regarderez un film, réfléchissez à la façon dont les personnages et la caméra naviguent dans l'environnement. Comment l'espace affecte-t-il votre interprétation des relations entre les personnages ? Pourquoi un espace particulier semble-t-il plus ou moins cohérent ? Les réponses à ces questions indiqueront de nouvelles façons de manipuler cet élément cinématographique de base pour une narration plus percutante.