Avant que vous ou moi ne prenions jamais un appareil photo, nos ancêtres (et mères) photographes étaient en train de photographier, d'apprendre et d'ouvrir de nouvelles pistes à suivre. J'ai toujours été très rassuré par ce fait. Savoir que nous faisons partie d'une longue lignée de preneurs d'images et de créateurs d'images devrait nous donner un sentiment de fierté. Grâce à leur volonté et à leur détermination, ils ont traversé des moments difficiles, des échecs et parfois des controverses afin de nous donner une longueur d'avance incroyable pour devenir de meilleurs photographes.
Ironiquement, beaucoup de ces géants de la photographie, comme la plupart des autres personnes de grande influence, n'ont pas commencé à l'être au début de leur carrière. Beaucoup avaient simplement besoin d'un emploi, d'autres avaient besoin d'un exutoire pour leurs penchants artistiques, et d'autres encore… eh bien, ils avaient échoué dans ce qu'ils voulaient devenir au départ.
Dans cette édition de ce que j'appelle avec amour, The Master's Series, nous examinerons deux grands photographes qui ne sont pas devenus facilement célèbres. Vous apprendrez de leur sagesse durement gagnée quelques conseils qui peuvent vous aider à améliorer votre propre photographie.
Robert Capa
Capa de Gerda Taro
Robert Capa, qui est en fait né dans ce monde sous le nom d'Endre Friedmann, était un photographe et photojournaliste hongrois. Sa passion était de donner la photographie de guerre aux masses d'une manière proche et personnelle qui n'avait jamais été vue auparavant. Il est né en octobre 1913 et a rencontré sa fin prématurée le 25 mai 1954. Au cours de ces 41 années, Capa a pris des photos dans le feu de l'action pendant cinq guerres. Son travail a pratiquement défini l'image que nous avons de la Seconde Guerre mondiale, y compris l'invasion de la Normandie depuis les lignes de front d'Omaha Beach.
En 1947, Capa fait partie d'un groupe de photographes qui se réunissent à Paris pour former Magnum Photos. Parmi les membres du groupe, des grands comme Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David "Chim" Seymour et William Vandivert. Magnum deviendrait la première agence mondiale pour les photographes indépendants et les photojournalistes.
Leçons que vous pouvez apprendre de Robert Capa
Positionnez-vous pour la prise de vue
Augmentez vos chances de faire de meilleures photos en vous mettant en position de les faire. Quand je dis "meilleure position", je veux dire cela à la fois au sens figuré et au sens littéral. Capa était célèbre pour avoir dit:"Si vos photos ne sont pas assez bonnes, vous n'êtes pas assez proches." Capa était réputé pour son intrépidité et se lançait dans l'action pour réaliser ses photographies. Vraiment, en règle générale, se rapprocher de votre sujet peut non seulement améliorer la qualité d'une image, mais également augmenter son impact visuel auprès du spectateur.
Cela étant dit, se mettre en position de produire un meilleur travail signifie également que vous devez savoir quelle photo vous essayez de capturer. Préparez-vous à prendre la photo, c'est-à-dire le bon objectif, le bon trépied, les autorisations, etc. Enfin, assurez-vous de savoir ce qui doit être fait pour faire une exposition au meilleur de votre potentiel.
Faites-vous la promotion de manière créative
Pourquoi André Friedmann a-t-il cessé d'être André Friedmann pour devenir Robert Capa ? La réponse est simplement un meilleur marketing. Si vous êtes du genre linguistique exceptionnel, vous avez peut-être remarqué que Capa est le mot hongrois pour requin. Quand Capa était un garçon, c'était le surnom que lui donnaient ses amis. Vous voyez, Capa n'attirait pas beaucoup d'attention sous son prénom, alors un nouveau personnage a été inventé comme façade pour son travail. Ce nouveau personnage était celui du photographe américain célèbre mais entièrement fictif Robert Capa, qui était censé faire une tournée en Europe à l'époque. Les clientes ont adoré. Bientôt, le travail affluait et Capa était en passe de devenir une légende de la photographie.
Cela ne signifie pas que vous devez cesser d'être vous-même pour avoir plus de succès en tant que photographe. Cela signifie simplement que parfois vous devez faire ressortir un peu de créativité lorsque vous vous vendez en tant qu'artiste. En quelque sorte, travaillez à fabriquer votre propre identité de photographe. Cultivez votre propre style. Assurez-vous de ne montrer que votre meilleur travail. Racontez l'histoire de la photo au lieu de simplement la montrer. Soyez charismatique et accueillant avec vos clients et n'ayez pas peur de parler favorablement (sans vous vanter) de vous-même et de votre travail.
Ne soyez pas toujours obsédé par la perfection technique
Cela peut être une tâche très difficile à maîtriser. Il est facile de se laisser prendre par l'obtention de la bonne ouverture ou de s'assurer qu'il n'y a pas trop de grain avec cet ISO. Lorsqu'il s'agit d'images photojournalistiques telles que la photographie de rue, les émotions et l'ambiance d'une scène ou d'un sujet doivent retenir votre attention. Dans le temps qu'il faudrait pour ajuster cette mise au point, le moment peut passer. L'important est de vous apprendre qu'une bonne exposition d'un grand moment l'emportera presque toujours sur une grande exposition d'une scène médiocre.
Cette photo aurait pu être mieux ciblée, mais j'ai peut-être raté l'aspect de la concentration.
Parrainer ceux qui veulent apprendre
C'est un gros problème, et peut-être l'une des choses les plus importantes que vous puissiez apprendre de Robert Capa pour vous aider à grandir en tant que photographe. Capa a reconnu que la photographie ne progresserait jamais s'il n'y avait pas de nouveaux photographes pour prendre sa place et celle de ses collègues une fois leur temps écoulé. Il a donc consacré une bonne partie de son temps à réseauter avec d'autres photographes et à leur enseigner le métier.
Lorsque vous encadrez ou donnez de vous-même pour aider un nouveau photographe à s'améliorer, vous avez peut-être sans le savoir un impact énorme sur l'art de la photographie. L'appréciation de la transmission des principes et des techniques photographiques est peut-être la plus grande contribution qu'un photographe puisse apporter au monde.
Jerry Uelsmann
Image reproduite avec l'aimable autorisation de l'Université de l'Indiana
Dire que ce prochain photographe est un individu intéressant est à la fois exact et en même temps une description totalement inadéquate. Né le 11 juin 1934 à Detroit, Jerry Uelsmann est l'un de ces grands artistes qui vole juste sous le radar du courant dominant, mais dont le travail est vraiment unique et inspirant. Comme beaucoup, son ascension dans le monde de la photographie a été lente et laborieuse. Il découvre la photographie à l'adolescence. De son propre aveu, il croyait qu'en faisant des photos, il était capable de vivre en dehors de lui-même et de résider dans un monde de sa propre création.
Il finira par obtenir des diplômes de plusieurs collèges et se retrouvera finalement à enseigner la photographie à l'Université de Floride au début des années 1960. Sa carrière a démarré en 1967 lorsqu'il a décroché une exposition de photographies solo au Musée d'art moderne de New York.
Jerry a commencé son travail une trentaine d'années avant l'avènement des logiciels de retouche photo tels que Photoshop. Il est devenu célèbre grâce à sa production de photographies en noir et blanc hautement surréalistes et manipulées. Il a tout fait dans la chambre noire - en utilisant plusieurs négatifs avec jusqu'à douze agrandisseurs, qu'il a ensuite littéralement « superposés » les uns sur les autres pour créer son produit fini. Beaucoup de ses images combinent des éléments du monde naturel ainsi que des représentations humanistes et des objets fabriqués par l'homme.
Leçons que vous pouvez apprendre de Jerry Uelsmann
N'ayez pas peur de post-visualiser
Si vous débutez dans la photographie, vous avez probablement entendu certaines phrases clés mentionnées à maintes reprises. L'un des plus importants est celui de la pré-visualisation. Les enseignants et les écrivains (moi y compris) adorent verbaliser ou écrire des analogies poétiques sur ce que signifie "voir" une image avant le déclenchement de l'obturateur. Ce que l'on entend par là, c'est que vous pouvez vous apprendre à composer, encadrer et traiter mentalement une photographie avant même qu'elle ne soit réalisée. Faire des photographies devient tellement plus satisfaisant une fois que vous avez réussi à développer cette compétence photographique difficile mais essentielle.
Le revers de la médaille est quelque chose dont on parle rarement, mais qui est néanmoins intéressant et qui suscite la réflexion. Ce dont nous parlons ici, c'est de l'acte de post-visualisation. Cela peut être considéré comme l'exact opposé de la pré-visualisation d'une photo, mais ce n'est pas aussi simple que cela. Uelsmann est littéralement le maître originel de ce processus. Il a photographié des objets et des scènes distincts, avec l'intention expresse de réaliser plus tard une œuvre finie qui mélange des éléments de chacun. Essentiellement, il a vu la photographie terminée après avoir déjà produit une série d'images autrement sans rapport.
Essayez la post-visualisation par vous-même. Parcourez certaines de vos anciennes images et voyez si le passage du temps vous aide à les regarder d'une nouvelle manière. Recherchez différentes cultures qui pourraient rendre l'image plus forte. Voyez si une image peut bien fonctionner en noir et blanc et expérimentez avec les ombres. Ajustez la balance des blancs et changez complètement l'ambiance d'une photo. C'est vraiment tout ce qu'est la post-visualisation; regarder quelque chose qui existe déjà et voir ce qu'il pourrait devenir d'autre.
Une image que j'ai faite il y a plus de quatre ans.
Ici, nous le voyons d'une manière complètement différente après un traitement créatif récent.
Réalisez votre vision
Restez fidèle à votre vision. C'est la phrase clé que vous devriez retenir de ce point. Uelsmann a produit des images difficiles à comprendre pour certains. Ils n'étaient pas facilement acceptés et les techniques qu'il utilisait étaient considérées par certains comme de la supercherie. Pourtant, il produisait les images qu'il voulait, quelles que soient les manipulations qu'il devait faire dans la chambre noire.
Faites tout ce que vous devez faire. Qu'il s'agisse de post-traitement, de filtres, de bordures funky, d'une sélection de couleurs étranges - n'importe quoi. Ce n'est peut-être pas du goût de tout le monde, mais c'est la beauté de la photographie. Faites tout ce qu'il faut pour obtenir l'image que vous souhaitez créer.
Vous échouerez, mais vous n'êtes pas un échec.
Jerry Uelsmann est un cas classique de quelqu'un qui a refusé d'abandonner. Il a continué d'essayer malgré ses difficultés initiales à l'école et la mauvaise acceptation de ses premiers travaux. Au lieu de fermer définitivement les portes de sa chambre noire, il a décidé de continuer. Faire des images qui l'ont ému était son objectif et il n'a pas laissé les frictions de la vie l'arrêter.
La nature même de son travail, qui était d'abord rebutante, a commencé à être ce que les gens ont fini par aimer. Donc, si vous êtes bloqué sur un projet, si vous avez des problèmes avec un client, ou même si votre appareil photo semble impossible à apprendre, n'oubliez pas de continuer. Rien d'intéressant à faire n'a jamais été facile.