Récemment, j'ai écrit un guide du nouveau photographe sur les paramètres de l'appareil photo. Une fois que vous vous êtes familiarisé avec les réglages de votre appareil photo, l'étape suivante consiste à apprendre les règles d'une bonne composition et d'un bon design pour votre photographie.
Voici donc les 10 conseils les plus importants à prendre en compte lors du cadrage de votre scène. Votre guide de composition.
Grand Central Terminal et Chrysler Building, NYC
#1 Comment les yeux du spectateur traverseront-ils la scène ?
Je préfère penser à la composition comme si c'était un jeu pour plaire aux yeux, et si vous voulez plaire aux yeux, ils ont besoin de quelque chose à faire et d'un endroit où aller. Lors de la création d'une image, vous voulez penser au chemin que les yeux du spectateur emprunteront à travers la scène, et s'il s'agira d'un chemin fluide ou d'un chemin discordant.
- Chemin fluide – une image avec des lignes directrices, comme une route ou un ruisseau, ou une image avec un premier plan, un plan intermédiaire et un arrière-plan, qui guident progressivement vos yeux d'un niveau à l'autre.
- Chemin discordant – une image avec plusieurs sujets bien espacés pour que les yeux rebondissent entre eux. Puisqu'il n'y aurait pas de lignes menant entre les objets dans ce type d'image, ils doivent être bien espacés dans la scène.
Si vous regardez la photo ci-dessus, les yeux sont dirigés directement vers la statue de Grand Central dans le tiers supérieur gauche de la scène, en particulier parce que la plupart des gens lisent de haut en bas et de gauche à droite. Les yeux sont ensuite dirigés vers le Chrysler Building Spire et vers le pont détaillé. Ces trois éléments forment une forme de triangle pour guider les yeux, cependant, le pont agit comme un élément très important de la composition, empêchant les yeux de quitter la scène et les ramenant dans l'image, où ils peuvent soit se diriger vers le statue ou jusqu'aux gens et aux voitures dans la rue.
#2 Surveillez le bord de vos images
Dans la continuité du conseil n° 1 ci-dessus, pour qu'une image soit équilibrée, les bords de l'image doivent être équilibrés. Les yeux ont une tendance naturelle à vouloir tomber sur une image à travers ses bords. En plaçant des éléments dans les coins, vous vous arrêtez et attirez l'attention des yeux, les repoussant dans la scène. C'est pourquoi les images de paysage ont souvent de petites branches d'arbres ou de feuillage dans les coins supérieurs du ciel, et pourquoi le vignettage est couramment utilisé.
Central Park South, New York
Remarquez les branches dans les coins supérieurs qui fonctionnent pour garder les yeux dans le cadre. Les éléments d'angle fonctionnent souvent encore plus efficacement lorsqu'une partie seulement d'entre eux est visible.
#3 Règle des tiers contre images centrées
La règle des tiers est plus une suggestion qu'une règle. J'ai vu des gens pousser les choses à l'extrême, mais il y a tellement de cas où une composition centrée ou différente est préférable.
La règle des tiers consiste à placer votre ou vos sujets principaux à l'une des quatre intersections d'un tiers de votre photo, ce que vous remarquerez dans la deuxième image ci-dessous. Cela est plus agréable pour les yeux et vous permet également de faire la mise au point simultanément sur un sujet au premier plan d'un côté, tout en disposant d'une quantité importante d'espace pour un arrière-plan intéressant afin d'équilibrer la scène.
Bâtiment de la Bourse de la soie, NYC
Règle des tiers
Sur la photo ci-dessus, bien qu'il ne soit pas exactement sur la troisième ligne (ce n'est pas une règle rigide), vous pouvez voir que le bâtiment est équilibré par l'arbre sur la troisième ligne correspondante. Les bâtiments sur chaque bord agissent comme des lignes directrices et ont pour but supplémentaire d'agir comme des cadres de bord pour garder les yeux dans la scène.
Cependant, n'ayez pas peur de placer votre sujet principal au centre. Un sujet centré peut bloquer tout le reste de la scène et vous faire vous concentrer uniquement sur l'élément le plus important. Cela fonctionne particulièrement bien avec une forte expression faciale ou un regard dans les yeux. De plus, cela fonctionne pour les scènes symétriques, qui peuvent sembler extrêmement équilibrées.
Rucker Park, New York
#4 Horizontal – Vertical ou asymétrique
Que ce soit pour capturer une image horizontalement, verticalement ou légèrement inclinée est toujours une décision difficile. Il existe de nombreuses raisons de photographier à la fois horizontalement et verticalement, mais je trouve souvent que les photographes ont tendance à se fier davantage à un format.
Les images horizontales semblent souvent plus naturelles à regarder car elles imitent la façon dont nos yeux voient le monde. Ils vous permettent également d'insérer plus d'éléments dans votre image et ils fournissent un format plus facile pour que les yeux traversent l'image.
Un format vertical peut être avantageux lorsque vous souhaitez vous rapprocher et faire la mise au point sur un seul sujet ou sur une zone restreinte. C'est un moyen de simplifier votre photo et de vous débarrasser de tout élément susceptible de détourner l'attention de votre sujet principal.
Lorsque vous créez une image horizontale ou verticale, vous voulez vous assurer que vos lignes sont droites. S'ils sont légèrement décalés, l'image ne sera pas équilibrée. Cependant, vous voudrez parfois incliner vos sujets sous un angle. Inclinez vos sujets pour que la scène ne soit ni horizontale ni verticale ajoute de l'intérêt et de l'énergie à la photo. Cela favorise une sensation spontanée et le manque d'équilibre peut en fait être agréable pour le spectateur.
Prise de vue serrée, classique et verticale par rapport à une prise de vue énergique, biaisée et détaillée
#5 Triangles et le numéro trois
La forme triangulaire peut être très importante pour une bonne composition en photographie. Cela ne fait pas référence à la forme réelle d'une image, mais à une relation entre trois objets qui créent un triangle dans la scène.
Tant que les trois objets sont capables de s'équilibrer, cela est agréable pour les yeux car cela crée un chemin constant à travers la scène.
Magasin Prada, SoHo, NYC
#6 Perspective
La hauteur à partir de laquelle vous photographiez peut être un facteur important dans l'apparence de vos images. Si vous souhaitez mettre l'accent sur la hauteur et la puissance d'une scène, approchez-vous du sol et inclinez légèrement la caméra vers le haut. Les gens auront l'air plus importants et proéminents, et les objets comme les arbres ou les montagnes auront l'air encore plus grands.
La prise de vue à partir d'un angle de caméra élevé, d'autre part, rend tout plus petit et moins puissant. Si la hauteur de prise de vue devient suffisamment extrême, l'image peut même avoir tendance à prendre un aspect abstrait et graphique.
Lorsque vous photographiez des personnes, faites toujours attention à l'angle de la caméra. Parfois, soulever ou abaisser légèrement la caméra peut faire une grande différence.
#7 Minimaliste contre Maximaliste
Minimaliste fait référence au fait de garder une photographie très simple, comme une image avec un seul sujet et un arrière-plan agréable et calme. Cela peut créer un design très puissant et graphique. Il y a du pouvoir dans la simplicité. Valérie Jardin, a récemment écrit un bon article sur la photographie minimaliste.
Maximaliste, quant à lui, fait référence à une image chaotique, avec de nombreux éléments qui se font concurrence et se jouent les uns des autres. Cependant, dans le chaos, il y a un équilibre. Ce type d'image est très difficile à créer de manière équilibrée, mais quand cela fonctionne, cela peut être un délice pour les yeux qui permet au spectateur d'explorer la scène.
Canal Street, New York. Équilibre dans le chaos
L'image ci-dessus ne fonctionnerait pas si les sujets n'étaient pas tous répartis uniformément dans la scène.
#8 Couleur
La couleur est un aspect essentiel du design. Une couleur forte sur votre sujet principal peut ajouter une touche supplémentaire, tandis qu'une couleur forte dans un élément insignifiant peut ruiner l'équilibre d'une photo.
Il y a une grande tendance ces jours-ci vers des couleurs fortes et irréalistes en photographie, comme dans les films ou sur instagram. Les couleurs fortes attirent mieux notre attention au début, mais les couleurs douces peuvent être tout aussi intéressantes et créer autant d'ambiance que les couleurs fortes, sinon plus. Explorez la désaturation légère de vos images.
Chaque couleur a ses propres propriétés et sa capacité à créer une ambiance dans une image. Une teinte rouge peut ajouter une sensation chaleureuse et énergique à une photo, tandis qu'une teinte bleue peut rendre une scène calme ou froide et stérile. Comme l'affirme le photographe portraitiste Dan Winter, "le vert est une couleur intrinsèquement apaisante et invitante, et est liée à notre environnement naturel." Winters utilise le vert pour plusieurs de ses portraits.
Voici quelques façons dont les couleurs peuvent jouer les unes sur les autres pour ajouter de l'équilibre :
- Couleurs complémentaires (couleurs du côté opposé de la roue chromatique)
- Couleurs analogues (couleurs côte à côte sur la roue chromatique)
- Différentes couleurs dans des nuances similaires
- La même couleur dans différentes nuances
Spring et Bowery, NYC
#9 Se rapprocher et remplir le cadre
C'est une notion très importante. Déterminez ce qui est important dans le cadre, rapprochez-vous et ne capturez que cela. Découpez tout le reste et enveloppez le sujet principal. Si la partie la plus intéressante d'une personne est ses yeux, alors capturez les yeux de près.
Propriétaire de magasin, Trash and Vaudeville, NYC
#10 Unicité et violation des règles
Apprenez ces règles et pratiquez-les, mais gardez à l'esprit que vous devez parfois enfreindre les règles. Soyez unique dans la mesure du possible. Il n'y a rien de plus agréable à l'œil que quelque chose de différent.
Avez-vous des conseils supplémentaires que vous aimeriez ajouter à cette liste? Merci de partager dans les commentaires, avec des exemples d'images si vous en avez.