Quel que soit le niveau de photographe, vous êtes sûr d'avoir accumulé un stock de pixels.
C'est juste comme ça de nos jours. Que vous soyez le genre de personne qui obstrue son disque dur, ralentissant progressivement votre Mac ou votre PC jusqu'à ce que vous soyez obligé de faire quelque chose. Ou peut-être êtes-vous déjà super organisé après avoir conservé des négatifs, des CD, des DVD, des disques durs, un système de raid ou même le cloud ?
En effet, quelle que soit la méthode de stockage que vous choisissez, vous devez cataloguer les fichiers par nom, événement et année, afin que vous puissiez les récupérer sans avoir une ventilation complète lors de la recherche de votre fichier préféré. Après tout, la photographie devrait être un plaisir, pas une douleur.
De nombreux photographes utilisent Lightroom, qui est un excellent programme, non seulement pour l'édition, mais aussi pour organiser votre pile de pixels sans cesse croissante. Mais alors quoi ? Que faites-vous d'eux alors ? Je pense que vous conviendrez que nous passons tous trop de temps devant des écrans ? Alors, pourquoi garderiez-vous vos chefs-d'œuvre sous clé au format numérique ?
Créer ce diaporama tueur avec lequel vous étonnerez vos amis est très amusant, surtout si vous avez un grand téléviseur ou un projecteur numérique. Attention toutefois au contenu de votre diaporama. Rien de pire que de rendre visite à un ami, seulement pour être soumis à regarder à travers chaque cliché pris pendant ses vacances. Les diaporamas ne devraient pas durer plus de dix minutes, sinon les gens perdent généralement leur intérêt. Gardez-les simples aussi, pas trop d'effets fantaisistes, cela rendrait votre spectateur mal à l'aise !
Vous avez donc ce catalogue plein de superbes images, et ensuite ? Je dirais profitez-en. Faites imprimer et encadrer vos favoris. La photographie est personnelle, comme toute autre forme d'art. En imprimant vos images spéciales et en les accrochant chez vous, vous profitez non seulement des fruits de votre travail, mais vous créez également une décoration murale personnalisée. Cela montre vos talents à vos amis, sans avoir besoin d'un long diaporama.
Vous constaterez peut-être qu'au fil du temps, les photographies encadrées signifient plus ou moins pour vous. C'est tout à fait naturel à mesure que nous grandissons, et nos goûts et nos habitudes changent également. Ne vous inquiétez pas, vous pouvez toujours les remplacer par de nouvelles images. Ce n'est pas comme au bon vieux temps où le portrait de vos parents était resté à l'endroit donné pour toujours. En fait, il est rafraîchissant de changer vos images de temps en temps. Tout comme le papier peint ou tout autre élément de design d'intérieur, passez à autre chose. Ce n'est que lorsque vous pourrez regarder une photo que vous avez prise il y a peut-être 10, 20 ou 30 ans et que vous l'aimez toujours, que vous saurez que c'est un gardien !
J'ai une formation de spécialiste du portrait et du mariage. Jetons un coup d'œil à une image de mon portfolio. Je décrirai le processus de la capture au montage, et enfin la pièce encadrée pour le mur (ci-dessus).
#1 – Faites le bon choix à huis clos
Comme vous pouvez le voir, la vieille chaise et la douce lumière naturelle étaient parfaites pour la base de ce portrait. J'ai positionné la mère dans le premier tiers de l'image, en plaçant ses jambes sur le bras de la chaise pour un look contemporain plus décontracté. Mes instructions pour elle étaient simplement de se rapprocher et de regarder votre beau garçon. Tout ce que j'avais à faire était alors d'amener le tout-petit à regarder dans la bonne direction, avec l'expression qui convenait. Un jouet qui couine sauve souvent la situation !
La mère est de profil, tandis que le bambin est de trois quarts, ce qui ajoute de l'intérêt et des angles différents à l'image. L'éclairage était une grande fenêtre (pas avec la lumière du soleil dure) à droite. J'ai également placé un réflecteur juste en dessous des bottes de la maman, pour ramener la lumière dans les yeux et s'enrouler doucement dans l'ombre. L'exposition était de 1/250e (gelant le tout-petit) avec une ouverture de f/5,6, en utilisant une distance focale de 70 mm, alors que mon dos était appuyé contre le mur du fond de la pièce.
Donc pour résumer; J'ai l'impression que les expressions sont bien saisies. L'éclairage est adapté, doux et directionnel. L'image a du style et est bien équilibrée sur le plan de la composition. Mais il a juste besoin de quelque chose de plus. L'étape de capture est si importante pour réussir. Photoshop ne doit pas être considéré comme un fixateur. Le grand Ansel Adams a parlé de « virtuosité de l'impression » et ce n'est pas parce que nous fabriquons maintenant nos images sur un écran, par opposition à la chambre noire, que la qualité et la finition sont toujours primordiales.
Jetez donc un œil à l'image modifiée ci-dessous.
#2 Réglages de base dans Photoshop ou Lightroom
Tout d'abord, vous devrez niveler l'image dans Photoshop, en amenant les curseurs pour simplement couper l'histogramme aux deux extrémités. Cela garantit de la profondeur dans les noirs et de bons blancs nets. Le ton moyen est vraiment votre facteur X, mais sachez simplement que vous avez des détails dans tous les tons si c'est le look que vous recherchez. Attention si vous le faites trop clair, l'image pourrait apparaître laiteuse. Alors que si vous rendez les tons moyens trop sombres, l'image pourrait apparaître boueuse.
Deuxièmement, j'ai ajusté la saturation et la teinte de l'image pour obtenir la palette de couleurs dont j'ai besoin. Souvent, vous pouvez aller entre les niveaux et la saturation, et apporter de petites modifications au fur et à mesure que l'image prend forme.
#3 – Ajouter une superposition de texture (facultatif)
Ensuite, vous pouvez faire comme ici, ajouter une superposition de texture. J'ai senti qu'il complimentait la chaise dans son style shabby chic. J'ai photographié un morceau de mur, puis j'ai mélangé les deux images en utilisant l'opacité dans la palette des calques. J'ai ajouté un masque de calque, puis j'ai frotté avec une brosse douce pour créer le look subtil que vous voyez ici. J'ai ensuite ajouté un léger flou gaussien à partir des filtres PS, en mélangeant les deux calques.
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#4 – Contrôle de tonalité locale
Enfin, pour compléter mon image, j'avais besoin de Dodge and Burn. Comme vous pouvez le constater, il s'agit vraiment d'une compétence de finition subtile et ne doit pas être laissée à un filtre Photoshop. Dans un prochain article, j'expliquerai exactement comment esquiver et graver vos images comme un professionnel, en dirigeant l'œil de votre spectateur vers les parties importantes de l'image. Mais pour l'instant, voyons la pièce finale telle qu'elle était accrochée au mur de ma galerie.
#5 – Imprimez-le
J'ai imprimé l'image sur du papier à texture rugueuse Fuji fine art 300mgs, que j'adore. Le papier n'est pas seulement excellent pour le rendu des couleurs, il a aussi une dent merveilleuse, ajoutant de la texture et de la profondeur. J'ai encadré le portrait dans une simple monture sans acide en chêne naturel et blanc. J'ai choisi le verre transparent. Bien qu'on parle beaucoup de verre non réfléchissant, cela aplatit et ternit simplement l'image; Je ne le recommanderais pas. Le portrait fini complète son environnement et s'intègre bien dans le décor et l'espace donné.
Comme je le disais au début de l'article, il est important d'afficher vos images préférées plutôt que de les cacher sur un ordinateur. Je suis heureux de partager avec vous que j'ai fait exactement cela ici. Voici ma petite amie Yvonne et mon fils Miles.
Certains photographes préfèrent imprimer leurs propres images. Cela peut être un très bon moyen d'accélérer le flux de travail et d'obtenir exactement les bonnes couleurs dont vous avez besoin. Ces dernières années, les imprimantes sont devenues plus petites et les encres et le papier plus archivistiques. J'investirai peut-être cette année simplement pour la facilité d'utilisation et le respect des délais des clients. Peut-être un problème, selon des amis qui impriment les leurs, est que vous avez tendance à avoir une bonne quantité de papiers et d'encres de profilage gaspillés. Si vous n'êtes pas un photographe particulièrement à fort volume et à grande sortie, les puits d'encre peuvent se boucher, provoquant des éclaboussures de pigment. Cependant, je pense que ces deux problèmes sont maintenant presque éradiqués à mesure que la technologie s'améliore d'année en année.
Si vous choisissez, comme le font de nombreux photographes professionnels, d'utiliser un laboratoire professionnel, vous devez fermer la boucle de la couleur dès le départ. J'utilise un Spyder 4, comme le montrent les captures d'écran ci-dessous, et mon laboratoire utilise les Epson 9900 et 4900 pour imprimer les papiers beaux-arts Giclee dont j'ai besoin.
Il est connecté via USB à votre moniteur et simple à suivre avec des instructions à l'écran. Fondamentalement, il réaligne les couleurs dans l'espace de couleurs que vous utilisez. Jusqu'à récemment, la plupart des laboratoires suggéraient sRGB, car les couleurs vues sur votre écran correspondaient à peu près à ce qui pouvait être imprimé. L'autre espace souvent utilisé est Adobe 98, mais toutes les machines d'impression ne peuvent pas produire de telles subtilités de couleur. Les progrès avancent et il existe des machines capables d'imprimer Adobe 98, mais mon conseil pour l'instant serait de s'en tenir à sRGB (demandez à votre laboratoire si vous voulez savoir lequel ils utilisent).
Parce que vous travaillez dans un espace colorimétrique donné, le laboratoire peut régler ses propres moniteurs en conséquence, et avec un technicien qualifié, la boucle doit être bouclée. Parfois, vous pouvez trouver une impression légèrement trop sombre ou trop claire. Cela peut être dû au fait que la lumière ambiante dans la vôtre ou celle de votre imprimante est légèrement différente. Une bonne relation de travail est ce qui est nécessaire lors de l'utilisation d'un laboratoire. Lorsqu'on leur demande de réimprimer une image, ils doivent travailler avec vous et vous offrir des conseils et de l'aide si nécessaire. c'est dans l'intérêt de tous. J'ai rarement une impression qui est éteinte, mais si je le fais, mon laboratoire réimprime simplement sans frais.
Alors, comment devez-vous préparer vos fichiers ? Suivez cette liste de contrôle ci-dessous pour en faciliter l'utilisation :
- Toujours filmer en raw. Beaucoup plus de détails enregistrés grâce à la surbrillance à l'ombre.
- Enregistrez le fichier brut mais créez un fichier tiff fonctionnel.
- Une fois que vous êtes satisfait du fichier tiff fini, exportez-le au format jpg si vous l'envoyez à un laboratoire.
- Exportez ou imprimez toujours à 300 dpi pour une qualité optimale.
- Vérifiez vos impressions par rapport à votre moniteur et si des ajustements sont nécessaires, assurez-vous d'en parler d'abord à votre laboratoire.
- Ne compromettez jamais la composition pour la taille d'impression, c'est-à-dire que si votre image est meilleure en 10×5,5 plutôt qu'en 10×8, faites-le ainsi et déposez-le sur le format de papier disponible le plus proche. Faites simplement fabriquer un tapis adapté à votre chef-d'œuvre.
N'accrochez pas vos impressions finies à la lumière directe du soleil. Comme tout ce qui a des fibres et des colorants naturels, ils s'estomperont. Correctement accrochées, les impressions à jet d'encre sont désormais considérées comme très stables et comme une alternative à la chimie de laboratoire traditionnelle pour des raisons environnementales, mais aussi pour des couleurs de meilleure qualité et une gamme de tons accrue.
S'il vous plaît partager des photos de tirages que vous faites et accrocher sur vos murs dans les commentaires ci-dessous. Posez également toutes les questions que vous pourriez avoir sur le processus et je vais essayer de vous aider.