Lors de l'enseignement des techniques d'éclairage, j'explique à mes élèves que, pour comprendre où et pourquoi une lumière est positionnée d'une certaine manière, il faut commencer par le début. L'art classique, la peinture en particulier, détient la majorité des indices dont nous avons besoin pour commencer à éclairer nos personnages. L'esthétique de l'éclairage a été établie il y a des centaines d'années.
Alors que de nombreux artistes grands et talentueux ont contribué à la qualité fondamentale du travail que nous faisons, celui qui est peut-être le plus attribuable est Rembrandt Van Rijn. Rembrandt est le plus connu des peintres hollandais classiques. Il est né en 1606, dans une ville au sud-ouest d'Amsterdam. En 1625, il ouvrit un atelier et commença son étude émouvante du drame de l'expérience humaine à travers la peinture. Il a porté une attention particulière aux visages et aux yeux de ses sujets, car ce sont les lieux où s'expérimentent les immédiatetés de la révélation. Son attention particulière portée à la forme et aux détails du buste (épaules, tête et cou) a formé la base d'un style qui restera avec lui toute sa carrière.
Commencez avec la clé
L'un des principaux défis rencontrés par Rembrandt, et d'autres dans l'Europe du XVe siècle, était le rendu de sujets en trois dimensions sur une toile en deux dimensions et la qualité de l'image en termes de réalisme. À l'époque de Rembrandt, il y avait peu de façons d'éclairer votre sujet. On pouvait peindre à l'extérieur là où l'éclairage était le plus abondant, mais le temps était un facteur, ou dans un studio qui avait besoin d'un éclairage de fenêtre adéquat ou d'une ambiance artificielle appropriée. La gamme de tons et la qualité des couleurs indiquent que la majorité des sujets de Rembrandt ont été peints à l'intérieur sous des lampes à huile ou à la lumière d'une bougie. Remarquez la qualité chaleureuse des figures 1 à 4.
La forme du visage est entièrement formée lorsque le placement soigneux de la source de lumière principale est dirigé vers le sujet. Ce faisant, nous créons ce que nous appelons une lumière « clé ». Au cours de sa carrière, Rembrandt a réalisé une série d'autoportraits dans le but de comprendre cette relation. Une étude attentive des changements qui se produisent dans sa propre ressemblance a révélé à quel point l'éclairage jouait un rôle central dans la définition de la texture et du caractère de ses sujets.
La lumière principale est la lumière la plus importante dans un scénario d'éclairage à trois points. Sans cela, notre sujet n'aurait pas un éclairage adéquat pour établir la forme, le volume, la couleur ou la texture de base de la peau et des vêtements. Le placement de la lumière principale peut avoir des effets démonstratifs sur l'étroitesse ou la plénitude de notre apparence. Une position perpendiculaire à notre cadre (side-light) rend une qualité plus fine au visage. Considérez les figures 1 et 3. 
Si nous fermons l'angle de la lumière principale et l'amenons davantage à l'avant du sujet - plus près de l'objectif de la caméra - le résultat est un visage plus plat avec moins d'ombres pour définir les caractéristiques de la surface. Notez les effets plus ronds de l'éclairage plus frontal des figures 2 et 4. 
Lignes de rire et triangles d'or
Dans la majorité des cas, lorsque l'angle de réflexion parfait de la lumière clé de Rembrandt était atteint, une petite tache de surbrillance triangulaire apparaissait sous l'œil du sujet, située à l'opposé de la source lumineuse. Notez les figures 1 et 4. Ce sous-produit est connu sous le nom de "Triangle d'or". Rembrandt a compris que, s'il pouvait observer le Triangle d'Or de son point de vue, la lumière clé fournissait la forme la plus flatteuse et la plus dramatique à son sujet, encadrant efficacement l'expression tout en définissant les aspects des structures du nez et des joues. Bien sûr, tous les résultats sont subjectifs, mais, si nous essayons un éclairage de style Rembrandt, être témoin du Triangle d'Or est une indication que nous avons réussi. 
Alors que le bord du chapeau dans chacun de ces exemples bloque une abondance d'éclairage près du haut du front, c'est le placement élevé de la lumière clé qui prononce les traits du visage lui-même. Les pommettes, les rides du rire, les lèvres pleines, les sourcils saillants, le nez bulbeux et les traits du menton sont tous affectés par la hauteur de la lumière principale et sa proximité du côté par rapport à l'avant du sujet. La position initiale de notre lumière clé est à 45 degrés hors axe de l'appareil photo, par rapport au sujet, et légèrement au-dessus du niveau des yeux. À partir de ce point de départ, nous le déplaçons en fonction du sujet sur lequel nous travaillons. 
Clair-obscur :surbrillance et ombre
Une fois que nous avons atteint la qualité Key souhaitée et que notre sujet est correctement formé et éclairé, nous devons décider d'un niveau de contraste global pour le rendu. Le clair-obscur est un terme, de la Renaissance, qui implique le niveau de lumière par rapport à l'ombre que nous autorisons dans notre éclairage. Plus nous créons de contraste lors de l'éclairage de nos sujets, plus «l'ambiance» peut être évoquée. Les images avec un degré élevé d'ombre sont considérées comme mystérieuses ou à connotation négative. À l'inverse, moins de contraste utilisé dans notre éclairage peut impliquer l'ouverture, l'amour ou la conscience.
Remarquez le niveau d'exposition sur le visage de la "Prophétesse Anna", de 1631. Dans le cadre de l'artiste, une vieille femme lit un manuscrit avec la lumière de sa clé qui coule par-dessus son épaule (fig. 5). 
Prenez note de la mesure dans laquelle nous voyons des détails sur son visage. Même si elle est détournée de sa source de lumière, son comportement est pleinement réalisé lorsque la lumière rebondit sur la Bible et sur son visage. Cette qualité d'éclairage indirect est appelée «remplissage» et peut être obtenue assez facilement en faisant rebondir la lumière sur le sujet ou en utilisant une source de lumière secondaire dirigée. Nous appelons cette source supplémentaire une lumière « d'appoint », car elle « remplit » les ombres et réduit le contraste global de la scène. En règle générale, les lumières d'appoint sont positionnées de manière complémentaire ou opposée à leur source principale par rapport au placement de la caméra.
La mesure dans laquelle nous utilisons une lumière d'appoint est dictée par nos goûts personnels ou par les indices subtils énoncés dans notre scénario. Si l'inconnu est déduit ou si la suggestion de la mort, du mal ou de la tristesse est requise, nous pouvons utiliser un petit degré de remplissage. Ou pas du tout, comme dans la figure 2.
Plus nous éclairons la scène, plus les implications sont positives pour nos personnages. Notez l'aspect non conflictuel de l'autoportrait de la figure 4 ? Comme indiqué précédemment, la lumière d'appoint peut être introduite sous forme de lumière indirecte ou réfléchie, comme cela serait collecté sur des costumes brillants. La lumière d'appoint peut également être réfléchie sur des surfaces, comme des tables, des comptoirs et d'autres décors, ou avec du papier cartonné blanc appelé "Show Cards" ou "B-Boards". Ils sont généralement achetés dans des magasins de fournitures d'art ou des maisons de location d'éclairage. Ils peuvent également être fabriqués à partir de panneaux de polystyrène, comme les matériaux de construction utilisés pour isoler les maisons, et peuvent être obtenus auprès de votre magasin de rénovation domiciliaire local. La lumière qui rebondit sur des matériaux ou des surfaces colorées conservera la couleur réelle de ces surfaces. Par conséquent, lors de l'achat de carton mousse ou de papier cartonné, il est nécessaire de choisir un matériau de couleur blanc neutre.
Gérer la séparation
La dernière caractéristique qui incarne l'éclairage classique de style Rembrandt est la manière dont nous parvenons à séparer notre sujet de son arrière-plan. Les sujets éclairés dans un espace non descriptif peuvent saigner des détails dans leur arrière-plan, si nous ne gérons pas la séparation. Pour y parvenir, nous devons appliquer une source de lumière supplémentaire aux détails autour du sujet. La façon dont nous choisissons de le faire peut également affecter l'humeur générale.
Considérez un instant les implications de chacune des images présentées. Dans la figure 6, « l'homme au casque d'or » s'éloigne dans l'ombre ou en émerge. Par le regard de tension imposante sur son visage, l'humeur pourrait être interprétée comme mijotant dans une profonde réflexion, des regrets ou de la tension. Les détails des vêtements de l'homme se confondent avec l'arrière-plan et ramènent notre regard sur son visage. 
Le choix délibéré d'obscurcir certains détails est un dispositif pour gérer l'émotion du plan. Prenez soin de remarquer la moindre séparation sur l'épaule gauche de l'homme casqué. C'est juste assez pour créer une sensation d'espace, sans confondre l'ambiance.
En revanche, la figure 7 offre une tout autre connotation. Malgré le fait que le sujet semble aussi profondément introspectif que le personnage du cadre précédent, le ton général est moins inquiétant. La séparation auréolée du mur suggère un ton plus inspirant dans l'image. Les thèmes de la rédemption, de la révélation et de la réflexion sont traduits à la suite de la reconnaissance complète du personnage. 
L'instrument que nous utilisons pour réaliser ce look s'appelle la lumière "d'arrière-plan". C'est le troisième et dernier élément du style Rembrandt d'illumination astucieuse. Il est généralement positionné au-dessus et derrière le sujet et dirigé vers les détails de l'ensemble qui s'alignent à l'arrière-plan. En créant des valeurs plus lumineuses derrière le sujet, nous isolons les valeurs au premier plan et les rendons plus faciles à localiser pour notre œil. Les variations de couleur entre l'arrière-plan et le premier plan peuvent également créer un sentiment de séparation par le degré auquel les teintes s'opposent. Par exemple, des valeurs plus chaudes, pour les objets au premier plan, peuvent être mélangées avec des arrière-plans plus froids (plus bleus) pour les scènes d'intérieur.
La lumière du bord
Dans les temps modernes, avec l'avènement des films et de la télévision, la lumière de fond deviendrait une source d'éclairage dirigée. Plutôt que d'éclairer l'environnement derrière un sujet, la lumière était concentrée sur l'arrière de la tête et des épaules du sujet. Du point de vue de la caméra, une lumière "de bord" brillante et scintillante a été créée.
En raison de la nature rudimentaire de la télévision en noir et blanc, un éclairage de fond serait parfois inadéquat. Cependant, lorsqu'il est combiné à une lumière arrière plus dure et plus intense, le profil d'un sujet est plus clairement établi par rapport à son arrière-plan sur un écran plus petit. Ce qui a commencé comme un mécanisme pour compenser une expérience de visionnage électronique rudimentaire est devenu des années plus tard un élément qui aide à définir notre esthétique contemporaine.
Intensité, Forme, Couleur
En résumé, nous avons examiné les techniques employées par Rembrandt pour donner une qualité de tridimensionnalité à un portrait peint. L'intensité globale, la forme et la couleur du sujet éclairé sont établies avec trois sources d'éclairage. La lumière principale crée la forme et la luminosité globale. La lumière d'appoint contrôle la quantité de contraste et le niveau de détail dans les ombres, créées par la lumière principale. Une lumière d'arrière-plan ou de bord est ensuite utilisée pour séparer le profil du sujet des détails de l'environnement ou du décor.
Les photos suivantes présentent des variations de forme à l'aide d'une clé Rembrandt et d'une lumière de bord dans un environnement de « limbes noirs » non descriptif. Un remplissage doux et mineur a été utilisé de manière subjective. Remarquez comment l'ajout de la lumière de bord est plus ou moins nécessaire en fonction de la réflectivité des tons chair. Comprenez également comment l'utilisation d'une lumière de bord peut être contre-intuitive par rapport à l'ambiance créée par notre clé. 
Ce qui est intéressant à considérer, lors de l'étude du style d'éclairage de Rembrandt, est la notion que toutes ces affirmations de la forme humaine ont été conçues par l'observation directe et une attention minutieuse aux détails. A aucun moment il n'a bénéficié d'un appareil de capture moderne. Sa compréhension du rendu dimensionnel, par l'application de la lumière directe ou indirecte et de l'angle d'incidence, est non seulement précise, mais toujours utilisée aujourd'hui. Son style est la référence à partir de laquelle tous les photographes, directeurs de la photographie et gaffers en herbe commencent à exprimer leurs propres styles et préférences.
Rembrandt Van Rijn est décédé en octobre 1669, mais son héritage perdure à chaque fois que des créateurs d'images créatifs se rendent sur le plateau. Les outils ont changé au fil des siècles, mais les mêmes objectifs et le même niveau de savoir-faire sont requis. Nos attentes en tant que créatifs et notre appréciation en tant que spectateurs sont le produit de normes raisonnées établies il y a 350 ans.
Michael Walsh, est un technicien d'éclairage chevronné d'Hollywood avec une expérience sur 74 longs métrages et plus de quatre cents épisodes de télévision.