Les scènes de combat ajoutent de l'excitation à pratiquement toutes les histoires. Cependant, en faire des dispositifs de narration dynamiques n'est pas aussi simple que de positionner la caméra et de faire en sorte que vos acteurs s'affrontent. Une bonne chorégraphie de combat est cruciale. Si vous voulez créer des scènes de combat crédibles qui engagent le public, vous aurez besoin d'aide.
Dans le combat depuis le début
Si vous voulez que vos scènes d'action prospèrent, vous devrez commencer à les planifier dès les premières étapes de la pré-production. Avant même d'en arriver à l'étape de la chorégraphie, il y a un certain nombre de décisions à prendre :
Choisissez votre style – Le type de combat dans votre projet dépendra de l'histoire. Donc, vous devrez choisir un sous-genre tôt. De la bagarre de rue au MMA en passant par les maîtres d'arts martiaux plus fluides, vous devez vous assurer que le style de combat que vous utilisez correspond au ton de l'histoire. Après tout, l'histoire d'un petit bagarreur essayant de se faire une place dans le circuit professionnel n'aurait probablement aucun sens avec des scènes de combat de style Matrix.
Rechercher des personnes - S'installer sur un style de combat facilitera votre recherche d'un chorégraphe ainsi que le casting. Vous voudrez choisir quelqu'un qui maîtrise ce style spécifique pour donner à vos combats l'authenticité dont ils ont besoin.
Alors que les films à gros budget ont le luxe de former des acteurs et de planifier des chorégraphies de combat pendant des mois avant le tournage, un projet à petit budget pourrait ne pas le faire. Ainsi, il peut être préférable de trouver des acteurs qui ont déjà une formation approfondie.
Emplacement - Le cadre d'une scène de combat a un impact considérable sur votre planification et votre chorégraphie. Même quelque chose d'aussi simple qu'un combat dans une ruelle apporte un certain nombre de facteurs à prendre en compte. Les personnages utiliseront-ils des bennes à ordures, des poteaux électriques ou d'autres éléments généralement trouvés dans une ruelle ? Y a-t-il des objets (tuyaux, bouteilles cassées, poubelles, etc.) qui pourraient être utilisés comme armes ? Les réponses à ces questions tiennent compte non seulement de la chorégraphie, mais aussi des accessoires dont vous aurez besoin sur le plateau.
Qui est impliqué – Une partie de la décomposition de votre script consiste à noter qui sera requis sur le plateau devant et derrière la caméra. Même les petites scènes de combat justifient la présence d'experts en sécurité des cascades. Tout artiste martial vous dira que des accidents se produisent, quel que soit le niveau de compétence d'une personne. En tant que tel, vous voudrez vous assurer d'avoir les membres de l'équipe nécessaires sur le plateau.
Le résultat – Au-delà de savoir qui gagne (basé sur le script), vous devez considérer les répercussions secondaires. Si des personnages sont blessés pendant le combat, cela pourrait les affecter plus tard dans l'histoire ou lors de batailles futures. De même, si des accessoires clés sont détruits pendant le combat, vous voudrez assurer la continuité de l'histoire au-delà de ce point.
Logistique de la chorégraphie de combat
Dans l'ensemble, vous voudrez laisser les détails d'un combat à votre chorégraphe. Cependant, il y a quatre principes de base à connaître :le blocage, le flux, la variation et la continuité. Chaque élément fonctionne ensemble pour créer un combat qui (espérons-le) sera attrayant pour le public, quel que soit le nombre de fois qu'il regarde.
Lorsque vous réfléchissez à la chorégraphie de votre scène de combat, la variation est cruciale. Vous ne voulez pas de scènes de combat répétitives qui n'ennuieront que les téléspectateurs. Flow, définit le rythme et assure une bataille continue. Les combats qui s'arrêtent et commencent après seulement quelques mouvements manquent de tension et se sentent visiblement hors de propos pour les téléspectateurs. Imaginez votre scène de combat comme des vagues dans l'océan. Il y aura des creux (ralentissant pour le dialogue), mais les combats devraient continuellement se développer et augmenter en intensité avant de culminer.
La continuité dans la chorégraphie ne consiste pas seulement à s'assurer que les coups de poing et les coups de pied se succèdent d'un coup à l'autre. Vous devrez également empêcher toute déconnexion entre les actions importantes. Supposons qu'un personnage ramasse une arme mais, quelques attaques plus tard, il la lâche inexplicablement. Cela n'a aucun sens et, sans une sorte d'explication de la continuité, cela ne fera que confondre le public.
Préparer le tournage
Au fur et à mesure que vous terminez votre chorégraphie et que vous vous rapprochez du tournage de votre scène de combat, un tout nouvel ensemble d'éléments doit être pris en compte. Il y a beaucoup à penser et il est utile d'avoir des connaissances pratiques sur le style de combat que vous allez filmer. Ainsi, prendre quelques leçons de base de votre chorégraphe vous aidera à comprendre comment filmer tout cela. Vous devrez entrer dans votre tournage aussi préparé que possible. Voici quelques façons de vous simplifier la vie :
Pratiquez, pratiquez et encore pratiquez – Les acteurs devront répéter autant que possible les scènes de combat. À mesure que vous vous rapprochez de la date de tournage, faites des répétitions avec la caméra, l'éclairage et les membres de l'équipe en place. Dans la mesure du possible, organisez des répétitions en costume pour préparer les acteurs aux conditions de tournage.
Divisez-le en segments - Peu importe la longueur ou la brièveté de la scène de combat, c'est une bonne idée d'avoir des "pauses" intégrées. Cela permet d'éviter que vos acteurs ne s'épuisent en faisant plusieurs prises. Imaginez devoir faire un combat ininterrompu de cinq minutes encore et encore. Les segments vous permettent de modifier le tournage et de vérifier la continuité. Cela aidera également à filmer des inserts et des plans de coupe pour plus tard.
Une liste de plans claire - L'élaboration d'une liste de plans pour les scènes d'action peut sembler une tâche ardue. Surtout parce que certaines parties de votre chorégraphie peuvent limiter le nombre de prises que vous pouvez obtenir. La dernière chose que vous voulez est d'accéder à la baie d'édition et de vous retrouver à souhaiter un angle différent à un moment où il n'y a aucun moyen de reproduire/capturer. Avoir des répétitions avec la caméra facilitera considérablement la création de votre liste de plans.
Vendre le combat
Quel que soit le style de combat que vous choisissez, il doit y avoir un élément de réalisme dans votre scène. Même les combats les plus fantaisistes des films de Kung Fu filaires (par exemple, Hero, Crouching Tiger, Hidden Dragon) réagissent de manière réaliste lorsqu'ils sont touchés. Comment pouvez-vous vendre votre combat au public?
Réactions crédibles – La première étape pour «vendre les coups» se résume à vos acteurs et à leurs réactions tout au long du combat. Aucune quantité de travail de caméra ou de magie de montage ne peut corriger les réactions qui ne correspondent pas aux mouvements lancés (par exemple, un acteur jetant sa tête / son corps dans la direction opposée de l'impact). Qu'il s'agisse de remonter dans le temps avec la livraison du mouvement ou simplement d'agir essoufflé après un gros coup à la section médiane; des réactions réalistes sont cruciales. Grâce à toutes ces répétitions que vous avez faites pour la chorégraphie, il ne devrait pas y avoir de quoi s'inquiéter sur le plateau lui-même.
À huis clos - Le cadrage et les mouvements de caméra ont un impact important sur la vente de coups de poing et de pied, ainsi que sur les réactions des acteurs. L'angle droit garantit que les mouvements semblent entrer en contact, même s'ils sont en fait distants de plusieurs centimètres. Déplacer la caméra de manière dynamique (par exemple, secouer pour accentuer la puissance d'un coup, zooms rapides pour donner l'illusion de vitesse et panoramiques/inclinaisons pour suivre le flux des coups) rend vos combats plus engageants dans l'ensemble.
Déterminer les meilleurs mouvements de caméra peut être délicat. C'est pourquoi il est important d'ajouter le cadreur et l'équipement lors de quelques répétitions. Vous pourrez expérimenter les mouvements de la caméra, ou peut-être même couper un montage approximatif des séquences d'entraînement pour déterminer exactement les plans/mouvements que vous souhaitez utiliser.
Rien par hasard
Rien dans les scènes de combat n'arrive par hasard. Il n'y a pas d'amélioration des séquences d'action. Ils nécessitent une planification minutieuse dès le début. La recherche et la pratique seront vos meilleures alliées pour créer des scènes de combat captivantes. Gardez ces principes fondamentaux à l'esprit tout au long de chaque phase du processus et vous réaliserez des scènes d'action incroyables avant de vous en rendre compte.