Le scénario est la colonne vertébrale d'un film. C'est la version écrite d'un film, et c'est ce que tout le monde sur le plateau travaille ensemble pour donner vie.
Pour beaucoup, écrire un dialogue peut être la partie la plus intimidante de l'écriture de scénario. Lorsque vous avez une idée de film, vous avez une histoire en tête, vous pensez à ce qui se passe et comment cela se passe. Mais quand vient le temps d'écrire le script, il est incroyablement facile de trébucher sur ce que les personnages se disent réellement.
Cet article vise à aider les personnes qui travaillent sur des projets cinématographiques scénarisés à écrire des dialogues naturels.
Principes d'un bon dialogue
Bien qu'il n'y ait pas de formule pour le dialogue, il y a des principes clés à garder à l'esprit qui aideront. Aucune d'entre elles n'est une règle absolue, mais elles ont tendance à vous orienter dans la bonne direction.
Le dialogue est la cerise sur le gâteau, pas le gâteau lui-même :
Le film est avant tout un support visuel, et votre histoire doit être racontée visuellement avant tout. Gardez à l'esprit qu'il y avait de grands chefs-d'œuvre du cinéma réalisés à l'époque du muet. Donc si le dialogue n'est pas nécessaire pour faire un film, pourquoi l'utilisons-nous ? Le dialogue est l'un des nombreux outils utilisés par les cinéastes et il est particulièrement apte à démontrer les relations entre les personnages et à faire avancer l'intrigue.
Le dialogue doit être motivé par le caractère :
En fin de compte, le dialogue est profondément lié au personnage qui le dit. Dans la plupart des cas, vous ne devriez pas pouvoir changer quel personnage dit quoi sans retravailler une ligne. Chaque personnage est un individu et dit les choses à sa manière, en fonction de son parcours et de ses expériences. En écrivant votre scénario, vous aurez besoin d'une solide compréhension de chacun de vos personnages principaux et de ce qu'ils veulent. Chaque personnage doit être clairement différencié et distinct.
Vouloir + Obstacle
Chaque scène captivante parle de quelqu'un qui veut quelque chose qui négocie un obstacle sur son chemin. C'est la racine du conflit dramatique et c'est pourquoi nous aimons les histoires. C'est ce conflit qui devrait propulser votre dialogue :qui est votre personnage, ce qu'il veut et ce qui se passe s'il ne l'obtient pas. Si vous essayez de garder votre dialogue concentré sur ces choses, vous êtes sur la bonne voie.
Modèles de discours réels vs dialogues à l'écran :
Il est important de comprendre comment les gens parlent dans la vraie vie et de noter que le dialogue à l'écran n'est pas le même. Dans la vraie vie, les gens démarrent et arrêtent des trains de pensée, ils utilisent beaucoup de mots de remplissage – « euh, umm… etc », – les gens se laissent distraire et prennent des tangentes. Certains de ces modèles de discours réels ne fonctionnent pas bien pour le film narratif. Même s'il est "réaliste" que quelqu'un commence et arrête une pensée, ou jette un "hum" entre chaque mot, cela va ralentir le rythme de votre film ; il laisse le vent sortir des voiles. C'est-à-dire que cela dégonfle la tension dramatique que vous construisez. Il y a des occasions où ces modèles de discours peuvent être utilisés intentionnellement à des fins dramatiques, mais pour la plupart, il vaut mieux les éviter. Le dialogue à l'écran est analogue à la parole réelle, mais il est légèrement nettoyé à des fins dramatiques.
Flux, variation et clarté :
Vous voulez que votre dialogue coule. Pour avoir l'impression que c'est naturel. Développer un rythme ou une cadence. La partie importante est la clarté. Le public doit savoir ce que votre personnage dit, quels que soient les mots qu'il utilise pour le dire.
Choses à éviter
Ce sont des directives générales sur certaines des choses que vous voulez éviter lors de l'écriture d'un dialogue. Il y a des exceptions à chaque règle, et si enfreindre l'une de ces directives aide à faire avancer votre histoire ou à approfondir la compréhension du public d'un personnage, alors n'en tenez absolument pas compte. Mais dans la plupart des cas, cela vous aidera si vous pouvez éviter ce qui suit :
Plaisirs
Commencer une scène sur quelque chose comme :"Salut, comment vas-tu ?" "Je vais bien, comment vas-tu?" "Je vais bien, merci de demander", est généralement indésirable. Cela ralentit la scène et votre public perdra rapidement tout intérêt. Une règle de base de l'écriture de scénario est d'entrer dans votre scène le plus tard possible et d'en sortir le plus tôt possible. Soyez concis.
Être "sur le nez"
Lorsqu'un personnage dit exactement ce qu'il pense, cela s'appelle un dialogue "sur le nez". Dans la vraie vie, les gens n'expriment pas souvent clairement ce qu'ils ressentent. Ils utilisent la subtilité, ils couvrent leurs vrais sentiments avec une couche de « socialement acceptable », ou ils se trompent. Lorsque le dialogue est sur le nez, il semble souvent artificiel.
Exposition
C'est à ce moment qu'un personnage explique l'intrigue ou la mécanique de l'histoire. Il est tentant d'utiliser le dialogue pour dire littéralement au public ce qui se passe, mais cela semble maladroit et contre nature. Parfois, c'est tout simplement inévitable, mais vous devez prendre toutes les mesures nécessaires pour minimiser l'exposition dans votre dialogue.
Pour de meilleurs résultats, révisez !
Écrire un scénario bien développé est en grande partie un processus de révision. Trop souvent, les nouveaux écrivains ont l'impression que lorsqu'ils atteignent "Fade Out", leur travail est terminé. C'est à ce moment que les écrivains chevronnés commencent la phase suivante du processus :la révision. N'hésitez pas à réécrire votre travail. Les scénaristes professionnels rédigent souvent une douzaine d'ébauches ou plus d'un scénario avant qu'il ne soit prêt à être tourné.
Le premier brouillon d'un projet est également connu sous le nom de « brouillon vomi », l'idée étant que vous vomissez simplement toutes les idées sur la page, sans rien retenir. Sortez-le, écrivez-le, ce n'est pas grave si c'est mauvais ; le processus de révision est le moment où vous commencerez à le façonner en quelque chose de grand. Il est facile de se laisser prendre à l'auto-édition :revenir constamment en arrière et peaufiner vos mots pour les rendre parfaits, mais c'est un piège qui vous conduira à ne jamais finir la chose. Rédigez un brouillon de vomi, puis revenez et révisez !
Une fois que vous avez terminé votre brouillon de vomi, il est bon de mettre le script de côté pendant quelques semaines et de ne pas le regarder. Cela permet à votre cerveau de se reposer. Lorsque vous revenez au scénario, vous pouvez le regarder avec des yeux neufs. Vous commencerez à remarquer que des choses que vous pensiez incroyables ne semblent plus fonctionner.
Après avoir pris du temps, revenez et faites un deuxième brouillon. Ce sera là que vous commencerez à donner un sens au brouillon de vomi. Coupez les parties qui ne sont pas essentielles pour raconter l'histoire et commencez à retravailler le dialogue qui n'atterrissait pas, en vous assurant que chaque ligne a un impact en guidant l'histoire ou en révélant le personnage.
Commentaires
Une fois que vous avez fait quelques brouillons de votre script et qu'il se trouve dans un endroit où vous vous sentez bien, il est temps d'obtenir les commentaires de personnes en qui vous avez confiance. Une façon de trouver des gens pour lire votre travail est d'avoir un groupe d'écrivains - quelques amis qui liront et critiqueront le travail des autres. Les commentaires que vous obtenez sont connus sous le nom de «récupération de notes» et vous permettent de voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Découvrez si les gens comprennent qui sont vos personnages et ce qu'ils veulent. Vous avez une idée si le dialogue est convaincant et si chaque personnage a sa propre voix ? Il est important d'être ouvert à la critique. Armé de nouveaux commentaires de sources fiables, il est temps pour un autre brouillon !
Après avoir incorporé quelques séries de notes et de brouillons, vous commencez à vous sentir en confiance dans le script. Vient maintenant le prochain type de rétroaction :une lecture de table. Cela signifie qu'un groupe de personnes lit votre script à haute voix. C'est bien d'avoir suffisamment de personnes pour couvrir les personnages principaux avec peu de chevauchement; il est également utile que quelqu'un d'autre lise le dialogue. Si possible, l'écrivain ne doit pas lire du tout, mais plutôt s'asseoir et écouter le son des mots qui sortent de la bouche de vraies personnes. Si vous avez accès à des acteurs pour cela, cela peut être utile. Les lectures de tableau aideront votre script à prendre vie et révéleront encore plus de parties à réviser !
La dernière étape des révisions vient avec les répétitions et les acteurs réels qui joueront pour votre film. Lorsqu'ils répètent, les acteurs peuvent trouver que certains mots ne leur conviennent pas et ils peuvent vouloir apporter des ajustements mineurs au dialogue. Bien que certains scénaristes s'opposent à ce que les acteurs fassent des changements, je pense qu'il est utile de le permettre dans la limite du raisonnable. Si une phrase est maladroite, laisser l'acteur trouver un autre moyen de faire passer le même message mais qui semble plus naturel vous aidera probablement à obtenir de meilleures performances.
Conclusion
L'écriture de scénario est la pierre angulaire du cinéma et le dialogue est l'un des principaux éléments du scénario. Au début, il peut être écrasant de mettre des mots dans la bouche des personnages, mais avec ces directives, vous êtes prêt à vous lancer. Comme toutes les parties du cinéma, plus vous en faites, meilleur vous deviendrez. N'oubliez pas de garder votre dialogue enraciné dans le personnage et concentré sur la progression de l'histoire.