Un storyboard est une méthode de planification à l'avance et il aide beaucoup pendant le processus de pré-production. En visualisant vos plans avec un storyboard, vous pouvez voir comment vos plans s'emboîtent avant d'avoir tourné un seul pied de film ou une image de vidéo, ce qui vous évitera de perdre du temps et des images. Un bon storyboard vous permet de montrer à votre équipage ce que vous avez en tête et vous évite d'essayer de transmettre ce que vous voulez avec des explications verbales et des gestes de la main frustrés. Lorsque vous montrez vos planches à votre directeur de la photographie et à votre caméraman, ils sauront immédiatement de quel type de prise de vue vous avez besoin et comment cadrer les sujets.
Pendant que vous appreniez à réaliser des films, que vous payiez votre cotisation en tant qu'assistant de production ou autre membre de l'équipe, ou même que vous cherchiez simplement sur Internet, vous avez peut-être vu des storyboards minutieusement détaillés par des artistes professionnels. Des planches comme celles-ci sont agréables, mais vous n'avez pas besoin d'être un artiste talentueux pour scénariser efficacement. Même de simples bonhommes allumettes peuvent donner aux gens une bonne idée de ce à quoi ressemblera votre séquence de prises de vue, par exemple, l'illustration de la figure 1.
L'exemple ci-dessus peut être grossier, mais il s'agit clairement d'un plan à deux avec un personnage plus proche de la caméra. En d'autres termes, les compétences artistiques rudimentaires conviennent parfaitement. Ce que vous devez savoir, cependant, c'est comment vous allez cadrer les sujets de votre film. Une connaissance de base des plans de caméra, associée à quelques astuces de perspective simples, vous permettra de cartographier votre scène dans un raccourci visuel facile à lire.
Les différents types de prises de vue
Commençons par un bref aperçu des prises de vue de base et à quoi elles ressemblent :
Vue de loin
De manière générale, un long plan inclura tout le corps du ou des sujets.
Tir moyen
Un plan moyen représentera généralement votre sujet n'importe où au-dessus des genoux et jusqu'à juste au-dessus de la taille et vers le haut. N'oubliez pas de ne pas couper vos sujets au niveau des genoux ou de toute autre jonction du corps - cela semble maladroit et mal composé. Essayez de les encadrer juste au-dessus ou en dessous du joint en question.
Gros plan
Les gros plans sont ceux où l'on voit le plus souvent le contenu émotionnel d'une scène. Ils permettent de voir de près les visages des personnages, et donc leur état d'esprit. Les gros plans sont généralement cadrés à partir de la poitrine. Parfois, cependant, ils peuvent être encadrés du front au menton, ou n'impliquent même que les yeux du sujet. Nous appelons cela un gros plan extrême.
Gros plan extrême
Les ECU, comme ils sont parfois écrits, ajoutent du drame. Ces prises de vue bénéficient le plus d'une mise au point très serrée. Pour la plupart, ils sont utilisés avec parcimonie, mais un seul ECU peut ajouter un vrai coup de poing à une scène.
Coup de maître
Une note rapide sur le plan maître :c'est un terme faisant référence à un plan qui s'étend sur la durée d'une scène et montre tous les personnages en vue. C'est la manière la plus conservatrice de mettre en scène une scène. Pensez à un coup de maître comme si vous regardiez une pièce de théâtre quelque part dans le public. Vous voyez l'ensemble du décor et où les personnages sont en relation les uns avec les autres sur la scène. Dans les films plus anciens et les productions à plusieurs caméras comme les sitcoms, les scènes commencent souvent par un plan principal afin d'orienter le public, et tous les autres plans de la scène se rapportent à ce plan.
La plupart des productions à caméra unique ne dépendent pas autant de la prise de vue principale. Cependant, garder à l'esprit le plan principal peut vous aider à planifier le reste de votre liste de plans. Par exemple, dans une scène représentant une conversation entre deux personnes, vous pouvez décider de couper sur des gros plans de chaque personne qui parle, plus un plan d'insertion d'un élément dont ils parlent, puis de revenir au plan principal après chacun. . C'est une façon très basique d'éditer une scène.
Il y a aussi des plans spéciaux que vous voudrez peut-être utiliser dans votre storyboard. Voici quelques exemples.
Point de vue
Le POV, ou la prise de vue en point de vue, n'est que cela :il permet au public de voir ce qui se passe à travers les yeux d'un personnage. La façon la plus simple d'indiquer cela est de montrer un personnage regardant quelque chose, puis de couper ce qu'il regarde sous un angle approprié qui donne l'impression que la caméra est à la place de ce personnage. Dans notre exemple de storyboard (voir Figure 2), une femme travaille à son bureau lorsque le chien de la famille entre dans le cadre (A). La femme baisse les yeux (B) et voit le chien qui la regarde en remuant la queue (C). Remarquez comment la juxtaposition des plans transmet le point de vue de la femme et du chien au public.
Les plans POV ont tendance à être utilisés avec parcimonie, bien qu'il y ait eu des films avec des séquences entières tournées du point de vue d'un personnage. En fait, le film noir Lady in the Lake de 1947 a été entièrement tourné depuis le point de vue du personnage principal.
Représenter le mouvement de la caméra
Maintenant que nous avons parlé de quelques plans de base, passons en revue certains mouvements de caméra importants et comment les représenter sur la page :
Panoramique/inclinaison
Le panoramique et l'inclinaison impliquent une rotation latérale ou haut/bas de la caméra sur un trépied ou un point pivot. C'est une façon de placer l'appareil photo sur un autre sujet sans passer à une autre prise de vue. Il peut également être utilisé pour suivre un ou plusieurs personnages lorsqu'ils se déplacent dans le cadre.
Un plan panoramique peut être scénarisé en plaçant d'abord quelques images afin de montrer où la caméra commencera et où elle se terminera, puis en ajoutant des flèches pour décrire le mouvement de la caméra. Dans la figure 3, nous voyons un plan panoramique pour une scène de dialogue simple.
Comme illustré, la caméra se déplace d'abord d'un jeu de caractères à l'autre, puis revient. Les flèches indiquent le sens du mouvement.
Suivre
Un travelling est une autre façon de suivre des sujets. Ce type de prise de vue implique de déplacer l'ensemble de la caméra d'un endroit à un autre et suit souvent un sujet en mouvement. Le suivi peut impliquer de déplacer la caméra avec des chenilles ou sur un chariot ou il peut être effectué à la main.
Dans la figure 4, la caméra suit la mère pendant qu'elle court. Notez la flèche indiquant la direction de la caméra.
Zoomer
Le zoom est un mouvement de l'objectif de la caméra par opposition à un mouvement de la caméra elle-même. Zoomer signifie ajuster l'objectif pour cadrer de plus près le sujet, tandis que faire un zoom arrière signifie le contraire :ajuster l'objectif pour prendre une plus grande partie de la scène. (Voir Figure 5)
Le cadre intérieur indique où le plan commence. Au fur et à mesure de l'action, la caméra se retire, comme indiqué par les flèches. Le cadre extérieur montre où se termine la prise de vue, sur un grand angle montrant toute la pièce et tous les personnages dans le cadre.
Révéler
Que se passe-t-il si vous n'avez pas besoin que la caméra elle-même se déplace, mais que vous souhaitez montrer des personnages entrant, sortant ou traversant le cadre pendant une prise de vue ? Un moyen simple de le faire est de dessiner des flèches. (Voir Figures 6 et 7)
Les flèches peuvent également représenter des mouvements plus petits dans le cadre, comme une rotation de tête. Quelque chose d'invisible entrant dans une scène s'appelle une révélation.
La règle des 180 degrés
Maintenant que nous avons couvert les bases, voici quelques autres éléments à garder à l'esprit lors de la configuration de vos prises de vue. Tout d'abord, vous avez peut-être entendu des gens parler de "ne pas franchir la ligne" lorsqu'ils mettent en place une scène. Ils utilisent un terme d'argot pour la règle ou la ligne d'action à 180 degrés, qui est une règle empirique très importante pour le cinéma. Nous allons démontrer cette règle avec une simple scène de dialogue. Ici, la photo principale montre Bill et Carol assis ensemble à une table (voir la figure 8). Imaginez maintenant cette scène vue du dessus, avec une ligne droite passant au milieu des sujets (voir Figure 9).
Garder votre caméra du même côté de cette ligne, c'est-à-dire la ligne à 180 degrés, assurera la continuité visuelle et empêchera vos spectateurs d'être désorientés.
Nous voyons maintenant le même schéma avec quelques emplacements de caméra possibles (Figure 10). Notez que les caméras pour A, B et C sont du même côté de la ligne.
Mettons les plans A, B et C dans un storyboard. Il finira par ressembler aux figures 10a, 10b et 10c.
Cette séquence de tir respecte la règle des 180 degrés. Bill et Carol ont une conversation. Tout d'abord, nous avons une photo maîtresse d'eux deux, montrant au public où ils se trouvent dans la scène et où ils sont en relation l'un avec l'autre (Figure 10a). Ensuite, un gros plan de Bill (Figure 10b), puis un de Carol (Figure 10c.) Lorsque les plans individuels sont montés ensemble, Bill et Carol semblent se faire face, tout comme ils le sont dans le plan principal.
Essayons maintenant d'assembler les plans A, B et D à partir du diagramme. Le storyboard semblera déroutant, comme dans les figures 11a, 11b et 11d.
Cette séquence de plans est désorientante car elle enfreint la règle des 180 degrés. Remarquez comment Bill et Carol ont maintenant l'air de faire face à la même direction, plutôt que de se regarder de l'autre côté de la table ? Garder votre appareil photo d'un côté de l'action vous évitera un gros mal de tête dans la salle de montage !
Quelques derniers conseils
Maintenant que vous êtes équipé de quelques références visuelles et d'un vocabulaire de base, voici quelques autres choses à retenir. Comme nous venons de le voir, un bon storyboard peut vous éviter de réaliser des scènes désorientantes ou visuellement monotones. Lorsque vous avez illustré vos prises de vue au préalable, vous obtenez un "aperçu" de la façon dont elles se recouperont. D'un autre côté, n'exagérez pas avec des dizaines de plans différents. N'oubliez pas que chaque prise de vue nécessite du temps pour la mise en place, ce qui consomme du temps et du travail de l'équipage.
Enfin, c'est toujours payant de s'entraîner ! Vous pouvez le faire même si vous n'avez pas de script sur lequel travailler. Regardez une scène de votre film préféré. Asseyez-vous avec un crayon et du papier et parcourez la scène plan par plan. Copiez chaque plan sur votre papier, en utilisant les exemples de cet article comme référence. N'oubliez pas que les bonshommes allumettes sont acceptables.
Pendant que vous dessinez, réfléchissez au choix du plan. Comment la sélection des plans contribue-t-elle à l'ambiance générale de la scène ? Y a-t-il beaucoup de gros plans émouvants, ou le réalisateur utilise-t-il des plans larges pour exprimer la distance ou la solitude ? Est-ce qu'il ou elle colle étroitement au plan principal, ou la scène est-elle pleine de mouvement ? Regarder le travail d'autres réalisateurs peut vous en apprendre beaucoup sur la façon dont les scènes sont montées. Vous n'avez même pas besoin de prendre un appareil photo pour le faire !