Il est temps nous soulignons l'importance de la répétition, ainsi que des performances des acteurs, dans vos projets de films et de vidéos.
Nous vivons une époque vraiment formidable pour les professionnels du cinéma et de la vidéo. Non seulement nous avons un accès sans précédent aux caméras, au matériel et à l'équipement - grâce à un marché florissant - mais nous avons également les vastes pouvoirs d'Internet à portée de main pour rechercher, étudier et perfectionner nos connaissances et nos compétences pour la production cinématographique et vidéo.
Pourtant, pour chaque guide d'achat d'appareil photo ou tutoriel Premiere Pro, il y a un aspect de la production cinématographique qui est souvent ignoré sur ces chaînes cinématographiques :le rôle très important du cinéaste dans la répétition et la direction des acteurs et de leurs performances.
Si vous avez déjà regardé des courts métrages d'étudiants en école de cinéma ou si vous avez travaillé sur vos propres projets de bricolage, vous remarquerez des performances en bois, des visages maladroits et des plans de réaction qui semblent très différents de leurs homologues à gros budget et à l'écran de télévision. /P>
À certains égards, cela peut être le reflet des acteurs, de leur niveau de compétence et de leur professionnalisme. Cependant, c'est vraiment le reflet des cinéastes et des réalisateurs qui ont pour tâche de transmettre, d'encadrer et de faire ressortir ces performances.
Regardez certains de vos films classiques et modernes préférés comme exemples. Plus que probablement, vous regardez les produits finaux de mois de répétitions, de conversations profondes avec des personnages et de prises sans fin à la recherche de ces livraisons et réactions parfaites. Alors, pour le bien de votre prochain projet, veuillez tenir compte de ce conseil et donner à vos acteurs, à leurs performances et aux répétitions très importantes la diligence qui leur est due.
Distribuer des paquets de personnages
Commençons au tout début de votre processus de réalisation. Vous avez une idée de court ou de long métrage. Vous n'avez peut-être même pas de scénario écrit, mais vous avez une idée des personnages, des événements et/ou des conflits impliqués. Au fur et à mesure que vous développez votre histoire et affinez votre scénario, gardez à l'esprit que vous créez des personnages que les acteurs devront comprendre, s'approprier et incarner devant la caméra.
De nombreuses productions cinématographiques, en particulier lorsqu'elles traitent avec des scénaristes / réalisateurs d'auteurs, donneront aux acteurs en perspective des paquets de personnages ou d'autres matériaux pour aider l'acteur à commencer à comprendre son personnage et son rôle. Il peut s'agir de tout ce que vous voulez :une histoire de fond, des images d'un magazine, des extraits d'autres films, etc.
Le but n'est pas seulement d'écrire un scénario et de le remettre à un acteur pour en lire les répliques, mais aussi de commencer à y penser comme à la création d'un personnage qui puisse exister dans ce monde cinématographique. Aidez votre acteur à partager cette vision, en la faisant aussi sienne.
Le tableau lu
Dans de nombreuses productions, la première répétition (en quelque sorte) est la lecture de la table la plus importante. Idéalement, vous aurez tous les acteurs présents (ainsi que la majorité des personnes impliquées dans la production) pour vraiment commencer à élaborer le script et ce qui va devoir se passer pour chaque scène. Malheureusement, bien que les lectures de table soient utiles, elles sont plutôt limitées dans la mesure où elles peuvent réellement être une « répétition ». Vos acteurs sont coincés assis à une table, pas dans la garde-robe, la coiffure, le maquillage ou souvent le personnage.
Le tableau lu devrait vraiment être le plus approximatif des brouillons, pas votre première et unique répétition. C'est juste pour s'assurer que tout le monde connaît toute l'histoire et qu'il n'y a pas de problèmes évidents avec le script. Il est également très important que chacun prenne beaucoup de notes ! Les idées commenceront à se former ici et elles devront être traitées une fois que vous aurez commencé les vraies répétitions.
Répétition et blocage
Sur le plus gros budget de fonctionnalités et sur des projets où le talent peut avoir le temps de répéter, vous envisagez plusieurs semaines de répétitions intensives et de blocage. (Et même beaucoup plus longtemps que cela si vous avez écrit des séquences complexes d'action ou de cascades.)
Cependant, cela peut ne pas toujours être disponible pour de nombreuses productions indépendantes ou de bricolage. Pourtant, à tout le moins, vous devriez consacrer un ou deux "week-ends de répétition" où vous pourrez passer une journée ou deux à travailler avec vos acteurs sur leurs performances.
Le blocage est un autre aspect énorme du processus de réalisation d'un film qui peut être tout aussi complexe et important que les lignes et les livraisons. Si vous pouvez commencer à répéter sur le même plateau que celui sur lequel vous filmez, cela vous sera d'une grande aide. Si ce n'est pas le cas, vous devriez avoir une bonne compréhension de ce à quoi ressembleront les décors, où vous voulez que vos acteurs aillent et ce que vous voulez que vos acteurs fassent.
L'échelle des émotions
Une belle astuce de communication qu'un cinéaste ou un réalisateur peut avoir avec ses acteurs est l'exercice de « l'échelle émotionnelle ». À tout moment dans une scène, le personnage d'un acteur ressentira et transmettra une ou des émotions. Qu'il s'agisse de colère, de peur, d'amour, de désespoir ou même d'une combinaison de plusieurs émotions.
En tant que réalisateur, c'est votre travail de transmettre à l'acteur le niveau de ces émotions que vous voulez voir et capturer à la caméra. C'est un excellent échauffement et également très utile lors des répétitions pour que vos acteurs s'exercent à traverser ces émotions à différentes échelles (l'une étant le niveau visible le plus bas et dix étant le niveau extrême le plus élevé). Dans une scène, cela peut être un moyen rapide de vérifier et de transmettre à quel niveau le personnage de votre acteur doit être.
Traiter la caméra comme un personnage
Enfin, alors que vous devez absolument vous concentrer sur vos acteurs et leurs performances, en tant que cinéaste ou réalisateur, vous devez également être tout aussi concentré sur votre caméra et sur la façon dont elle interagira également dans une scène. Nous voyons rarement la caméra statique capturer simplement des performances comme s'il s'agissait d'une pièce de théâtre.
Au lieu de cela, la caméra fait souvent partie intégrante de l'action. Qu'il s'agisse de chariots, de nacelles ou même d'appareils de poche, il est important de planifier les mouvements et les blocages de la caméra, non seulement pour capturer des images dynamiques, mais également pour la sécurité de votre caméra et de vos acteurs.
J'irais jusqu'à suggérer, dans ces premiers jours de répétitions, d'avoir votre caméra (ou un remplaçant de caméra) dans ces sessions. Commencez à répéter où la caméra sera à un moment donné et quels seront les cadrages pour les différentes scènes, séquences et plans.