Dans la première de notre série en deux parties, nous couvrirons certaines choses que vous devrez savoir en tant qu'acteur (ou cinéaste) si vous va être devant la caméra.
Soit vous êtes un tout nouvel acteur, soit vous êtes cinéaste et vous avez des non-acteurs qui viennent travailler sur votre plateau. Si vous êtes un nouveau ou un non-acteur, vous voulez être préparé et professionnel. Si vous êtes cinéaste, vous n'avez pas le temps et vous ne voulez pas non plus décomposer tout ce que vos non-acteurs doivent savoir. Vous avez donc besoin d'un cours accéléré pour vous préparer ou envoyer à votre nouveau casting.
Eh bien, allons-y.
Pratiquez vos lignes
Avant même d'arriver sur le plateau, vous voulez connaître vos répliques ! Cela peut sembler évident, mais je ne saurais trop insister là-dessus. Ne vous contentez pas de les lire plusieurs fois pour vous « familiariser » avec eux – mémorisez-les ! Connaissez-les mot pour mot, connaissez la scène, comprenez-la. Croyez-moi, avoir vos répliques mémorisées est la première étape d'un bon jeu d'acteur. Une fois que vous les avez mémorisés, percez-les de manière à ce qu'ils s'écoulent confortablement de vous. Vous ne semblerez pas aussi naturel si vous trébuchez sur les mots ou si vous vous concentrez sur la mémorisation des lignes au lieu d'agir.
Entraînez-vous à les transmettre à travers une gamme d'émotions. S'il s'agit d'une scène dramatique, assurez-vous que vous êtes en mesure de livrer les répliques avec désinvolture, et vice versa s'il s'agit d'une scène décontractée. La raison en est de vous assurer que vous vous sentez à l'aise avec le dialogue, quelle que soit la manière dont vous le présentez. Lorsque vous vous présentez à une répétition ou à un plateau, le réalisateur peut vous demander de livrer les répliques différemment de ce à quoi vous vous attendiez. Si vous débutez dans le métier d'acteur, cela pourrait vraiment vous décourager.
Bien sûr, tous les concerts ne vous donneront pas des lignes à l'avance. Ils sont peut-être encore en train de les écrire ou ils peuvent vous avoir à volonté. Dans ce cas, essayez simplement d'en apprendre le plus possible sur le personnage auprès du réalisateur.
Créez votre personnage
Tu joues avec qui ? Quelle est sa trame de fond? Qu'aime-t-elle faire? Qui est-elle? En tant qu'acteur, vous devez incarner votre personnage. Parfois, les réalisateurs ou les scénaristes auront une description très détaillée du personnage expliquant l'histoire du personnage, ses espoirs et ses rêves, ses goûts et ses dégoûts, etc. Si c'est le cas, étudiez-le et faites des recherches. Imaginez comment cette histoire affecte le personnage dans les événements du film, pratiquez l'ad-libbing en tant que personnage, bougez en tant que personnage.
Cependant, le plus souvent, vous ne recevrez pas une ventilation aussi détaillée des personnages, voire pas du tout. Alors, composez le personnage vous-même. Bien sûr, vous devez baser le personnage sur la façon dont il apparaît dans le script et assurez-vous d'en parler avec le réalisateur. Mais n'ayez pas peur d'apporter vos propres idées ! Vous voulez juste vous assurer qu'ils sont approuvés.
"Et si mon personnage n'a qu'une seule scène ou seulement quelques lignes?" Développer encore le rôle. Vous n'avez pas besoin d'écrire une biographie de ce personnage, mais vous voulez vous assurer qu'il est aussi réel que possible. Plus vous comprendrez votre personnage, plus il vous sera facile de l'incarner.
Prendre des cours de théâtre
Si vous débutez dans le théâtre (et si vous avez du temps avant la production), suivez un cours de théâtre. Assurez-vous qu'il s'agit d'un cours de cinéma, car le théâtre est très différent et il sera montré à la caméra. Si vous ne pouvez pas vous rendre à un emplacement physique pour les cours, consultez les ressources en ligne telles que MasterClass.com ou même YouTube.
S'entraîner à atterrir sur des marques
Les marques, généralement faites de ruban adhésif, sont des outils pour aider les acteurs à s'arrêter et à se tenir au même endroit à chaque prise. Il est très important de pratiquer cette compétence. Au théâtre, si vous atterrissez à quelques pas ou à quelques centimètres de votre cible, ce n'est pas vraiment un problème car le public peut toujours vous voir. Cependant, si vous n'atterrissez pas sur votre marque sur un plateau de tournage, vous vous retrouverez probablement hors cadre ou flou, ou les deux.
Lorsque vous vous dirigez vers votre marque, vous ne pouvez pas la regarder pour vous assurer que vous êtes sur la cible. Vous devez pouvoir le faire sans le regarder directement. Cela demande un peu de pratique, mais il ne faut pas longtemps pour s'habituer à utiliser sa vision périphérique pour atterrir naturellement sur ses repères. Procurez-vous simplement du ruban adhésif et placez quelques marques en « T » à différentes distances d'un point de départ. Entraînez-vous à marcher vers eux et à vous arrêter naturellement, en ne vérifiant votre précision qu'après vous être arrêté. Une fois que cela devient plus facile, accélérez le rythme ! Courez jusqu'à votre marque, courez jusqu'à votre marque.
Encadrement de l'étude
Le cadrage d'un plan déterminera la quantité d'acteur qui apparaît à l'écran. C'est important car cela dicte la marge de manœuvre dont vous disposez, en tant qu'acteur. Si le réalisateur vous cadre en plan médian, la caméra vous voit à partir de la taille. Ainsi, dans ce plan, le public ne verra pas ce que font vos jambes, mais il verra certainement ce que font vos bras. Si vous êtes en gros plan, le public ne verra que votre visage et non la façon dont vos mains bougent lorsque vous parlez.
Si vous êtes dans un plan large, vous avez beaucoup plus de liberté. Vous pouvez vous déplacer de quelques pas, vous pouvez incorporer vos jambes et vous pouvez même agiter vos bras ! Mais plus on se rapproche d'un gros plan, moins on peut bouger avant de sortir du cadre.
Vous devez également comprendre le cadrage car il affecte le langage corporel et les accessoires. Une grande partie de la façon dont nous communiquons provient du langage corporel et nous parlons souvent avec nos mains. Le langage corporel est crucial pour jouer car il apporte du réalisme et de la profondeur au personnage. Pratiquement aucune personne normale ne se tient comme une statue lorsqu'elle parle, surtout si sa voix contient une émotion. Cela vous affecte en tant qu'acteur, car si vous êtes cadré en gros plan moyen, nous ne pourrons pas vous voir faire des gestes avec vos mains, à moins que vous ne les souleviez consciemment dans le cadre.
Souvent, ces mouvements de la main peuvent vraiment souligner une émotion ou différencier la personnalité d'un personnage, mais seulement si nous pouvons les voir. Il en va de même pour les accessoires. Si vous avez besoin d'agiter un accessoire ou de tenir un verre, nous devons le voir. Il peut sembler naturel de le tenir dans un sens, mais selon le cadrage, vous devrez vous ajuster.
Clarifier les attentes
Plus important encore, vous devez clarifier les attentes concernant votre performance. Vous devez agir, oui, mais quoi d'autre ? Des choses comme la nudité, les baisers (ou plus), les cascades, les aliments que vous devrez peut-être manger et les choix de costumes sont des choses à discuter avant de jouer un rôle. Si vous acceptez un rôle en pensant que votre scène est un rendez-vous dans une pizzeria, alors lorsque vous vous présentez sur le plateau et que le réalisateur vous demande de manger des insectes, de porter une tenue étriquée, d'embrasser votre rendez-vous, puis de prendre un coup et de tomber le sol, vous allez avoir une surprise.
Oui, c'est la responsabilité du cinéaste de vous dire ces choses à l'avance, mais tout le monde n'est pas professionnel, et ils peuvent négliger de partager des informations importantes (j'y suis allé). Ne les laissez pas vous tromper ! Connaître les attentes. Et si vous les acceptez, ne les laissez pas changer pendant le tournage. C'est très important. Vous ne réussirez pas en tant qu'acteur simplement parce que vous êtes prêt à tout. Vous réussirez en tant qu'acteur parce que vous êtes professionnel et que vous pratiquez votre métier.
Enfin, assurez-vous de savoir où se trouve le plateau et combien de temps il faut pour y arriver – et assurez-vous de vous présenter au moins dix minutes à l'avance. Pratiquez tout ce qui précède, établissez des attentes claires avec le cinéaste et préparez-vous pour le tournage ! Dans le prochain article, nous vous expliquerons à quoi vous attendre et ce qu'il faut savoir lorsque vous êtes sur le plateau.