Le gros plan est l'arme secrète du réalisateur, mais il demande un savoir-faire technique et un timing narratif. Voici ce que vous devez savoir.
Il y a une scène dans Five Easy Pieces dans lequel Bobby Dupea (Jack Nicholson) pousse son père malade (William Challee) à l'extérieur dans le froid pour voir le coucher du soleil, avouer, exposer et s'excuser pour son éloignement de la famille. C'est une séquence puissante et une révélation brute et émotionnelle pour notre personnage principal.
La scène nécessite de l'intimité, et Bob Rafelson savait qu'elle nécessitait un gros plan, mais qui servait l'histoire et le personnage. Ces hommes ont eu une relation turbulente, froide et distante. La séquence commence à refléter le passé avec un long plan de Nicholson et Challee contre un coucher de soleil spectaculaire. Ils sont à la fois petits et insignifiants contre le ciel majestueux.
Ils s'arrêtent au centre du cadre, et à cette distance de la caméra, Nicholson fixe la couverture sur les genoux du vieil homme et prononce "Tu as froid" à quelqu'un trop malade pour les mots. C'est la première étape à la connexion, et à l'action, alors que Nicholson se penche à son niveau, Rafelson passe à un moyen deux coups. Il maintient ce plan pendant environ 40 secondes, jusqu'à ce que Nicholson obtienne son gros plan – jusqu'à ce que le personnage soit prêt à révéler quelque chose. Et même alors, Rafelson cadre le plan sous ses épaules pour ne pas être trop intrusif. Il laisse son acteur déterminer le cadre.
Rafelson ne freine pas la performance :si Nicholson avait besoin de baisser la tête, la caméra bougeait avec lui. Lorsque Nicholson se penche et quitte presque le cadre, Rafelson passe rapidement à un tir de réaction de Challee, puis revient à Nicholson qui revient. C'est à ce moment précis que Nicholson le perd émotionnellement et qu'il devient le plus vulnérable. Tout cela est à dessein, pas de chance ou de spontanéité. Les personnes présentes dans la salle de montage ont choisi ces moments précisément pour refléter la vision du réalisateur concernant le résultat émotionnel de la scène.
La récompense
Tout comme le matériel source, le gros plan (de par sa conception) est le coup gagnant. Une phrase comme "Franchement, ma chérie, je m'en fous" dans Autant en emporte le vent n'a de pouvoir qu'à cause des près de quatre heures que nous avons passées à regarder Rhett Butler poursuivre, sacrifier et souffrir pour Scarlett O'Hara. Quand il dit cette ligne, c'est une libération pour le personnage et la fin de son histoire.
Le même principe s'applique au tir. Le gros plan est une fenêtre sur le personnage. Cela peut révéler le moment de croissance du personnage (l'aveu de John McClane à Powell selon lequel il n'a jamais dit à sa femme qu'il était désolé dans Die Hard ); il peut dépeindre un personnage découvrant quelque chose d'important (Gene Hackman dévoilant la vérité dans The Conversation ) ou créer des tensions entre les personnages (le bras de fer dans The Good, the Bad and the Ugly ). Cela peut être tout cela et bien plus encore. C'est un outil que le réalisateur utilise pour faire savoir au public qu'un moment particulier est important.
Si vous en abusez, vous risquez de fatiguer le spectateur et de saper les moments vraiment importants. Si vous l'évitez complètement, vous risquez de manquer des occasions de révéler votre personnage et de risquer d'aliéner émotionnellement l'histoire.
Considérations techniques
Vous voudrez utiliser un objectif plus long (70 mm-100 mm) pour un gros plan. Un objectif plus long réduit la profondeur de champ et floute l'arrière-plan. Une lentille plus large a tendance à déformer les visages, leur donnant un aspect anormal. Des lentilles plus longues réduisent cet effet. Si vous deviez utiliser un objectif 24 mm, vous devriez rapprocher l'appareil photo de votre sujet pour cadrer l'acteur pour un gros plan et faire face à beaucoup plus d'arrière-plan qu'avec un objectif 70 ou 85 mm.
En termes de narration, abuser du gros plan pourrait nuire à la vision artistique. Si vous mettez en évidence chaque scène comme spéciale, alors rien n'est particulièrement spécial. De plus, abuser du gros plan peut désorienter le spectateur. S'il n'y a pas de plans d'établissement ou de plans principaux ou moyens qui montrent au spectateur où il se trouve dans le contexte des événements du film, vous pouvez créer une expérience frustrante qui ne servira pas l'histoire.
La continuité est également une considération importante. Vous pouvez être tellement concentré sur la profondeur de champ que des aspects subtils de la continuité pourraient se perdre. Par exemple, si vous tourniez à l'extérieur, y avait-il une brise dans l'établissement ou un plan large qui plus tard, lorsque vous photographiez le gros plan, manque ? La lumière naturelle a-t-elle radicalement changé et devrez-vous l'adapter artificiellement au maître ? La température? Si c'est le cas, faites attention pour que l'acteur ne paraisse pas froid dans le maître mais à l'aise dans le gros plan.
De près et personnel
Le gros plan est un puissant outil de conception pour le réalisateur. Il doit découler du scénario, donnant au spectateur des indices et un aperçu de l'histoire et du personnage.
Essayez d'imaginer l'histoire puissante d'Ellen Burstyn sur le port de la robe rouge dans Requiem for a Dream de l'autre côté de la pièce. Et voyez ce que le réalisateur (Aronofsky) transmet en sortant du gros plan dès que le personnage de Jared Leto commence à mentir. Il se lève, s'éloigne et se retrouve encadré tout au bord. Il est si éloigné de l'intimité précédente qu'il est pratiquement hors cadre. Ça est un cinéma qui sert l'histoire et résonne avec le public.