Chorégraphier une scène de combat n'est que la moitié de la bataille. Si votre public ne peut pas dire ce qu'il regarde, toutes ces belles techniques ne signifient rien.
Dans le genre film d'action, la franchise Jason Bourne a créé une certaine polémique. Vous avez des fans purs et durs qui proclament que la série est l'une des meilleures du genre action, et puis il y a ceux qui disent que lorsque Paul Greengrass a repris la série, il a par inadvertance ruiné le cinéma d'action hollywoodien. Il y en a quelques-uns qui s'en tiendront aux décisions de Greengrass, comme l'éditorial vidéo de Insider , arguant que ceux qui l'imitent échouent. Cependant, bien que je puisse comprendre ce qu'il essayait de faire, Greengrass crée finalement un gâchis visuel, et c'est plus qu'une simple caméra tremblante.
Voyons ce qui crée exactement ce désordre visuel et comment éviter de refaire les mêmes erreurs.
Cadre l'action
Découvrez cette scène de combat de The Bourne Supremacy .
Si vous ralentissez et prenez note de ce qui se passe, vous pouvez sans doute dire que la chorégraphie est très bien faite. Des techniques intéressantes et granuleuses fondées sur un sens du réalisme et l'adaptabilité de marque de Bourne – et un bon rythme crédible. Cependant, on perd la chorégraphie pour plusieurs raisons. La première chose qui ressort est certainement la caméra tremblante mélangée à des gros plans serrés. C'est désorientant et déroutant; vous vous sentez comme un ivrogne tombant sur deux autres personnes qui se battent. Mais plus que cela, nous perdons nos sujets à cause de l'éclairage et des costumes.
Les deux personnages sont habillés tout en noir, et lorsqu'ils se heurtent aux stores vénitiens brillants, nous perdons tout trait distinctif. Les angles sont tous faux, donc nous regardons constamment le dos d'une personne au lieu de voir la plupart des techniques se dérouler. Les deux deviennent cette tache noire amorphe.
Mise en scène de l'action
Le style plus traditionnel de chorégraphie de combat de tir consiste en des prises de vue plus larges et plus longues – et bien sûr en éclairant suffisamment la scène pour voir réellement qui est qui et ce qui se passe. Prenez, par exemple, la chorégraphie et la cinématographie intenses et magnifiques du combat final de The Legend of Drunken Master de Jackie Chan. .
Notez non seulement les plans plus larges et les prises plus longues, mais regardez vraiment comment la chorégraphie se déroule pour la caméra. Comme je l'ai mentionné, un problème majeur avec le combat Bourne contre Jarda était la façon dont les deux combattants étaient mis en scène dans le cadre (leur dos couvrant presque toujours les techniques et créant cette tache noire amorphe). Il ne suffirait pas de reprendre ce combat avec des prises plus larges et plus longues pour le réparer. Vous devez être conscient de la façon dont votre chorégraphie joue devant la caméra. C'est comme les tables d'un dîner dans une représentation théâtrale :peu importe où quelqu'un est assis à table, tout le public peut voir toutes ses actions et expressions faciales. Vous avez besoin que votre chorégraphie joue de manière crédible devant la caméra.
Rompre avec la tradition
Naturellement, les nouveaux réalisateurs veulent se démarquer et utiliser la caméra de nouvelles façons. Je comprends ce que Greengrass essayait de faire :créer un sentiment plus frénétique et cinétique pour améliorer la scène de combat. C'est encore possible, mais il doit y avoir un équilibre entre un travail de caméra à haute énergie et une présentation claire de la chorégraphie du combat. Un excellent exemple de cela est The Raid :Redemption de Gareth Evans. .
La caméra est beaucoup plus active que dans les scènes de combat traditionnelles, se déplaçant souvent avec une chute ou un coup de pied, mais nous ne perdons jamais de vue l'action. Et même dans un environnement sombre et granuleux, l'éclairage et les costumes permettent de distinguer les personnages, et les angles permettent de bien voir l'échange des techniques. Nous pouvons découvrir la chorégraphie complexe tout en voyant une approche fraîche et apparemment chaotique pour combattre la cinématographie. L'approche d'Evans est un moyen d'améliorer l'expérience tandis que la tentative de Greengrass l'entrave.
Tout mettre ensemble
Chorégraphier une courte scène de combat, jouer avec les angles et les mouvements de caméra. Expérimentez jusqu'où vous pouvez pousser une idée pour trouver le bon équilibre. Continuez à jouer avec de nouvelles idées et comment certains angles ou mouvements capturent et transmettent au mieux différentes techniques de combat et échanges.
Trouver votre propre style unique de chorégraphie de combat de tir demande de l'expérimentation. Que vous recherchiez une approche plus classique ou que vous cherchiez à trouver quelque chose de granuleux et de frénétique, faites attention à votre cadrage, à vos angles et à la façon dont les garde-robes de vos personnages fonctionnent avec l'éclairage et leurs techniques pour jouer avec la caméra. De cette façon, quelle que soit la stabilité ou la dynamique de vos mouvements de caméra, votre public peut suivre l'action.