Suivez ce processus étape par étape pour transformer un lieu d'entretien moins qu'idéal en quelque chose de visuellement agréable à l'œil.
Lors d'un tournage récent, on m'a présenté un défi passionnant et trop commun. J'ai été chargé de transformer un bureau terne, ennuyeux et ennuyeux en quelque chose de visuellement agréable à l'écran. Certes, au moment où je suis entré dans l'endroit pour la première fois, le gaffer et moi n'avions qu'une heure pour l'allumer. Et, comme vous pouvez le voir sur la photo ci-dessous, il n'y avait pas grand-chose avec quoi travailler.
Je vais vous expliquer mon processus et comment j'ai pu transformer ce lieu d'entretien ennuyeux en quelque chose de visuellement agréable à l'œil. Nous allons le faire en suivant une série d'étapes. Allons-y.
Trouver une qualité rédemptrice
Quand j'ai vu l'emplacement pour la première fois, ma pensée immédiate a été:"Aïe, ce n'est pas bon du tout." Cependant, je me suis mis au défi de trouver au moins une qualité rédemptrice à propos de l'emplacement. Typiquement, dans ce scénario, je cherche une fenêtre pour motiver la source de lumière principale. Mais, aucune fenêtre ne devait être trouvée car nous étions profondément dans une usine. Ce que vous voyez ci-dessus est tout ce avec quoi nous avons dû travailler.
Cependant, ce qui m'a immédiatement sauté aux yeux, c'est à quel point cet espace était profond. La profondeur joue toujours bien à l'écran. J'ai décidé que ce serait la seule qualité rédemptrice avec laquelle j'irais de l'avant. Ensuite, pour l'amplifier un peu plus, je créerais également un peu de contraste de couleur dans la scène en réglant quelques-unes des lumières à différentes températures de couleur. Pour référence, mon appareil photo était réglé sur 4500K.
Éteindre toutes les lumières
D'accord, j'ai donc la qualité que je veux retirer, c'est-à-dire la profondeur. Cela servira maintenant de ma ligne d'éclairage. La première étape consiste à éteindre toutes les lumières de l'espace et à recommencer à zéro. Cet espace était plein d'éclairage fluorescent aérien, qui était simple à éteindre. J'ai éteint toutes les lumières pour pouvoir vraiment commencer à peindre le cadre en voyant chaque lumière s'allumer et exactement comment cela affecte la scène et le scénario.
Définir la clé
Deuxièmement, j'ai réglé la lumière principale. Voir comment la lumière principale tombe dans la scène aide à motiver le reste des décisions pour tout l'éclairage. Considérez-le comme le premier coup de peinture dans un tableau. Vous commencerez à voir comment la lumière tombe sur toute la scène. Cela motive les décisions pour tout le reste.
Pour cette configuration, nous avons utilisé un ARRI Skypanel S-60 dans un snapbag, puis avons poussé cette configuration à travers un cadre 4 × 4 de diffusion 250 pour lui donner un peu plus de douceur. Notre éclairage principal était réglé sur 4 500 K.
Définir le remplissage
Pour notre "lumière" de remplissage dans cette scène, nous avons simplement utilisé un ultrabounce 4 × 8 dans la scène pour soulever un peu le côté de remplissage du visage du talent afin d'obtenir un peu moins de contraste d'une image sur l'image. Bien que cela n'ajoute pas une autre lumière à la scène, cela fait un bon travail en reflétant la lumière clé dans la scène et en remplissant le visage du talent. En règle générale, j'aime adopter cette approche pour les interviews, au lieu de mettre un autre éclairage sur la scène.
Définir le rétroéclairage
Pour notre rétroéclairage, nous avons utilisé un LitePanels Astra 6x Bi-Color dans un snapbag. Même si la lumière est dans une softbox, elle est toujours un peu dure, mais cela joue toujours bien pour un rétro-éclairage. Notre rétroéclairage était réglé sur 4500K.
Maintenant, notre sujet est complètement éclairé et les choses commencent vraiment à prendre forme. Cependant, comme il s'agit d'un espace si profond, nous devons passer du temps à éclairer l'arrière-plan pour qu'il ne s'agisse pas simplement d'un trou d'obscurité dans la scène.
Éclairer l'arrière-plan
Pendant environ quinze minutes, nous avons essayé de pousser nos propres lumières en arrière-plan pour avoir le plus de contrôle, mais rien ne semblait aller bien. Avec tous les frais généraux éteints, il semblait juste trop sombre en arrière-plan. Nous avons donc décidé de jeter un coup d'œil à la moitié arrière de la pièce avec les frais généraux. Dès que nous avons vu ce look, nous avons su que c'était le bon choix et comment nous devions aller de l'avant. Donc, maintenant, tous nos choix d'éclairage d'arrière-plan devaient compléter ce look aérien partiel.
Pour commencer, avec ces frais généraux activés, nous avons ajouté un rebond de saut à 8000K sur le sol pour donner à notre scène un petit contraste de couleur. Étant donné que notre caméra était réglée sur 4500K, ainsi que notre lumière principale, nous savions que cela jouerait assez bleu à l'écran. De plus, avec nos frais généraux à peu près à 3200K, nous savions que ces deux couleurs contrasteraient également bien. Nous avons simplement mis cette lumière à 100%, puis l'avons pointée directement vers le sol.
Ensuite, pour élever un peu la scène, nous avons ajouté quelques tubes Quasar en arrière-plan pour donner un coup de pouce et un intérêt supplémentaires à la scène. Nous avons réglé ces Quasars sur 3200K pour compléter la couleur des frais généraux. Et oui, nous les avons placés au-dessus de certaines unités de climatisation.
Looks finaux
Nous avons jeté un dernier coup d'œil à la scène et fait nos derniers ajustements. Voici notre dernier cadre.
En tant que directeurs de la photographie, nous sommes parfois confrontés à des lieux difficiles qui peuvent vraiment nous tester. Cependant, en trouvant une qualité rédemptrice dans l'emplacement, puis en choisissant ce qu'il faut exposer et comment susciter l'intérêt, nous pouvons transformer un emplacement moins que souhaitable en quelque chose d'un peu plus.
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