Finn O'Hara est un photographe établi qui, malgré le doute de soi et l'hésitation qui persistent souvent dans un esprit créatif, a fait un grand saut dans la réalisation de films. En fait, c'est son travail photographique qui l'a d'abord poussé à raconter des histoires dans des dimensions plus larges. Qu'il s'agisse d'images fixes ou d'actions réelles, le travail d'O'Hara est hautement cinématographique et axé sur la narration, toujours guidé par l'intuition artistique et un "œil d'esprit créatif".
Les photographies d'O'Hara ont été présentées dans des publications nationales et mondiales, notamment Esquire et Vogue Inde , et il a également réalisé des publicités et des courts métrages pour de grands acteurs comme Budweiser et Sport Chek. Nous avons eu l'occasion de discuter avec O'Hara de la façon de trouver sa "confiance créative", du pouvoir de la communication ouverte et de la fluidité tout au long du processus de création.
Shutterstock :Nous sommes en 2014, et vous vous êtes imposé comme un opticien incontournable pour les grandes marques mondiales et les points de vente de premier plan comme Esquire et Le New York Times — qu'est-ce qui a été crucial pour votre succès ?
Finn O'Hara : Expérience de la vie. Je suis venu à la photographie plus tard dans ma vie, à la fin de la vingtaine, et cela faisait partie d'une restructuration générale de ma vie dans la mesure où, tout simplement, je ne voulais pas vivre la vie avec regret. J'admirais beaucoup et me passionnais pour la photographie. Je voulais arrêter de fantasmer sur le fait d'être photographe et juste mettre les choses en jeu. Je voulais commencer à filmer, alors j'ai juste commencé à demander.
Ce que j'ai pu apporter à mes photographies, c'est une compréhension plus générale du fonctionnement des choses. J'ai voyagé, j'ai déménagé et j'ai pu donner un arrière-plan plus mature à mon objectif. Cela a aidé. J'ai dû commencer immédiatement à me commercialiser et à comprendre dès le départ.
En tant que créatif, qu'est-il important de prendre en compte lorsque vous représentez une marque ?
Vous devez vous en sortir. Je pense que lorsque vous travaillez avec une marque, vous travaillez vraiment avec une célébrité ; c'est similaire dans le sens où vous travaillez avec une identité managée. Vous avez juste besoin d'être très conscient de cela tout au long du chemin. Il ne s'agit pas de vous - il s'agit en fait d'eux. Donc, ce que vous apportez à cette marque ou à cet individu, c'est vraiment un sens du style et un sens de cette compréhension de la façon dont ils veulent être représentés et comment vous voulez les représenter, et maintenir un dialogue très ouvert à ce sujet. Comprendre quel est leur plan et comprendre comment vous pouvez le servir est la clé la plus importante.
Comment décidez-vous, artistiquement, quel message transmettre et comment le transmettre ?
En ce qui concerne les marques, elles ont une idée très précise de ce qu'elles veulent. Je ne reçois pas trop de marques qui disent :"Nous ne savons pas, pouvez-vous nous aider ?" J'ai beaucoup de chance de travailler avec de grandes marques qui ont une idée très claire de la façon dont elles aiment être représentées. Donc, vraiment, il s'agit de prendre toutes ces pièces et de leur donner une lentille très spécifique. En photographie, vous coupez tellement et vous vous concentrez vraiment.
Il y a beaucoup de confiance en jeu. Parfois, vous devez être très expressif dans la façon dont vous allez le traiter, ce qui se fait par le biais de processus, de documentation et de réunions de pré-production. Cela aide généralement à cerner les points artistiques. Vous ne voulez pas qu'ils soient confus quant à ce à quoi cela va ressembler, donc l'expliquer en détail, que ce soit par des mots ou des images, au mieux de vos capacités, est le meilleur moyen d'éviter cela.
Beaucoup de gens peuvent apprendre des techniques de photographie et des astuces du métier, mais est-ce l'intuition et la compréhension des repères visuels qui font un bon photographe ?
Pour ma part, je dirais oui. Après réflexion, je pense que c'est une prise de conscience que j'ai été un observateur toute ma vie et que la photographie m'a permis d'agir en conséquence - d'être un observateur attentif et très détaillé. Grâce à l'exercice et à la photographie, et en allant dans les coins sombres et en sortant avec des images, en me faisant confier des missions, j'ai développé une confiance créative. C'est une façon très commerciale de parler de créativité, mais c'est essentiellement ce dont il s'agit :une combinaison de confiance créative et de résolution de problèmes.
Lorsque vous avez fait la transition vers la réalisation de publicités et de courts métrages, vous avez dit que votre photographie vous avait aidé à franchir le pas. Comment le fait d'être photographe vous a-t-il préparé pour le rôle ?
La mise en scène, c'est comme les échecs en 3D; c'est la seule façon dont je peux le décrire. Cela implique beaucoup plus de niveaux de langage visuel. C'est drôle, parce que je me suis retrouvé à créer des photographies qui avaient un récit, et je voulais que le récit soit celui que l'observateur ou le spectateur devait explorer un peu. Je me suis retrouvé à développer ces récits, puis une petite ampoule s'est allumée. J'ai pensé:«Vous savez, c'est ce qu'est un film. C'est ça l'action en direct."
C'était la même chose avec la mise en scène. Je ne suis pas allé à l'école pour ça, mais avec un bon mentorat et un peu d'encouragement, c'est soudainement quelque chose que j'ai commencé à faire de l'exercice. La meilleure analogie est que c'était comme être hors de forme et penser:"Je ne peux pas faire ça." Et ça prend du temps à explorer, mais avec le temps, et avec de la concentration et de bonnes habitudes de travail, ça se développe.
Vous avez également décrit vos méthodes de tournage et de photographie comme "un processus brut et en constante amélioration". Pouvez-vous préciser ce que vous voulez dire ?
"Raw" dans le sens où je ne suis jamais complètement engagé dans une façon de prendre une image ; "brut" dans le sens où mes concepts sont complètement manipulateurs ou transformationnels. Quand je reçois une mission, j'ai une assez bonne idée de ce que j'aimerais faire, mais parfois quand j'y arrive, mes idées se transforment. L'idée pourrait ne pas fonctionner dans cet environnement spécifique.
Je vois de nombreuses façons de résoudre un problème créatif et de nombreuses façons de fournir des images et du travail en direct, mais j'aime être ouvert, et je ne pense pas qu'il y ait un délai pour décider d'une direction créative. Je me suis rendu compte qu'il était normal d'être ouvert à autant d'idées et de techniques que possible.
Pour quelqu'un qui souhaite passer du statut de photographe à celui de réalisateur, qu'est-ce qui est essentiel à garder à l'esprit ?
Je pense que l'une des plus grandes difficultés que j'ai eues était de ne pas bien comprendre le travail. Je pensais que l'idée du réalisateur était très belle, mais je n'avais aucune idée de ce qu'était vraiment le travail. Et personne n'était très explicite avec l'idée jusqu'à ce que je rencontre (le producteur exécutif) Geoff Cornish à Suneeva. C'était une conversation beaucoup plus lente avec une vision qui regardait l'horizon, plutôt que ce qui se passait juste devant votre visage ou dix minutes à l'avance.
Comprendre le travail, pour moi, était le plus crucial à ce moment-là. Comprendre ce qu'était la partie quotidienne du travail. La plus grande partie consiste vraiment à comprendre comment rendre quelque chose d'irrésistible. Comprendre la "publicité de 30 secondes" et la distiller pour ce qu'elle est m'a beaucoup aidé à comprendre la narration courte. Pour moi, il était crucial d'élargir la dimension narrative que je faisais déjà en photographie, mais que je pouvais maintenant aller plus loin. C'était le plus grand défi pour franchir le pas de la réalisation.
Découvrez plus d'œuvres de Finn O'Hara sur son site Web à l'adresse finnohara.com.