Il existe un certain nombre de règles de composition importantes en photographie.
La composition en photographie concerne ce qu'il faut inclure ou omettre de votre cadre. Il s'agit également de la façon dont vous décidez de placer les éléments dans la scène.
Plutôt que de les considérer comme des "règles", considérez-les comme des lignes directrices pour rendre vos images plus attrayantes et intéressantes visuellement.
1. Utilisez la règle des tiers pour ajouter des intérêts
Composer en utilisant la règle des tiers signifie placer votre sujet principal au tiers de l'image. Décentrer son sujet est bien plus intéressant que de le centrer.
De nombreux appareils photo, y compris les smartphones, peuvent superposer une grille de règle des tiers sur l'écran. Cela ressemble à un jeu de tic-tac-toe. Deux lignes horizontales et deux lignes verticales divisent le cadre en tiers.
Lorsque vous photographiez, placez votre sujet principal sur l'une des lignes. Soit horizontalement, soit verticalement.
Les « points de collision » sont les endroits où les lignes se croisent. Si vous le pouvez, placez votre sujet de mise au point là où les lignes se croisent.
2. Simplifiez une scène avec la règle des cotes
La règle des probabilités est un moyen de simplifier une scène complexe avec de nombreux sujets possibles. En général, nous trouvons un nombre impair de sujets plus intéressant qu'un nombre pair.
Trois est un nombre magique, mais cinq ou sept fonctionnent aussi.
La règle des cotes nous aide à choisir nos sujets de manière réfléchie. La règle nous guide sur ce qu'il faut inclure et ce qu'il faut omettre.
La règle des cotes nous rappelle également d'isoler notre sujet dans une scène animée. Un est un nombre impair.
3. Faites la mise au point sur votre sujet en remplissant le cadre
Remplir le cadre consiste à se rapprocher de votre sujet. Vraiment proche.
Rendez votre sujet principal clair et distinct. Demandez-vous de combien de ciel avez-vous vraiment besoin ? Combien d'arrière-plan ?
Nous pouvons remplir le cadre en utilisant un zoom et en nous rapprochant photographiquement de notre sujet. Mais il est souvent préférable de "zoomer avec les pieds". Rapprochez-vous physiquement de votre sujet.
En post-traitement, pensez à recadrer plus serré votre sujet pour remplir le cadre.
4. Choisissez une profondeur de champ appropriée
La profondeur de champ détermine la quantité de l'image qui doit être mise au point. Ce n'est pas tant une règle qu'une décision de composition que vous devez prendre.
Une faible profondeur de champ signifie que seule une petite partie de l'image est mise au point, généralement le sujet. L'arrière-plan est flou.
Une grande profondeur de champ signifie que l'image est nette de l'avant vers l'arrière.
Utilisez une faible profondeur de champ pour flouter les arrière-plans gênants. Les photographes sportifs brouillent les arrière-plans pour que les athlètes se démarquent d'une foule animée. Pour obtenir une faible profondeur de champ, utilisez une grande ouverture comme f2.8.
En règle générale, utilisez une grande profondeur de champ pour la photographie de paysage. Pour mettre toute la scène au point, utilisez une ouverture étroite comme f16.
5. Utilisez la meilleure orientation pour la scène
L'orientation et le format d'image déterminent la quantité de scène que vous capturez dans une image.
L'orientation indique si vous tenez l'appareil photo horizontalement ou verticalement. Le format d'image correspond à la taille de l'image prise par l'appareil photo.
S'il y a beaucoup d'éléments verticaux ou de hauteur dans votre image, utilisez l'orientation portrait. Tenez votre appareil photo à la verticale.
S'il y a beaucoup d'éléments horizontaux ou de largeur dans votre image, utilisez l'orientation paysage. Tenez votre appareil photo horizontalement.
N'oubliez pas que vous avez une option panorama. Nous considérons généralement les panoramas comme de longues images horizontales, mais ils peuvent également être verticaux.
Je prends souvent le coup dans les deux sens et je vois ce que j'aime plus tard. J'essaie souvent différents formats et recadrages en post-traitement.
6. Redresser les lignes pour une image esthétique
Redressez les lignes qui devraient être droites.
Toutes les lignes d'une image n'ont pas besoin d'être droites, mais certaines lignes sont supposées être droites. Par exemple, la ligne d'horizon dans un paysage. L'inclinaison de l'horizon dans une image est immédiatement perceptible et gênante.
De nombreux appareils photo et trépieds incluent un niveau. Utilisez ces outils pour vous aider à orienter votre appareil photo. Il est également facile de corriger une ligne inclinée en post-traitement.
Les lignes droites sont également importantes en architecture. L'utilisation d'un objectif grand angle déforme souvent les lignes. Laissez de l'espace de chaque côté d'un bâtiment afin de pouvoir redresser les lignes lors du post-traitement.
Dans une image avec de nombreuses lignes différentes, choisissez-en une qui sera votre objectif principal. Faites en sorte que cette ligne soit droite même si les autres sont un peu décalées.
7. Créer de la profondeur avec des lignes directrices
Nos yeux suivent naturellement les lignes à travers une image. Les lignes directrices dirigent nos yeux vers le sujet principal. Bien utilisées, les lignes directrices créent une impression de profondeur.
Les lignes peuvent être des lignes réelles ou sous-entendues par des éléments de la scène.
Parfois, les lignes sont droites et mènent directement au sujet. D'autres fois, le trajet est détourné. Les courbes en S sont les préférées des photographes.
Les lignes directrices mènent quelque part. Si une ligne ne mène nulle part ou si elle fait sortir l'œil du cadre, changez de position. Déplacer vers la gauche ou la droite ou vers le haut ou le bas.
8. Utilisez des lignes diagonales pour ajouter de l'énergie
Les lignes diagonales ajoutent de l'intérêt et de l'énergie à la composition photographique. Essayez de photographier des lignes sur une forte diagonale plutôt que directement sur le cadre.
Assurez-vous que votre diagonale est évidente. Une petite inclinaison vers une ligne ressemble à une erreur.
Pensez à l'endroit où les lignes se croisent. Des lignes convergentes attirent le regard. Tenez également compte de l'endroit où les lignes entrent ou sortent du cadre. Les photographes essaient parfois de faire entrer ou sortir une ligne du cadre dans un coin.
9. Attirez l'attention en utilisant la lumière
Nos yeux se dirigent naturellement vers la partie la plus lumineuse d'une image. Savoir cela affecte la façon dont nous composons une image. Le sujet principal doit être la partie la plus lumineuse de l'image.
Les photographes portraitistes utilisent un flash ou des réflecteurs pour mettre en valeur les visages de leurs modèles.
En post-traitement, des techniques comme l'esquive et le brûlage dirigent l'œil. L'esquive éclaircit sélectivement certaines parties de l'image. La gravure assombrit sélectivement certaines parties de l'image.
10. Utilisez l'espace négatif autour des objets
L'espace négatif est l'utilisation de l'espace entre ou autour des sujets comme élément important de l'image. L'espace négatif devient son propre sujet avec sa propre forme.
L'espace négatif peut montrer une échelle ou impliquer une émotion comme le "vide".
Parfois, il est difficile de voir l'espace négatif parce que nous sommes tellement habitués à nous concentrer sur un sujet. Essayez de retourner vos images à l'envers lors du post-traitement. Cela vous aidera à voir l'espace sans être trop concentré sur les détails de votre sujet principal.
11. Équilibrez les sujets pour la symétrie et l'équilibre visuel
L'équilibre visuel est la relation entre deux ou plusieurs éléments de votre composition. Les éléments semblent équilibrés. L'un n'est pas visuellement plus lourd que l'autre.
La composition symétrique crée un équilibre visuel. La moitié gauche de l'image correspond à la droite, ou la moitié supérieure correspond au bas. Les reflets dans les photographies fonctionnent si bien parce qu'ils montrent une symétrie.
Même les images non symétriques nécessitent un équilibre visuel. Équilibrez un grand sujet visuellement lourd d'un côté du cadre avec de nombreux sujets plus petits de l'autre. Équilibrez un élément de premier plan avec un élément d'arrière-plan.
12. Changez votre point de vue
La perspective est de savoir où vous en êtes par rapport à votre sujet. Changer de perspective signifie descendre bas ou monter haut.
Tout le monde voit le monde à peu près du même point de vue - au niveau des yeux. Vous pouvez rendre les images plus intéressantes en utilisant une perspective différente.
Photographier en contre-plongée rend le sujet plus puissant.
C'est aussi amusant de changer de point de vue et d'aller haut. C'est l'une des raisons pour lesquelles la photographie par drone est si intéressante. Nous avons rarement cette vue d'ensemble de notre monde.
L'utilisation d'une perspective basse est importante lorsque vous photographiez des sujets proches du sol. C’est également important lorsque l’on photographie des enfants. Mettez-vous au niveau de leurs yeux.
13. Mettez l'accent sur votre sujet principal avec la règle d'or
La règle d'or consiste à placer votre sujet principal dans une partie importante de votre cadre. Cette règle est comme la règle des tiers. Mais la règle d'or suggère une disposition différente des éléments de composition.
La règle d'or est basée sur le nombre d'or. Le nombre d'or est un phénomène mathématique naturel. Le monde naturel favorise le rapport 1 à 1,618. Mathématiquement, cela ne signifie peut-être rien pour vous, mais visuellement, vous le voyez partout. La représentation visuelle la plus courante du nombre d'or est la spirale d'un coquillage.
En photographie, la règle d'or est représentée soit par une grille, soit par une spirale.
Certains appareils photo vous permettent de voir une superposition du nombre d'or ou du nombre d'or sur votre viseur. Lightroom propose également des superpositions pour vous aider à recadrer les images en utilisant la règle d'or.
14. Capturer le mouvement de gauche à droite
Nous lisons les images comme nous lisons du texte, de gauche à droite. Le mouvement dans une photographie doit également se déplacer de gauche à droite dans le cadre. Cette règle de composition est particulièrement importante pour les photographes animaliers et sportifs/d'action.
Il n'est pas toujours facile de capturer un mouvement de gauche à droite dans le monde réel. Retournez votre image horizontalement en post-traitement pour créer un mouvement de gauche à droite. Cela fonctionne souvent tant qu'il n'y a pas de texte dans l'image.
Assurez-vous de laisser de la place dans le cadre pour que le sujet puisse s'y déplacer. Cela signifie laisser de l'espace à droite du sujet. Sinon, on dirait que le sujet sort du cadre.
15. Incorporer le motif et la répétition pour des compositions plus fortes
Notre cerveau aime les motifs et la répétition. Nous imposerons même des motifs sur des éléments aléatoires. Pensez au plaisir que nous avons à trouver des motifs dans les nuages. L'incorporation de répétitions et de motifs rend nos compositions photographiques plus fortes et plus intéressantes.
La répétition et le motif se retrouvent souvent dans les formes et les couleurs.
Vous devrez peut-être changer de perspective pour faire ressortir les motifs. Remarquez comment le changement de perspective modifie l'espacement ou masque le motif.
Ajouter du contraste à la répétition rend vos photos encore plus dynamiques. L'élément contrastant peut être d'une couleur, d'une forme ou d'une hauteur différente. Briser le motif accentue le motif.
16. Trouver une relation entre les éléments
Recherchez des relations intéressantes entre les éléments de votre image.
Par exemple, recherchez la tension. Deux éléments qui semblent se tirer l'un vers l'autre créent une tension visuelle. Les couleurs se heurtent ou il y a une différence de taille.
Les photographes de rue juxtaposent souvent des éléments. Quelque chose dans l'environnement entre en conflit avec les gens dans la rue. Cela peut créer de l'humour ou suggérer une idée plus profonde.
La théorie des couleurs concerne la relation entre les couleurs de votre image. La théorie des couleurs est souvent représentée comme une roue chromatique. Les couleurs opposées sur la roue sont complémentaires.
17. Simplifiez les images pour capturer l'essence
Simplifier signifie n'inclure que ce dont vous avez besoin dans l'image. Sortez tout ce dont vous n'avez pas besoin.
Simplifier une image ne signifie pas créer des images minimalistes. La simplicité distille l'idée d'une photographie dans sa forme la plus pure.
Décidez de quoi parle votre photo. Retirez ensuite tout ce qui ne concerne pas cette idée.
18. Dessinez les yeux avec le cadrage
Avec le cadrage, un élément de votre image se trouve à l'intérieur d'un autre élément. Cela crée un cadre dans votre cadre. Par exemple, vous pouvez tirer à travers une fenêtre ou à travers une ouverture dans les arbres.
Les cadres ajoutent de la profondeur et attirent nos yeux sur l'image et sur le sujet principal.
19. Utiliser la superposition pour la profondeur et la dimension
La superposition recherche des éléments qui s'empilent de l'avant vers l'arrière de votre image. La superposition ajoute de la profondeur et de la dimension.
La superposition comprend l'ajout d'un élément de premier plan à un paysage. Plutôt que la scène étant sur le même plan plat, un élément de premier plan conduit le spectateur dans la scène. Les rochers ou les fleurs sont des éléments naturels de premier plan.
Les couches doivent être visuellement distinctes en couleur ou en lumière. Cela permet d'éviter les fusions et permet à l'œil de distinguer facilement les calques.
20. Éviter les fusions
Les fusions se produisent lorsque des éléments d'une image se chevauchent d'une manière qui rend difficile la séparation de nos yeux. Nos yeux 3D séparent les choses séparées par la distance. Mais dans une photographie 2D, les objets se crêpent, surtout s'ils sont similaires en couleur ou en ombre.
Surveillez les distractions en arrière-plan. Il est facile d'oublier une branche d'arbre qui semble sortir de la tête de quelqu'un. Ou les gens ont l'air d'avoir des membres supplémentaires.
Pour créer une composition claire, assurez-vous que votre sujet principal dispose d'un espace autour de lui. Si des objets ou des personnes se chevauchent, faites un pas vers la gauche ou vers la droite. Changer l'angle, même légèrement, peut souvent éliminer les fusions.
21. Vérifiez les bords pour les distractions
Enfin, avant de prendre une photo, scannez les bords de votre cadre. Nous sommes souvent tellement concentrés sur notre sujet principal que nous oublions de regarder l'ensemble du cadre.
Recherchez l'espace piégé. L'espace piégé se produit lorsqu'un objet et le bord du cadre se croisent pour créer une forme de lumière étrange.
Regardez également comment les objets ou les personnes sont coupés par le bord du cadre.
Certains photographes respectent la règle :« Tout inclure ou ne rien inclure ». Cela signifie que plutôt que de découper un objet ou une personne au bord du cadre, il est préférable de le découper complètement.
D'autres photographes acceptent de couper un objet ou une personne tant que le recadrage semble naturel.
Les photographes de portrait essaient de ne pas couper les gens au niveau des articulations.
Conclusion
Les choix de composition font la différence entre un instantané et une superbe photographie. Suivre ces règles de composition photographique est un excellent moyen de créer des images plus percutantes.
Mais il n'y a pas de bonne façon de voir le monde. Une fois que vous maîtrisez les règles de la composition photographique, il est temps de les plier ou de les casser.
Utilisez ces règles de composition photographique comme guides pour vous aider à décider quoi inclure dans votre image et comment placer les éléments.
Parfois, la bonne chose à faire est d'enfreindre les règles de composition !