Avez-vous déjà été hypnotisé ? Si vous êtes déjà allé au cinéma et que vous vous êtes retrouvé complètement perdu dans l'histoire, vous l'avez fait. Un film bien monté fait exactement cela, et ce n'est pas une mauvaise chose. Il capture l'imagination d'une manière qui s'empare virtuellement du cerveau. Nous nous abandonnons à l'histoire et oublions la réalité jusqu'à ce que le générique nous ramène sur terre.
En fait, cet effet hypnotique est souvent si puissant, que si la progression des images est interrompue si les choses ne passent pas sans heurts d'une idée à l'autre, nous ressentons un choc.
Si jamais vous êtes dans une salle de cinéma et que le film se casse malheureusement, vous connaîtrez le sentiment. De l'immersion totale à un grand écran blanc aveuglant en un instant ; les gémissements qui suivent sont les sons de la pure frustration.
Ainsi, lorsque vous commencez à éditer des images animées sur votre propre éditeur non linéaire, il est utile de prêter attention aux techniques développées au fil du temps qui encouragent le public à s'immerger dans le flux d'action.
Les bases
De nombreuses techniques qui encouragent le flux visuel relèvent de la rubrique "action correspondante". Ce ne sont vraiment rien de plus qu'un ensemble de règles simples qui aident le spectateur à rester orienté et à faire passer l'action d'une scène à l'autre.
L'un des types d'action de correspondance les plus élémentaires consiste simplement à s'assurer que chaque coup suit une progression logique.
Considérez la séquence traditionnelle d'une personne qui franchit une porte. La progression habituelle que l'on utiliserait pourrait être :
Tir 1 – Un plan large d'un acteur s'approchant d'une porte.
Tir 2 - Un gros plan de la poignée de porte et une main tendue pour l'attraper.
Tir 3 – Un plan moyen de la main qui ouvre la porte et de la personne qui entre.
Tir 4 – Un angle inversé depuis l'intérieur de la porte montrant le personnage entrant dans la nouvelle pièce.
Tir 5 – Un plan large montrant la porte qui se referme et le personnage installé dans la nouvelle pièce.
Cette progression de tir est basique. Nous savons ce que c'est que d'entrer dans une pièce, donc tout le monde a la même attente de quelle scène suit laquelle. Ce qui fait la différence entre un bon et un mauvais flux de scènes, c'est le timing précis de chaque scène; combien de séquences vous autorisez avant et après chaque action centrale.
Regardez la séquence de la figure 2A. Il y a une erreur délibérée dans les points d'entrée et de sortie entre les deux prises de vue pour montrer une erreur d'édition courante.
Remarquez qu'au point de sortie du premier coup, la main du personnage commence tout juste à se lever vers la poignée de porte mais qu'au point d'entrée du coup suivant, la main est déjà sur la poignée. Une coupe droite à ces points d'action donnerait un saut qui donnerait l'impression d'être précipité.
Au lieu de cela, un monteur expérimenté permettrait soit à l'action du plan 1 de se poursuivre jusqu'à ce que la main se rapproche de la poignée de porte (figures 2B), soit déplacerait le point d'entrée du plan 2 en avant dans l'action afin de mettre un tampon entre le scènes. Couper la poignée de la porte avant que la main n'entre dans le cadre, puis laisser la main entrer dans la scène et saisir la poignée correspondrait à l'action attendue par le public, même si le temps entre ces actions est inférieur au temps réel.
Et c'est un point important. Couper entre les scènes attendues dans un flux ne signifie pas que vous devez toujours maintenir une relation en temps réel entre elles. Le public ne remarquera souvent pas si vous coupez le temps d'une séquence tant que l'action est fluide et s'écoule logiquement d'une scène à l'autre.
Rapez-vous
L'objectif global de chaque monteur doit être de comprendre ce dont chaque scène a besoin pour contribuer au programme et de s'assurer qu'elle reste à l'écran exactement assez longtemps (et pas une image de plus) pour atteindre l'objectif de la scène.
Un signe clair de montage amateur est les scènes qui durent trop longtemps. La règle d'or pour le rythme des scènes est la même que dans tous les bons films :si cela n'aide pas le public à suivre l'action ou à faire avancer l'histoire, débarrassez-vous-en.
Si vous regardez des éditeurs de première classe au travail, vous remarquerez leur obsession de couper les scènes à la perfection. Ils définissent généralement un point de montage initial, puis configurent une boucle de lecture qui traverse le point de montage. Ensuite, ils joueront la transition encore et encore tout en utilisant les commandes du clavier Trim Edit pour couper les images de la tête et de la queue jusqu'à ce que l'édition soit parfaite et que toutes les images inutiles aient disparu.
Découper l'action
C'est encore un autre endroit où les éditeurs modernes ont les choses beaucoup plus faciles qu'auparavant, lorsque le découpage des cadres signifiait couper des bandes de film en celluloïd. Aujourd'hui, quelques pressions sur le clavier peuvent manipuler les points d'entrée et de sortie et découper des images individuelles dans une scène afin qu'il n'y ait vraiment aucune excuse pour ne pas composer vos modifications.
Bon nombre des principaux progiciels d'aujourd'hui vont encore plus loin, offrant des affichages à double fenêtre, de sorte que l'éditeur peut voir des aperçus des prises de vue entrantes et sortantes en temps réel. C'est une fonctionnalité intéressante lorsque vous voulez voir comment le rognage affecte les prises de vue des deux côtés d'un point de montage .
Si vous regardez les grands films d'hier et d'aujourd'hui, vous découvrirez qu'ils ont tous quelque chose en commun. Que le rythme des scènes soit rapide ou lent, les monteurs de films utilisent ces techniques d'action assorties pour faire avancer leurs histoires. Ils alignent l'ambiance des performances avec le rythme des montages pour donner à chaque scène (ou séquence de scènes) son propre rythme naturel.
Reconnaître et trouver le rythme visuel idéal pour une séquence de prises de vue, et le modifier de manière à ce qu'il se déroule de manière fluide d'une scène à l'autre est la différence entre quelqu'un qui se contente d'enchaîner des scènes et un véritable conteur visuel.
[Sidebar:Breaking the Line]
Un autre élément de l'action d'appariement est la compréhension que les mouvements qui se produisent à l'écran auront toujours une direction perçue.
Si le film viole cette notion, notre cerveau a du mal à connecter les choses . Imaginez que vous et votre club vidéo enregistrez une pièce de théâtre scolaire intitulée Les légumes sont nos amis. Comme il y a beaucoup de bénévoles, vous décidez qu'en plus des caméras vidéo dans le public, vous placerez une caméra au fond, derrière le décor, pointant vers le public.
C'est l'heure de la grande entrée de M. Tomato. Il entre par la gauche et se déplace vers la droite. Les caméras du haut et du bas tournent et montrent M. Tomato en gros plan lâche.
En post-production, vous remarquerez que si vous coupez entre ces deux plans, M. Tomato se déplacera de gauche à droite dans le prises de vue du public, mais se déplaçant de droite à gauche dans les prises de vue de la caméra à l'arrière.
C'est ce qu'on appelle "casser la ligne". Les téléspectateurs s'attendent à ce que les actions à l'écran aient un flux directionnel. Garder la perspective de la caméra d'un côté d'une ligne imaginaire parallèle à l'action maintient ce sens du flux.
Si vous avez besoin de casser la ligne, utilisez une prise de vue neutre avec le personnage tourné directement vers ou loin de la caméra comme tampon, de sorte que le flux directionnel de la scène s'arrête momentanément.
[Encadré :Plans de coupe]
Une autre technique qui permet à un monteur de garder le programme en mouvement est l'utilisation de plans en coupe ou de B-roll.
Dans notre exemple précédent, au lieu de couper du gros plan de la main au plan d'angle inverse du personnage entrant la pièce, vous pouvez utiliser un pan coupé. Un plan en coupe d'une personne assise à un bureau dans la pièce et regardant la porte pourrait faire bouger la scène, tout en introduisant efficacement un nouveau personnage. L'utilisation à nouveau de la coupe vous permet de raccourcir la durée de la scène, car le public s'attendra à ce que l'action d'ouverture de la porte se poursuive pendant la coupe.
Le rythme de la scène dépend toujours du contenu de la scène elle-même. Si vous coupiez une scène d'une mère berçant un nouveau-né pour l'endormir, le rythme de la scène serait généralement beaucoup plus lent que si vous coupiez une séquence de poursuite en voiture.
Les monteurs expérimentés font très attention au rythme de la scène , en comprenant que cela peut faire la différence entre un public pleinement impliqué dans l'histoire et un autre qui s'agite sur son siège.