Au début, il y avait le cut. Les conventions d'édition habituelles dictent que la plupart de vos transitions doivent être des coupes. Éloignons-nous un instant de la palette des transitions.
La toute première personne à éditer n'importe quel type d'image animée a sans aucun doute commencé par supprimer simplement quelque chose qu'elle n'aimait pas du flux d'images.
La coupe est née. Et c'était bon. Très très bien. Parce que la coupe est le cœur de tout montage.
C'est un moyen d'éliminer l'ennui - de juxtaposer une scène contre une autre - de raccourcir le temps - et d'empêcher généralement votre film, vidéo ou toute autre forme de communication de commettre le péché le plus capital de tous - ennuyer votre public.
La clé, bien sûr, n'est pas simplement de faire n'importe quelle vieille coupe. Il s'agit de positionner la coupe "précisément" afin qu'elle atteigne au mieux votre objectif d'édition.
Comprendre la coupe
Regardez la figure 1. Il s'agit d'une représentation visuelle de deux flux vidéo. La vidéo A est en cours de lecture dans la chronologie et, au point X, la figure montre une coupure vers le flux vidéo B. Mais sous cette simple coupure, se trouve un ensemble de décisions remarquablement complexe.
Chacun des deux flux se déplace à 30 images par seconde. Ainsi, même si vous ajustez une coupe en une seconde sur chaque flux, vous avez le choix entre 30 images dans la vidéo entrante et 30 images coupées possibles dans la vidéo sortante. Cela signifie qu'il existe 900 façons différentes de positionner précisément cette modification unique ! Il est clair qu'une telle précision n'est pas nécessaire pour la plupart des tâches d'édition, mais cela nous aide à comprendre que l'édition est un métier précis lorsqu'elle est pratiquée au mieux.
Et si un montage n'affectait que les deux clips eux-mêmes, alors les choses seraient simples. Mais en réalité, de nombreuses actions d'édition d'un clip peuvent entraîner des modifications susceptibles de "se répercuter" sur l'ensemble de votre vidéo.
Ajouter ne serait-ce que quelques images à la "tête" ou à la "queue" d'un montage "poussera" tout le contenu avant ou derrière ce clip en aval. (Voir l'encadré :Ripple &Roll)
Coupe sur action
La vidéo est une question d'action, donc une bonne façon d'en savoir plus sur la bonne coupe est d'examiner la coupe sur le mouvement. Imaginez que nous ayons été embauchés pour filmer une démonstration de vente d'un nouveau produit - le Billco Monster Peeler. Nous avons une photo maîtresse de la pitchwoman expliquant le fonctionnement du produit, et des gros plans en coupe du produit en action.
Dans la photo principale, notre porte-parole déclare :« Il n'y a rien de tel que l'efficacité supplémentaire du Monster Peeler pour ces articles « difficiles à éplucher » - comme la pastèque ! Quelque part au cours de cette ligne, vous souhaitez couper le gros plan du produit en action. Mais où? Si vous coupez tôt dans la scène, disons juste avant que le porte-parole ne dise "efficacité supplémentaire", la coupe "anticipe" l'action et vous "amplifiez" le message d'efficacité. Si vous coupez juste avant le nom du produit "Monster Peeler", vous mettez directement l'accent sur le nom de la marque et le produit - rien de mal à cela !
Mais si vous maintenez la coupe jusqu'à la fin ou même après la fin de la ligne, vous accentuez la surprise probable de votre public que le produit puisse réellement éplucher une pastèque ! Quel est le meilleur? Eh bien, que voulez-vous faire ? Si le client veut que le message "efficacité" soit mis en évidence, la coupe précoce est probablement la meilleure. S'ils essaient de graver le "nom de marque" dans la conscience du public, la coupe "moyenne" s'impose. Et si l'objectif est de garder le public à l'écoute et d'opter pour une pure valeur de divertissement, alors dites au pitcher de frapper le "comme la pastèque!" et maintenez la coupe pour ne pas révéler la surprise visuelle jusqu'à la dernière seconde.
Ces trois exemples montrent trois "bonnes" approches différentes dans une simple scène en coupe. Il y a aussi beaucoup de mauvais endroits à couper. Couper trop tôt avant que le porte-parole ne soit complètement établi. Couper trop tard après que le bâillon de pastèque soit périmé peut tuer la plaisanterie. Couper sans penser aux messages transmis (placement de montage aléatoire) - sont toutes des façons pour un éditeur non qualifié de priver même une simple coupe de son pouvoir potentiel.
Donc, comme vous pouvez le voir, toutes les "coupes" ne sont pas nécessairement simples. Il y a des points de montage bons, mauvais et médiocres même dans un exemple aussi basique. Apprendre à trouver les meilleurs, c'est tout l'art du montage !
Réflexions finales
Le concept clé de tout découpage est que vous mettez une pause dans le flux actuel d'images. Afin de rendre les coupes fluides et de maintenir le flux de votre programme (si tel est votre objectif), vous devez placer vos coupes là où elles ont le plus de sens pour votre public. Cela signifie ne pas interrompre les actions, les dialogues ou les mouvements d'une manière que votre public ne peut pas accepter.
Si vous regardez des films ou des émissions de télévision bien montés avec un œil critique, vous constaterez que les bons réalisateurs coupent souvent les actions, ils coupent en prévision des choses que le public s'attend à voir arriver, et ils interrompent rarement leur flux en coupant au milieu d'une mot ou mouvement à moins que l'action qu'ils coupent ne soit une extension naturelle de ce qu'ils coupent.
Ce qui rend les films, vidéos et autres contenus en streaming si puissants, c'est leur capacité à nous "hypnotiser" légèrement pour suspendre notre incrédulité et concentrer toute notre attention sur les images présentées, piégeant littéralement notre conscience et nous engageant dans la présentation ?
Dans ce contexte, une coupe bien placée devient invisible. En d'autres termes, lorsque votre public passe complètement à côté du fait qu'il y a eu une coupe, vous maîtrisez définitivement tous ces trucs de montage !
Le rédacteur en chef Bill Davis possède et exploite une société de production vidéo.
Barres latérales :
Onduler et rouler
La plupart des logiciels d'édition actuels disposent d'installations pour ces deux options d'édition dans le cadre de leurs boîtes à outils. Dans l'édition en rouleau, lorsque vous faites glisser votre outil le long de la timeline, vous étendez simultanément un clip tout en raccourcissant l'autre. Ainsi, le montage n'affecte que le point de transition entre les deux clips eux-mêmes, rien d'autre en amont ou en aval du montage.
Dans un montage par ondulation, lorsque vous faites glisser votre outil le long de la timeline, vous étendez ou raccourcissez un clip tout en gardant le "point de montage" de l'autre clip constant. Ainsi, l'édition par ondulation déplace non seulement le clip que vous avez sélectionné, mais également tous les clips en amont de ce clip. L'édition d'ondulation est très utile, mais soyez prudent ! En particulier lorsque vous effectuez un montage sur une bande-son fixe, comme un clip vidéo ; un montage en boucle peut résoudre un problème, mais jetez tout le reste "en aval" en décalé.
La coupe comme générateur de tension
Dans la vie, nous lions le mouvement aux attentes. S'il y a une main tendue vers une poignée de porte, par exemple, nous nous attendons à ce que la prochaine action soit l'ouverture de la porte et la personne entrant dans la pièce. Couper d'un extérieur à un intérieur à portée de main a du sens. Couper à l'intérieur d'un avion n'aurait pas de sens, mais parfois vous voulez momentanément confondre votre public.
Si la main qui atteint la porte est le tueur qui menace la famille à la maison et que la coupe à l'intérieur de l'avion concerne le héros, à des kilomètres de là, coincé dans un avion, la coupe « décousue » peut ajouter une tension dramatique nécessaire à l'histoire. En fin de compte, la meilleure coupe est celle qui aide avec succès votre histoire.