Chaque semaine, je dois quitter mon studio et me rendre à l'épicerie du coin pour réapprovisionner le réfrigérateur de mon client en boissons gazeuses fraîches. Chaque semaine, j'achetais la même variété de produits. Prévisible. Routine. Une évidence. Puis un jour j'ai entendu parler d'un magasin – plus éloigné – un peu plus difficile d'accès, mais un endroit exclusivement dédié aux boissons gazeuses. Ils stockent un million de marques dont je n'avais même jamais entendu parler. J'ai commencé à goûter à leur plus large gamme de produits. Certains d'entre eux étaient, franchement, horribles. D'autres n'étaient pas mieux que ce que j'achetais habituellement. Mais certains d'entre eux étaient exceptionnels et mes clients semblaient apprécier les nouvelles options. Maintenant, je me retrouve à partager mes achats entre les deux magasins, mais quand je regarde dans le réfrigérateur de mon studio aujourd'hui, je suis surpris que, bien que certaines marques ou saveurs aient changé, je propose vraiment à peu près le même nombre global de "choix" que Je l'ai fait avant d'élargir mes achats. Cela me rappelle un peu ce que je ressens à propos de la modification des transitions.
Au début de l'époque où le logiciel NLE ne faisait que commencer, les premiers packages avaient un éventail assez limité de choix de transition. Quelques dissolutions délicates, une poignée de lingettes et peut-être quelques faux retournements 3D. Puis, tout à coup, chaque logiciel de montage était rempli d'un million de choix. Rotation, torsion, fracture, changement de forme pour passer de l'image A à l'image B, y compris une lingette appelée "Falling Sheep".
Aujourd'hui, sur mon bureau, je peux choisir parmi environ un millier de transitions, chacune avec des variations, le tout d'un simple clic de souris. Vous voulez deviner combien j'en utilise régulièrement ? Oui, à peu près autant que j'en utilisais quand j'étais coincé avec un logiciel plus simple. Est-ce que cela rend ma vidéo ennuyeuse et moins aventureuse ? Mes vidéos seraient-elles meilleures si j'utilisais davantage les choix de transition fournis par mon logiciel ? Peut-être.
Mais considérez ceci. Peut-être que plus de quatre-vingt-quinze pour cent des transitions que vous verrez entre les scènes d'une vidéo, d'une émission de télévision ou d'un film professionnel seront de simples coupures. En effet, près de 95 % du temps, le conteur doit simplement passer efficacement d'un personnage à l'autre ou de la scène actuelle à la suivante sans distraire l'attention du public.
La coupe
Lorsqu'elle est exécutée correctement, la coupe est quasiment invisible. Et les transitions invisibles sont un excellent outil lorsque vous souhaitez garder un public concentré sur le contenu de votre programme, plutôt que de les éloigner du contenu pour admirer à quel point vos transitions sont "cool".
La coupe la plus méchante… Parfois, cependant, utiliser une coupe entre deux scènes ne sera tout simplement pas, eh bien… la couper (jeu de mots). Une coupure de saut résulte d'une coupure entre deux scènes presque identiques - par exemple, couper une toux d'une seule prise de vue continue d'une personne qui parle. Ce type de coupe provoque presque toujours un saut dans le temps inacceptable. C'est distrayant parce que dans la vraie vie, le temps ne saute pas comme ça. Dans la vraie vie, nous regardons la personne parler à la tribune et souffrir avec le pauvre misérable jusqu'à ce que sa quinte de toux s'apaise. En vidéo, c'est ennuyeux. Nous voulons supprimer les toux gênantes, nous les supprimons donc, mais à moins que nous ayons changé le cadrage ou que nous utilisions un plan de coupe ou une autre technique de correction de scène, nous devons faire quelque chose pour masquer ce saut dans le temps.
Transitions
Les transitions sont utiles pour cela. Un décollement de page, une diapositive de poussée, un cadre flash - il existe de nombreuses transitions utiles pour couvrir une coupe sautée. Mais combien en avez-vous besoin dans une vidéo ? À mon goût, il semble toujours plus intelligent de choisir un style de transition et de s'y tenir tout au long du programme. Ainsi, par exemple, si j'ai utilisé un décollement de page pour couvrir la première coupe de saut, pourquoi ne pas simplement utiliser la même transition pour toutes les autres modifications gênantes ? Bientôt, le public commence à accepter la transition comme une routine, puis il est libre de revenir directement à la réflexion sur le contenu plutôt que de savoir si une transition de vortex en rotation 3D ou une transition tout aussi mystifiante de "pluie dégoulinante" apparaîtra ensuite. P>
D'autres transitions standard telles que le fondu enchaîné (alias le fondu enchaîné ou le fondu enchaîné selon votre logiciel) sont devenues des normes de l'industrie car, dans le langage traditionnel de la vidéo, elles ont souvent été utilisées dans un but précis. Un fondu enchaîné dans le vocabulaire cinématographique traditionnel implique un passage du temps. Mais pas toujours. Peut-être que la nature "rêveuse" d'un fondu lent correspond mieux à l'ambiance qu'une vidéo essaie de créer. Le but est d'avoir une raison de choisir le type de transitions que vous utilisez afin que vous puissiez construire un vocabulaire visuel que votre public finira par comprendre.
Partager la langue avec un public
Je suis depuis longtemps partisan de faire en sorte que les transitions que vous utilisez dans vos vidéos signifient quelque chose. Encore une fois, pensez à votre motivation. Dans les vidéos de formation, j'aime lier les transitions (pousser la diapositive vers la gauche signifie que nous quittons une leçon pour un exemple - pousser la diapositive vers la droite signifie que nous revenons de l'exemple à la leçon - la page peel sépare les leçons, etc.) pour créer un vocabulaire visuel spécifique, car une fois que le public a compris, il lui est plus facile de suivre le programme.
Et bien. Je suis d'accord que dans certains cas, les transitions peuvent simplement être là parce qu'elles ont l'air cool. Si vous travaillez sur un clip vidéo pour un groupe de hard rock et que vous avez juste envie d'utiliser la transition d'explosion de particules hyper-spatiales, allez-y. Mais comprenez qu'en fin de compte, le vocabulaire visuel ressemble beaucoup au vrai vocabulaire. La façon dont vous "parlez" à votre public en dit long sur vous.
Ne serait-il pas cool d'avoir la possibilité de "parler" dans le vocabulaire visuel vidéo classique lorsque vous travaillez sur une vidéo d'entreprise pour un grand client d'entreprise - puis changez et pimentez vos communications visuelles avec des transitions "d'argot" plus branchées lorsque vous travaillez sur quelque chose de plus avant-gardiste ? Et, hé, si vous faites l'équivalent vidéo d'un concert de rock and roll psychédélique des années 60, alors cette transition bouillonnante d'explosion d'amibes chartreuse au ralenti est bonne. Vraiment. Eh bien, parfois. Peut-être. Mais je n'ai jamais trouvé le moyen d'utiliser ce travail de transition "Falling Sheep" en 20 ans de montage.
Le rédacteur en chef Bill Davis écrit, filme, édite et
fait du travail de doublage pour une variété de clients corporatifs et industriels.
[Encadré :La grammaire de base du montage]
Le montage – Lorsque la première image d'un nouveau plan suit directement la dernière image du plan précédent, vous avez le montage le plus courant, la coupe. Cette modification n'implique généralement aucun changement de temps ou de lieu. Dans le modèle classique "Hollywood", ce montage serait invisible pour le spectateur. S'il n'est pas exécuté correctement, il devient une coupe sautée (voir ci-dessous).
Le fondu enchaîné (ou fondu enchaîné) – Lorsque la fin du plan sortant s'estompe tandis que le plan entrant s'estompe, nous avons un fondu enchaîné. Un groupe d'images finales du premier clip est composé avec un groupe d'images de l'avant du deuxième clip pendant le fondu enchaîné (une valeur par défaut dans certains systèmes d'édition est de quinze images de chaque côté). Une autre façon de décrire cette transition très utilisée serait que l'opacité du clip sortant passe de 100% à 0% tandis que l'opacité du plan suivant et qui se chevauche fait le contraire. Cela indique un changement d'heure ou de lieu ou les deux.
La lingette – Le wipe est une transition très perceptible qui n'est pas souvent utilisée à Hollywood ou à la télévision. Un clip pousse le clip précédent "hors de l'écran", vers la droite, la gauche, le haut ou le bas. George Lucas l'a utilisé dans la série Star Wars. Indique généralement un court laps de temps, mais implique que les deux clips sont liés.
Fondu au noir – Un fondu au noir peut être considéré comme un fondu enchaîné, le deuxième « clip » étant une image complètement noire, généralement sans son. Un fondu au noir indique généralement la fin du programme ou peut-être la fin d'un "chapitre" de l'histoire.
La coupe sautée – La définition la plus basique d'un jump cut est un montage qui rompt la continuité du temps (et/ou parfois du lieu). Cela se produit souvent lorsqu'une section de la séquence est prise au milieu d'un plan, par exemple une interview à tête parlante, ce qui fait sursauter le sujet alors que l'arrière-plan reste le même. Bien que fait exprès par la Nouvelle Vague française (et Deconstructing Harry de Woody Allen en 1997), cela est généralement considéré comme une erreur et choque le public, le distrayant de l'histoire.