Regarder des films est une classe en soi, mais vous devez vraiment avoir les bons outils pour devenir un spectateur critique.
Tous les bons réalisateurs sont des étudiants en cinéma. Ils dévorent le film, regardant la façon dont leurs pairs ont choisi de présenter le scénario - leur choix de plan, les transitions, la musique et la forme. Pour tirer le meilleur parti du visionnage de films et glaner de nouvelles façons de tourner des scènes et de présenter des idées, vous devez commencer par les éléments de base qui composent toute production cinématographique ou vidéo. Dans cette colonne, nous examinerons ces différents éléments et fournirons un guide simple que vous pourrez utiliser pour commencer votre voyage dans la salle de cinéma.
Avant de commencer
Pour vraiment accorder à un film toute son attention critique, il faut prendre de la distance et devenir un spectateur totalement objectif. Cela peut être difficile à faire, surtout si le film est bien fait et vous entraîne dans l'histoire avec des personnages qui vous tiennent à cœur, plongés dans une situation qui semble insurmontable. Vont-ils s'échapper ? Vont-ils tomber amoureux? Trouver la réponse vous éloigne de votre tâche première, qui est d'étudier les différents aspects du film, afin que vous puissiez grandir dans votre propre cinéma. Il existe une solution très simple, mais qui prend un peu de temps :regarder le film deux fois, une fois pour le plaisir et une fois pour étudier. Bientôt, vous pourrez faire les deux en même temps, bien que cela ait tendance à réduire votre plaisir général du film.
Lorsque vous regardez le film une deuxième fois pour l'étudier, décomposez-le en ses différentes scènes, utilisez le ralenti et l'avancement pas à pas pour le parcourir, et étudiez les points de montage et les transitions. Observez comment le mouvement de la scène s'écoule d'une action à l'autre. Notez les choix de plans du réalisateur, les blocages des acteurs, l'éclairage du directeur de la photographie. Étudiez attentivement le film et glanez-en autant de nouvelles idées que possible.
Préparez-vous pour votre étude en enregistrant vos émissions et films préférés sur cassette ou en vous rendant au magasin vidéo local et en louant des classiques du cinéma sur DVD. Que vous utilisiez une vidéo ou un DVD, vous pourrez voir comment le film a été créé en le parcourant image par image.
Le manuel du cinéma
Comme toute bonne classe, un film comporte un certain nombre de chapitres ou d'éléments facilement compréhensibles. Quand Videomaker les éditeurs critiquent un projet vidéo en utilisant leur processus Take 20, ils regardent l'éclairage; le montage, y compris le rythme et la continuité ; audio – prise de son, dialogue, musique, effets sonores, clarté et cohérence globales ; histoire; travail de la caméra – composition, utilisation des angles, choix des prises de vue et direction de l'écran ; et enfin, les effets et les graphismes. Tout au long du processus, ils discutent et critiquent les choix du réalisateur. Vous pouvez utiliser le même format pour critiquer un film. Vous pouvez également ajouter des éléments tels que la conception visuelle, le jeu d'acteur et les techniques générales de mise en scène. Examinons chacun de ces éléments.
La caméra
En regardant le travail de caméra du film, il faut prendre conscience du tournage des différentes scènes. La scène a-t-elle été tournée à main levée ou Steadicam, sur trépied ou chariot ? Demandez-vous pourquoi le réalisateur a choisi ce type particulier de support de caméra. Le mouvement de la caméra correspondait-il au style et au ton de la scène, ou était-ce gênant ? Le mouvement de la caméra ajoute de la profondeur et de la fluidité à une scène, mais si le mouvement est au mauvais rythme ou au mauvais moment ou dans le mauvais style, cela peut être très distrayant. Vous ne voudriez pas filmer une scène d'amour douce avec une caméra portable très tremblante et rapide, et vous ne voudriez certainement pas filmer un point de vue subjectif de personnes courant pour leur vie à travers les bois avec une caméra lente montée sur un chariot.
Examinez sérieusement la composition du plan. Le tireur a-t-il utilisé la règle des tiers ? Y a-t-il beaucoup d'espace pour regarder et pour marcher ? Les tailles de plan sont-elles appropriées au niveau d'implication et d'émotion ? Beaucoup de nouveaux réalisateurs et tireurs oublient la taille du plan lors du tournage d'un projet. Rappelez-vous toujours que plus vous voulez d'attachement émotionnel dans la scène, plus le plan est serré. Les plans larges sont moins émotionnels et plus objectifs que les plans rapprochés.
Quels angles de caméra le réalisateur a-t-il utilisés ? L'angle de prise de vue en dit long sur le sujet. Une prise de vue en plongée, regardant vers le bas sur le sujet, donne l'impression que le sujet est petit et insignifiant, tandis qu'une prise de vue en contre-plongée donne au sujet un sentiment de pouvoir et d'autorité. Nous appelons souvent des plans avec des angles latéraux d'environ 45 degrés des "angles hollandais", et ils disent généralement au spectateur que les choses ne vont pas tout à fait bien dans le monde. L'utilisation d'objets pour cadrer votre sujet et la combinaison de mouvements de caméra intéressants avec des angles appropriés peuvent ajouter une puissance considérable à une scène.
Enfin, le réalisateur a-t-il maintenu une bonne direction d'écran et une continuité dans les images ? La direction de l'écran est très importante; il permet à votre public de suivre l'action sans se perdre. Le respect de la règle des 180 degrés et le maintien d'un bon sens du temps et de la continuité permettent à votre public de faire partie de l'action et de s'immerger dans l'expérience cinématographique.
Éclairage
L'éclairage nous permet non seulement de voir l'action, mais il aide également à définir l'ambiance, l'heure et le lieu de la scène. Observez comment le directeur de la photographie ou le réalisateur a choisi d'éclairer la scène. Les ombres et la lumière améliorent-elles la scène, ou y a-t-il des points sombres ou lumineux gênants ? L'équilibre des couleurs de la lumière est-il adapté à la scène ? La lumière principale semble-t-elle provenir d'une source naturelle dans la scène, ou s'agit-il d'une lumière mystérieuse ? Faire défiler attentivement la scène répondra à ces questions et vous montrera les changements subtils que le réalisateur a apportés à l'éclairage lors de la prise de vue en gros plan par rapport à de longs plans. L'éclairage est un art raffiné qui doit valoriser la production. Chaque fois que vous regardez un nouveau film, les leçons d'éclairage que vous trouvez sont inestimables pour améliorer vos compétences en éclairage et votre conception.
Édition
Le rythme des montages, le placement des coupes et l'utilisation des transitions sont peut-être parmi les leçons les plus faciles et les plus précieuses que vous puissiez apprendre en regardant un film classique. Regardez attentivement le film image par image et voyez où le monteur a placé la coupe entre deux plans. L'éditeur aurait-il pu couper tôt ou tard ? Pourquoi a-t-il choisi de faire la coupe à ce point précis ? L'éditeur a-t-il masqué la coupe dans une séquence d'actions assorties bien conçue ?
Lorsque vous regardez un film séquence par séquence, plan par plan, vous pouvez être surpris par le nombre de coupes que vous trouvez. Un bon éditeur cache les coupes dans des séquences d'action assorties bien tournées, coupant toujours le mouvement et maintenant un flux fluide d'un plan à l'autre. Ce flux conduit à un sentiment de continuité qui rend la scène crédible et le passage du temps raisonnable. Observez ce flux et tirez-en les leçons lors de votre prochaine session de montage.
Audio
Malheureusement, les nouveaux cinéastes négligent souvent l'audio. Lorsque vous étudiez des films, écoutez l'audio sans regarder l'image. L'audio transmet-il l'histoire et donne-t-il une idée de ce qui se passe ? Le son est-il propre et cohérent, et affiche-t-il une bonne plage dynamique ? Y a-t-il des points où l'audio est surmodulé et flou ? Le dialogue est-il clair et concis ?
Regardez maintenant le film avec l'audio et l'image présents. La musique fonctionne-t-elle avec l'image ? Les éléments sonores des dialogues et des effets sonnent-ils naturellement dans le paysage sonore et correspondent-ils au paysage physique ? Regardez attentivement le film pour essayer de déterminer comment le directeur audio a capté les acteurs.
L'une des choses les plus difficiles à faire dans la production audio est de créer un paysage sonore en trois dimensions qui corresponde au niveau et à la tonalité de l'audio avec l'espace physique dans lequel il est créé. Par exemple, un micro lav placé sur un acteur que vous voyez à distance sonnera très peu naturel. Utilisez un fusil de chasse et placez-le à distance de l'acteur, de sorte que la voix corresponde à la distance que nous voyons. Ceux-ci ne seront pas égaux. Le microphone sera beaucoup plus proche de l'acteur que vous ne le pensez. Pour pratiquer le placement du micro, choisissez une scène préférée d'un film et essayez de dupliquer le son que vous entendez.
Effets et graphismes
Les effets et les graphismes ne sont qu'une petite partie de la plupart des films. Regardez comment le cinéaste a utilisé le générique d'ouverture pour dépeindre l'ambiance des pièces, ainsi que pour donner du crédit là où le mérite est dû. Portez une attention particulière à tous les effets spéciaux, parcourez-les image par image pour voir comment ils ont été tournés et essayez d'identifier la technologie derrière eux. Si le plan a été généré par ordinateur, a-t-il l'air réel et s'intègre-t-il parfaitement aux séquences d'action réelle ? Pouvez-vous dire quand le réalisateur utilise un matte painting, un arrière-plan généré par ordinateur, une doublure cascadeuse ou un modèle ? En examinant attentivement le film, vous pouvez commencer votre formation dans le monde des effets spéciaux.
Examen final
L'histoire, bien sûr, est le point d'étude ultime pour tout spectateur critique. L'histoire a-t-elle un personnage qui vous tient à cœur et qui se trouve dans une situation dont il sera difficile de sortir ? Le jeu d'acteur et la mise en scène fonctionnent-ils avec le personnage et l'histoire, ou semblent-ils en contradiction l'un avec l'autre, attirant l'attention sur leur métier au lieu d'améliorer l'histoire ? Faites de votre mieux pour rester détaché de l'histoire et de ses personnages, afin que vous puissiez être un observateur objectif. Décomposez la vidéo en ses éléments essentiels et profitez des découvertes que vous ferez en entrant dans la classe vidéo.
Collaborateur à la rédaction Robert G. Nulph, Ph.D., est un producteur/réalisateur indépendant de vidéos/films et enseigne des cours de production vidéo au niveau collégial.