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Chaque film à succès comporte des centaines, voire des milliers de montages, mais le spectateur n'est souvent pas conscient de la coupe. Pourquoi? Dans de nombreux cas, le changement est très subtil, utilisant une technique souvent connue sous le nom de transition naturelle.
Dans les annales de l'histoire du cinéma, Thomas Edison est considéré comme le père des premières caméras cinématographiques et son assistant Edwin S. Porter a réalisé les premiers films narratifs d'un plan à l'autre. L'idée de couper les matchs en mouvement existe depuis D.W. Griffith a commencé à faire progresser les arts éditoriaux qui ont commencé avec Porter. Les transitions, en particulier sous la forme de fondus enchaînés, sont entrées dans la trousse à outils du cinéma en quelques années.
Histoire pas si subtile
Dans les années 1950, le cinéaste japonais Akira Kurasawa a utilisé des balayages et des transitions avec beaucoup d'effet dans ses films de samouraïs qui ont ensuite été émulés dans Star Wars films. Les transitions, en particulier les plus radicales, sont généralement utilisées pour souligner un changement de géographie ou de temps dans le film.
Au cours des 10 dernières années, des transitions ont été ajoutées gratuitement aux packages de montage non linéaires par dizaines. La tentation de les utiliser augmente, même si les transitions les plus radicales ne servent qu'à distraire le public de l'histoire ou de l'idée mise en avant par les sons et les images.
1. Changer subtilement d'emplacement
Lorsque la plupart des gens pensent aux transitions, la première chose qui leur vient à l'esprit est un fondu enchaîné où vous passez d'un clip à l'autre. Les fondus enchaînés sont une transition très "douce" car elle est agréable pour les yeux. Une autre alternative, plus intelligente, consiste à utiliser les plans eux-mêmes pour passer d'une scène à la suivante ou d'un endroit à un autre.
Un exemple de ceci serait de montrer un homme en train de taper une lettre. Il l'attrape de l'imprimante, puis dans le montage, nous passons à un gros plan de la lettre ; le gros plan se retire pour révéler une fille et son amie lisant la lettre. Cela a déplacé le public d'un endroit et d'une scène à un autre sans l'utilisation d'un plug-in ou d'un bouton.
En utilisant les règles de montage et les idées de base du match cutting, vous pouvez passer efficacement d'une scène à l'autre. L'effet peut être initialement choquant, mais le public d'aujourd'hui est habitué à une réflexion rapide et à des changements radicaux, et pourtant ils sont plus naturels qu'un simple décollement de page ou que la transformation d'un des clips vidéo en une balle animée en 3D qui rebondit hors de l'écran.
Une autre version de la transition naturelle consiste à terminer une scène avec une personne montrant un tir de réaction et entendant le son de la scène suivante. Nous pouvons avoir MAN dans la scène 1, en train de travailler, puis nous entendons l'audio de WOMAN 2 dans la scène 2 poser une question, et les visuels montrent toujours MAN de la scène 1 alors qu'il lève les yeux, comme s'il répondait à cela, et nous passons à WOMAN 2 dans la scène 2, puis nous passons au plan de réaction de la FEMME 1 dans la scène 2. Il s'agit d'une transition audio d'une scène à l'autre.
Légende : La clé pour rendre cette transition fluide est le gros plan sur le papier. Ce gros plan relie la scène précédente à la nouvelle scène de manière transparente.
2. Effacement du cadre
L'effacement de cadre est couramment utilisé si les scènes peuvent le justifier. C'est là que quelqu'un ou quelque chose remplit tout le cadre d'une scène et lorsque le cadre s'efface, nous sommes dans la scène ou l'emplacement suivant. Le moyen d'obtenir cette modification presque transparente consiste à couper pendant que la personne ou l'objet bloque complètement le cadre aux deux endroits. Parce que la caméra est bloquée comme une goutte géante floue, le montage est presque invisible. Cette technique a été utilisée intelligemment dans JAWS sur la plage pour changer la vue à 180 degrés sans coupe discordante.
Légende : Dans cet exemple, une personne passe devant le caméscope, bloquant la vue. Lorsque cette distraction passe, le public est dans une nouvelle scène. Ce type de transition peut se faire très discrètement.
3. Transition de mouvement
Couper en mouvement est une astuce éditoriale courante pour attirer l'attention du spectateur et peut être utilisée pour passer en douceur d'une scène à une autre si elle est pertinente. Dans cet exemple, nous pouvons demander à FEMME 1 de mettre en boule une feuille de papier et de la jeter hors du cadre. Coupure sur le mouvement de la boule de papier quittant le cadre et le plan suivant est une boule de papier entrant dans le cadre sur le sol dans une autre scène. Nous venons de ramener le spectateur dans le temps à MAN dans la scène 1 en regardant ses brouillons précédents regroupés. Le public se connectera au mouvement et comprendra toujours la géographie. Cela peut même être utilisé dans un sens plus abstrait de suivre le mouvement sans que l'objet (ou la personne) soit le même tant que la direction de l'écran correspond, l'œil du public suivra.
Légende : Assurez-vous de garder une certaine continuité dans le mouvement de l'objet en déplacement.
4. Moule à fouetter
Le panoramique rapide, ou « coup de fouet » peut également former une coupe semi-abstraite et le mouvement peut faire sortir le public d'une scène et dans la suivante, en continuant le mouvement de la caméra. Couper au milieu du mouvement sauvage de la caméra, puisque l'image est une goutte maculée, coupe également sans effrayer le spectateur.
Comme pour toutes les transitions, une utilisation excessive peut en atténuer l'impact. Les transitions, même naturelles, doivent être utilisées pour souligner le changement de scènes. Parfois, une coupe droite peut vous emmener d'un endroit à un autre. D'autres fois, vous voulez vraiment mettre l'accent sur le changement - comme dans un scénario ou un film où vous racontez une histoire de manière non linéaire. Si vous sautez de deux scénarios différents, les sauts entre des actions parallèles peuvent justifier une sorte d'accent sur la transition.
Légende : Un fouet peut faire le travail, mais c'est généralement un peu plus distrayant que la plupart des autres transitions. Utiliser avec parcimonie. Pour en créer un, vous devez subtilement faire glisser l'appareil photo vers la gauche à partir de la première scène afin que la prise de vue soit floue, et n'utiliser que quelques images ici avant de passer à la prochaine prise de vue de l'appareil photo en balançant de la droite et en vous installant sur le nouveau sujet. C'est une technique difficile à maîtriser.
Dans la narration narrative, comme les courts métrages et les longs métrages, la plupart des transitions NLE pourraient arracher le public à la crédibilité de la scène. Dans quelque chose comme un documentaire, une émission de téléréalité ou une vidéo industrielle/commerciale, les transitions traditionnelles sont plus courantes parce qu'elles sont acceptables. Utilisez votre meilleur jugement, regardez notre vidéo de démonstration en ligne pour en savoir plus et bonne chance !
Peter John Ross est un cinéaste primé et auteur de Tales from the Front Line of Indie Filmmaking.