Le dialogue est un élément délicat pour l'éditeur vidéo. Les séquences d'interview sont faciles à comparer ; le dialogue d'une interview est brut et l'on s'attend à ce que le monteur vidéo le coupe pour donner du sens, pour faire avancer une pensée ou une idée, pour présenter la meilleure expression pour s'adapter au récit de la vidéo.
Le dialogue, dans un récit de fiction, porte en lui beaucoup de sensibilités. Les scripts sont remplis par des scénaristes, qui travaillent dur pour créer et façonner le dialogue avec une grande intention pour exposer la personnalité d'un personnage et faire avancer une histoire. Les réalisateurs travaillent dur pour façonner et filmer une scène remplie de dialogues, offrant la meilleure expression visuelle de ce qui a été écrit. Les acteurs répètent sans relâche pour offrir un dialogue avec la plus grande crédibilité. Lorsque des images remplies de dialogues atteignent le bureau de l'éditeur vidéo, il s'agit d'un contenu chargé, interprété par plusieurs personnes et conçu à partir de leur sueur et de leur travail acharné. Cela met une énorme responsabilité sur les épaules de l'éditeur. Ils doivent rester fidèles à la vision de tous ceux qui ont investi dans la production et fidèles au récit pour faire avancer l'histoire.
Lorsqu'il s'agit de narration cinématographique, le dialogue en dit long sur le récit global.
Les responsabilités assumées de l'édition du dialogue et le rôle de l'éditeur pour créer une histoire fluide et cohérente peuvent être une tâche ardue, en particulier pour l'éditeur vidéo qui n'est pas habitué à travailler avec des dialogues scénarisés. Voici quelques points à garder à l'esprit lors de l'édition de la boîte de dialogue. Les mettre en pratique facilitera l'édition.
Restez fidèle à la scène
Lors de la coupure du dialogue, il y a souvent des priorités conflictuelles. Il y a le scénario tel qu'il est écrit, la vision du réalisateur qui est évidente dans les images, et il y a l'intention de la scène. Parfois, ces trois choses ne s'alignent pas tout à fait de la même manière. Un script doit fonctionner comme un script, mais cela ne signifie pas qu'il se traduit parfaitement en images tournées. Pour cette raison, un réalisateur peut s'éloigner du scénario pour souligner un point particulier. De même, la vision d'un réalisateur peut fonctionner comme une séquence brute, mais elle ne se poursuit pas toujours avec la même intention lorsqu'elle est coupée ensemble. La première priorité d'un éditeur est de rester fidèle au message prévu de la scène. Cela prend en compte le scénario écrit, les décisions de mise en scène du tournage et ce que le monteur voit à l'écran. La meilleure façon de comprendre le véritable objectif d'une scène est de la regarder dans le contexte de l'histoire globale.
Il est également important que l'éditeur comprenne qu'il ne travaille pas isolément. Une œuvre cinématographique achevée est le résultat d'une collaboration. Un monteur doit maintenir une communication ouverte avec le réalisateur et le scénariste pour comprendre le but du dialogue dans son montage. Le simple fait de dialoguer avec le reste de l'équipe de production aidera le monteur à garder une perspective sur les images qu'il coupe.
Gardez le rythme
L'un des plus grands superpouvoirs d'un éditeur vidéo est la capacité de compresser ou d'étendre le temps. Un éditeur vidéo contrôle une scène en fonction de son rythme. Les images capturées sont limitées par la diffusion du talent à l'écran et l'affichage en temps réel de l'action. L'éditeur vidéo peut prolonger ce rythme en maintenant un seul plan avant de passer à la ligne suivante ou en ajoutant un plan de réaction. Ils peuvent accélérer les choses en coupant les clips et en les superposant les uns sur les autres. Quoi qu'il en soit, le rythme du dialogue n'est pas limité par la prestation des talents.
Le rythme de la scène doit être dicté par l'objectif de la scène - ce qu'elle essaie d'accomplir. Un monteur vidéo doit garder à l'esprit son public et savoir que le public essaie de suivre. Cela signifie qu'ils devront peut-être ajouter des pauses « enceintes » pour créer de la tension et permettre au public de se rattraper. Ils peuvent également dérouter le public en faisant s'écraser différentes lignes de dialogue les unes sur les autres, forçant le public à courir et à n'attraper que les morceaux qui se démarquent. Les deux techniques ont leur place dans le montage vidéo, la clé est de les utiliser à bon escient.
Regardez qui parle maintenant
La majorité des dialogues qui ont lieu dans n'importe quel récit à l'écran se dérouleront entre deux personnages ou plus. Il semblerait naturel que l'éditeur utilise toujours le plan de la caméra de la personne qui parle. La vérité est que couper le dialogue n'est pas si simple. 
Le déroulement d'une conversation n'est pas toujours centré sur la personne qui parle, parfois sur le véritable impact de ce qui se passe dit se reflète dans la réponse de la personne qui écoute. Pour cette raison, la sélection des plans doit se concentrer sur la conversation et son rapport avec l'histoire, plutôt que sur la personne qui livre le dialogue.
La caméra doit se concentrer sur l'interprète qui livre le dialogue lorsque le dialogue est poignant et révèle quelque chose sur le personnage, surtout s'il s'agit d'un moment de croissance pour ce personnage dans l'arc général de l'histoire.
Lorsque le dialogue d'un personnage révèle un autre personnage ou est révélateur en présentant de nouvelles informations à un autre personnage, il peut être préférable de montrer le coup de réaction de ce personnage. Il est plus révélateur de voir la réaction d'un personnage à une nouvelle information pendant que le public entend la révélation de cette information que de voir et d'entendre le dialogue.
Le dialogue est avant tout un attribut relationnel d'un récit. C'est-à-dire qu'il révèle la relation entre deux personnages ou plus. L'utilisation du dialogue et les choix faits par un éditeur concernant la façon d'afficher la livraison et la réception du dialogue contribuent grandement à établir des relations entre les personnages. De cette façon, un monteur peut choisir de montrer deux personnages ensemble, dans le même plan, tandis qu'un livre un dialogue. Le two-shot peut construire une intimité ou révéler un schisme entre deux personnages. Isoler un personnage dans un plan, qu'il entende le dialogue d'un autre personnage ou livre le sien, révèle sa relation et ses sentiments à propos de ce qui est dit.
Parlez-en
Le dialogue introduit une dynamique unique à la vidéo. L'audio assemblé pour le montage doit suivre un fil narratif qui se connecte et a du sens pour le public. L'éditeur assume la responsabilité non seulement de raconter une histoire visuelle, mais aussi de raconter une histoire audible. Une partie de la beauté de la vidéo est qu'il s'agit d'un art collaboratif, créé grâce aux efforts de nombreuses personnes. Un éditeur vidéo est mieux servi en gardant un dialogue ouvert avec les écrivains, réalisateurs et producteurs. Si l'éditeur le fait, il sera en mesure de saisir la vision et de maintenir le dialogue aligné sur les intentions du récit.
BARRE LATERALE
Le monteur est à la merci de la production, surtout lorsque les scènes de dialogue demandent à plus d'un acteur de parler en même temps. En conséquence, les images qui atterrissent sur le bureau de l'éditeur contiennent de l'audio qui se chevauche, avec le dialogue d'un acteur entendu à travers le microphone d'un autre acteur. C'est assez d'astuce pour prendre des photos séparées et les enchaîner dans une conversation cohérente qui coule naturellement, mais au moins avec une seule personne qui parle, il y a des points d'arrêt naturels où un éditeur peut placer une coupe. Lorsque les dialogues se chevauchent, il est probable qu'il y aura beaucoup moins de points d'arrêt pour que l'éditeur place une coupe naturelle. Il existe quelques solutions de contournement que l'éditeur devrait connaître pour les aider dans cette situation.
Utiliser des plans de coupe
La solution la plus simple consiste pour l'éditeur à utiliser des plans de coupe. Il y a de fortes chances qu'il y ait des points de rupture dans l'audio, même s'il n'y a pas de continuité visuelle. Une coupe permet à l'éditeur de masquer son montage entre différentes prises. Le premier coup roule, et pendant que la piste audio continue, la vidéo se coupe. Sous le plan de coupe, l'audio passe au deuxième plan et lorsque le moment est venu, le deuxième plan passe au-dessus du plan de coupe.
Tonalité de la pièce
Il y a une raison pour laquelle les réalisateurs chevronnés enregistrent le ton de la pièce de chaque lieu. L'une de ces raisons est de combler les trous silencieux qui se produisent pendant le processus d'édition. Il y a des moments où, lors de la coupe d'un dialogue qui se chevauche, l'éditeur peut supprimer des parties du dialogue d'un personnage hors écran pour isoler le dialogue de l'acteur à l'écran. Cela laisse un point mort creux dans la piste audio. L'éditeur peut mélanger la tonalité de la pièce enregistrée dans le mixage audio à ce stade pour lisser les parties supprimées de la piste audio.
Chris "Ace" Gates est un scénariste et producteur vidéo quatre fois récompensé par un Emmy Award.