En comprenant certaines des techniques de narration liées au temps les plus courantes, vous aurez une idée des méthodes que vous pouvez utiliser pour raconter vos histoires.
Temps réel, temps compressé, temps étendu
Il est rare qu'un film soit entièrement tourné en temps réel comme le western classique High Noon. Dans le film, une horloge est montrée à plusieurs reprises pour aider à illustrer le passage du temps ainsi que pour créer une tension jusqu'à l'apogée du film. Dans la série télévisée 24, des graphiques à l'écran sont utilisés pour montrer que toute la série se déroule sur une période singulière de 24 heures, chaque épisode représentant une heure. Ces exemples sont définitivement l'exception et non la norme.
Généralement, dans les films, les événements représentés à l'écran se déroulent sur une durée plus longue que la durée d'exécution du film. Dans un cas comme celui-ci, le temps doit être compressé pour qu'une histoire qui se déroule sur plusieurs jours ou années puisse être racontée en moins de deux heures. À l'inverse, le temps doit parfois être prolongé afin que les événements qui se déroulent sur une courte période puissent être pleinement explorés.
Bien qu'il soit rare qu'un film entier soit raconté sur une longue période, il est couramment utilisé pour des scènes ou des séquences individuelles. Le temps prolongé est utilisé pour mettre en évidence une action et augmente souvent la tension dans une scène. Le compte à rebours du minuteur sur une bombe se déplace souvent plus lentement que le temps réel lorsque notre héros d'action a du mal à le diffuser. De même, les mouvements de combat sont souvent ralentis dans les films d'action afin que le mouvement puisse être vu et l'impact du coup accentué.
Ce qu'il faut couper et ce qu'il faut garder
L'utilisation du temps dans la narration est importante dans tous les aspects de la production, de l'étape de présentation à l'écriture du scénario en passant par l'étape de production et le montage. Il y a un dicton dans l'écriture de scénarios qui dit qu'il faut entrer dans une scène après qu'elle ait commencé et partir avant qu'elle ne se termine. Vous voulez seulement montrer au public ce qu'il a besoin de voir afin de l'aider à rester engagé dans l'histoire. Alors que vous espérez toujours que le scénariste a fait son travail, c'est au réalisateur de s'assurer que les scènes sont serrées et se déroulent sans heurts; cela inclut de saisir le public dans le temps qui passe.
Si vous envisagez d'utiliser la compression ou l'expansion du temps, la plupart des décisions concernant ce que vous montrerez au public doivent être prises avant le tournage. Souvent, les écrivains notent simplement dans la ligne de limace "EXT. MAISON – NUIT” ou “INT. LA CHAMBRE DE CHARLIE - 5 ANS PLUS TARD" sans indiquer au réalisateur un moyen de montrer cela à l'écran. Il est important de revoir le script avant de tirer, en notant comment vous montrerez le passage du temps. De cette façon, vous minimiserez votre charge de travail et aurez plus de temps pour prendre les photos dont vous avez besoin.
Le langage visuel du cinéma
Pendant plus de cent ans, les cinéastes ont travaillé pour établir un langage visuel complexe qui est utilisé pour raconter leurs histoires. Beaucoup de ces techniques sont si subtiles que vous ne réalisez peut-être même pas qu'elles existent, mais une fois que vous les reconnaissez, vous pouvez les utiliser vous-même. En utilisant des techniques de passage dans le temps que le public est habitué à voir, il peut facilement suivre votre histoire.
Graphiques
Le texte à l'écran indiquant la date ou l'heure peut être utilisé pour établir quand l'action d'une scène ou d'une séquence se déroule ; le public peut évaluer le passage du temps en fonction du dernier graphique apparu. Le texte est souvent au centre de l'écran ou dans la position des tiers inférieurs. Les journaux, les journaux intimes ou les entrées de journal sont une autre approche graphique courante. C'est peut-être le moyen le plus simple de transmettre le passage du temps, mais certains cinéastes estiment que les graphismes peuvent nuire au style visuel d'un film. Il est également important de se rappeler que certains spectateurs ignoreront les graphiques au début d'un film, pensant qu'ils ne sont que des crédits.
Symbolisme
Alors que le temps est un concept abstrait, les objets associés au temps sont très concrets. Des horloges et calendriers aux levers et couchers de soleil en passant par les changements saisonniers, le passage du temps peut être facilement déduit de ce symbolisme. Il existe plusieurs techniques qui utilisent efficacement le symbolisme. Examinons-les brièvement.
Le processus de vieillissement
Lorsque vous cherchez des moyens de compresser le temps, vous pouvez montrer qu'un personnage a vieilli en modifiant sa coiffure, son maquillage et sa garde-robe. Lorsque vous utilisez des bébés ou des enfants acteurs qui sont ensuite remplacés par des acteurs adultes, vous devrez peut-être incorporer le nom du personnage dans le dialogue si la ressemblance n'est pas troublante. De nombreux films utiliseront le maquillage et la couleur des cheveux pour vieillir un acteur, mais en tant que réalisateur, il est important de se rappeler que l'âge peut être défini par bien plus. Une marche voûtée, une boiterie ou une voix grave peuvent également indiquer le vieillissement. Encouragez vos acteurs à faire preuve de créativité et à utiliser leurs talents dramatiques.
Les accessoires et les emplacements peuvent également montrer l'âge. Une nouvelle voiture brillante est maintenant vieille et usée. Un nouveau document net est maintenant jauni et estompé. Pour objectiver le temps, il est souvent utile d'utiliser des extrêmes pour illustrer son passage.
Le film primé de Richard Linklater "Boyhood" est un excellent exemple illustrant pratiquement le processus de vieillissement. Linklater a tourné pendant une période de 12 ans avec les mêmes acteurs, de sorte que le processus de vieillissement est très évident. Bien que ce type d'engagement de temps de la part des talents soit difficile à reproduire, il est intéressant et instructif à voir.
Établir des prises de vue
Ces plans sont utilisés non seulement pour montrer où se déroule l'action, mais aussi quand elle se déroule. Si une scène s'ouvre sur une photo de l'extérieur d'une maison sous un soleil radieux et que la scène suivante s'ouvre sur une pleine lune au-dessus d'un lac, le public aura l'idée que le temps de l'histoire est passé du jour à la nuit même si aucun d'autres indices sont donnés. De même, si les téléspectateurs voient des gens vêtus de vêtements de style années 1950 marcher sur le trottoir devant une rangée de maisons lumineuses avec des voitures des années 50 garées devant, le public supposera que cette partie de l'histoire se déroule dans les années 1950, même si la dernière scène a eu lieu au Moyen Âge. 
Accéléré
Time-lapse utilise des plans fixes d'un emplacement fixe au fil du temps; les images fixes sont éditées ensemble pour créer cet effet. Les utilisations les plus courantes du time-lapse sont le coucher du soleil jusqu'au lever du soleil, les phases de la lune et les changements saisonniers ; cependant, les foules qui se rassemblent et se dispersent selon les schémas de circulation sur l'autoroute jusqu'à une tempête qui arrive sont d'autres bons exemples.
Montages
Un montage est une séquence de prises de vues rapides permettant de montrer rapidement le passage du temps. Si vous vouliez montrer qu'un personnage a passé beaucoup de temps à chercher un trésor, vous pourriez montrer une séquence d'avions décollant et atterrissant dans divers lieux exotiques; de même, si vous vouliez montrer comment la relation d'un couple a évolué, vous pourriez montrer un premier rendez-vous, une proposition, un mariage et la naissance d'un bébé. Les montages sont l'une des techniques les plus couramment utilisées pour montrer le passage du temps. Habituellement mis en musique, ils sont souvent utilisés au début d'un film pour établir des personnages, des relations ou une histoire. Il faut faire attention à ne pas abuser des montages. Bien qu'un ou deux puissent très bien fonctionner, si vous en avez plus, le public peut penser que votre film manque de substance. 
Transitions
Bien que certains éditeurs puissent penser que les styles de transition sont une préférence personnelle et que peu importe la transition que vous choisissez d'utiliser d'une scène à l'autre, cela peut grandement affecter la réaction de votre public. De nombreux types de transitions sont couramment utilisés pour illustrer certains types de changements dans une histoire. En suivant ces usages courants, votre histoire sera plus facile à suivre pour votre public.
Coupez
La coupe est la transition la plus simple et la plus utilisée. On pourrait dire que c'est l'absence de transition puisqu'il s'agit de la dernière image d'un Clip A suivie de la première image du Clip B sans altérations. De nombreuses productions utilisent des coupes exclusivement entre les plans dans leurs montages. Les coupures sont si courantes qu'elles passent souvent inaperçues du public. Si le public voit un homme sortir du lit, puis le film le coupe en train de prendre une douche, puis le coupe au volant d'une voiture, ils comprennent que le temps a passé et ne remettront généralement pas en question ce qui n'a pas été montré parce qu'ils supposent le disparu les parties n'étaient pas importantes pour l'histoire.
Coupe sautée
Une coupe sautée se produit lorsqu'un sujet est en mouvement dans les images initiales de la prise de vue et que le mouvement saute vers l'avant plus tard dans la même prise de vue. En supprimant une section du mouvement, cela raccourcit le temps affiché à l'écran. Dans les films hollywoodiens classiques, ces types de coupes seraient considérés comme une erreur, mais Jean Luc Goddard a été le pionnier de leur utilisation dans son chef-d'œuvre de 1960, "A bout de souffle", et ils sont depuis devenus un choix stylistique plus courant.
Les coupes sautées sont souvent utilisées pour l'effet discordant qu'elles ont sur le public lorsqu'il remarque qu'une section de temps est sautée. Par exemple :une femme est vue dans une grande pièce à l'extrême gauche de l'écran. Elle fait un pas vers la droite de l'écran; coupe sur le même cadrage de la caméra et nous voyons la femme alors qu'elle atteint l'extrême droite de l'écran et l'autre côté de la pièce. Il s'agit d'un raccourci évident car la femme ne pouvait pas traverser la pièce d'un seul pas et le public peut dire qu'une partie du temps a été sautée.
Voici un autre exemple :le visage d'un homme est vu alors que la caméra effectue un zoom arrière pour le révéler en train de sortir d'une voiture, photographié de la tête à la taille. Une coupe sautée est insérée et le zoom arrière reprend le montrant, de la tête aux pieds, marchant vers l'arrière de la voiture. Cette coupe sautée serait moins perceptible car le deuxième clip semblerait provenir d'une caméra différente, même si ce n'est pas le cas, et le public sera intéressé de savoir pourquoi l'homme marche vers l'arrière de la voiture. Plus important encore, le temps qu'il a fallu à l'homme pour sortir complètement de la voiture et commencer à marcher est sauté, ce qui permet à la scène de se déplacer plus rapidement.
Fondu
Les fondus sont des transitions beaucoup moins couramment utilisées par rapport à la coupe. Ils ne sont souvent utilisés que pour mettre l'accent sur un changement dramatique dans l'histoire qui coïncide avec le passage du temps. Les fondus sont un passage d'une couleur unie à un clip vidéo. Les couleurs les plus dominantes utilisées dans les fondus sont le noir et le blanc. Les fondus illustrent souvent un passage de temps plus long par rapport au passage de temps illustré par des coupures. Ils sont parfois également utilisés comme transition vers et depuis un segment de temps étendu.
Fondu au noir
Un fondu au noir est souvent utilisé pour une transition entre deux clips où une grande quantité de temps passe dans l'histoire, de la nuit à des années plus tard. Un fondu au noir peut être utilisé pour faire passer l'histoire à un moment donné et peut être suivi d'un fondu à partir du noir pour faire passer l'histoire à un autre moment.
Fondu au blanc
L'utilisation d'un fondu au blanc est souvent réservée à la transition vers la vision, la pensée ou l'idée d'un personnage. Dans de nombreux cas, la transition est utilisée avant une expansion dans le temps car ce que le personnage voit dans son esprit prend plus de temps à se montrer que le temps qui s'écoule pendant l'histoire. Les fondus à partir du blanc sont généralement utilisés après la fin de l'action dans l'esprit du personnage pour montrer que nous sommes de retour à la réalité et au temps réel de l'histoire.
Dissoudre
Les fondus enchaînés sont souvent utilisés pour mettre en évidence les émotions d'un personnage lors d'une transition ou pour améliorer l'attrait visuel d'un montage. Alors que les montages utilisent souvent plusieurs fondus enchaînés comme transitions, dans les scènes normales, l'utilisation de plusieurs fondus enchaînés peut être gênante.
L'édition finale
Lorsque vous réfléchissez à la façon dont vous souhaitez transmettre le passage du temps dans votre film, il est important de penser au rythme de votre montage. Même avec de nombreuses notes de pré-production et de script, vous pouvez toujours constater qu'une fois monté, votre film traîne. N'ayez pas peur de couper et de découper vos scènes et de condenser le temps.
Tirez de manière proactive. Assurez-vous d'avoir établi des plans de chaque scène, même si le script ne l'exige pas. N'oubliez pas d'essayer d'inclure un élément qui indique le temps dans votre prise de vue. Prendre des photos de l'heure sur une horloge ou un calendrier est bon marché et facile et ne nécessite pas d'acteurs. Bien que le processus accéléré puisse prendre plus de temps, il n'inclut généralement pas les acteurs. Vous pouvez également trouver de superbes séquences accélérées sur des sites de vidéos libres de droits.
Le public est plus intelligent que vous ne le pensez. Ils comprennent vraiment le langage visuel du film. Il vaut mieux les faire réfléchir que les ennuyer. Le cinéma a une histoire riche. En regardant des films qui montrent efficacement le passage du temps tels que "L'étrange histoire de Benjamin Button" ou "Shutter Island", vous pouvez trouver l'inspiration pour votre prochain projet.
SIDEBAR :L'utilisation du temps dans la non-fiction
Des clips musicaux aux publicités en passant par les mariages, il y a des cas où vous devrez montrer une action en dehors du temps réel. N'oubliez pas que vous pouvez utiliser les mêmes techniques de compression ou d'expansion temporelles qui sont courantes et efficaces dans les récits de fiction.
Mariages
La mariée passera des heures à se préparer pour sa promenade dans l'allée, mais les images que vous filmerez seront probablement assemblées en un montage rapide. Essayez d'inclure des références temporelles dans les plans afin que les téléspectateurs puissent apprécier tout le temps qu'elle a passé à se préparer. N'oubliez pas non plus de prendre des photos d'établissement qui incluent un élément temporel.
Une extension de temps typique que vous voudrez peut-être inclure est lorsque les couples s'embrassent lors de la cérémonie. Vous devrez planifier en conséquence et filmer à une fréquence d'images élevée, si possible, afin de pouvoir ralentir pour mettre en valeur ce moment spécial.
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Si vous présentez la fabrication d'un produit, vous devrez peut-être ralentir le temps pour mettre en évidence une étape complexe ou importante du processus. À l'inverse, vous voudrez peut-être démontrer la durabilité d'un produit en indiquant son âge.
Vidéos musicales
Il s'agit d'un format courant dans les vidéoclips pour montrer l'artiste interprétant sa chanson dans un seul endroit entrecoupé d'une histoire narrative racontée visuellement. Dans ce format, l'artiste musical agit comme un narrateur symbolique qui raconte l'histoire qui se déroule dans les plans de coupe, un peu comme le format de "The Princess Bride" où le grand-père est montré en train de lire une histoire à son petit-fils entrecoupée de l'histoire de Buttercup étant afficher à l'écran.
L'un des avantages de ce format est que vous n'avez qu'à photographier le groupe ou l'artiste musical en train de jouer. L'histoire narrative peut être tournée avec des acteurs. Un autre avantage de la production de ce type de clip vidéo est qu'il vous donne la possibilité de raconter une histoire avec peu ou pas de dialogue, ce qui vous aidera à développer vos compétences visuelles et narratives pour de futurs projets.
Odin Lindblom est un cinéaste primé qui produit également des vidéos commerciales et d'entreprise.