Les 50 astuces de montage vidéo qui suivent sont le produit de nombreuses années de montage vidéo, de nombreuses heures de recherche et d'apprentissage d'innombrables erreurs. J'espère que vous pourrez appliquer ces conseils à vos propres projets de montage pour améliorer la qualité de votre travail et augmenter votre rapidité et votre efficacité.
Si vous préférez télécharger les conseils sous forme de livre électronique au format PDF, vous pouvez y accéder ici.
Profitez-en !
1. Gardez le rythme approprié - trop rapide et vous perdrez des gens, trop lent et vous les ennuierez
En règle générale, il vaut mieux couper une scène trop vite que trop lentement. Il n'y a rien de pire que d'ennuyer votre public. Cela dit, déconcerter les gens en jouant une scène trop vite est une seconde proche.
2. Déterminez ce qui anime la scène et commencez par la modifier
Lorsque vous commencez à éditer quoi que ce soit, déterminez quel élément va le propulser vers l'avant et utilisez-le comme colonne vertébrale de votre pièce. Parfois, c'est le rythme de la musique, parfois c'est une conversation de dialogue, parfois c'est une séquence de plans et d'autres fois c'est un motif comme un plan d'insertion d'une horloge qui apparaît toutes les quelques secondes. Quoi qu'il en soit, placez d'abord le "pilote" dans votre chronologie et laissez-le informer le reste du processus d'édition.
3. Utilisez des tirs de réaction
Les plans de réaction font plus que simplement montrer ce qu'un personnage pense ou ressent à propos d'un événement particulier. Ils suggèrent également ce que le spectateur lui-même devrait ressentir - qu'il s'agisse de peur, de choc, de désir, etc. De plus, les plans de réaction permettent au spectateur de digérer les choses au fur et à mesure qu'elles se produisent. Si les images ne montraient que deux boxeurs se battant sur un ring sans couper les coups occasionnels de réaction du public, le spectateur deviendrait rapidement soit submergé par l'action constante, soit simplement immunisé contre elle.
Ni l'un ni l'autre n'est bon. Cela s'applique à la comédie, à l'horreur et à presque tous les autres genres auxquels vous pouvez penser.
4. Compresser le temps pour éviter l'ennui
Personne ne veut regarder quelqu'un traverser une pièce, monter un escalier entier ou manger un repas entier. Coupez entre différents angles de caméra pour compresser le temps et accomplir l'action plus rapidement.
5. Augmentez le temps pour intensifier un moment dramatique, une blague, une action, etc.
Parfois, un moment est si intéressant, important ou puissant qu'il est logique de le prolonger un peu. De la même manière que couper entre différents angles de caméra peut compresser le temps, il peut également être utilisé pour l'étendre. Montrer le même événement sous plusieurs angles vous permet de le jouer efficacement plus longtemps qu'il n'en a fallu. Un bon exemple de cela pourrait être un joueur de baseball qui se présente au marbre et frappe un coup de circuit. Le temps et l'excitation de l'ensemble de l'événement peuvent être prolongés en utilisant de nombreux plans différents du frappeur, ses expressions faciales, le lanceur, la foule et de nombreux angles du terrain, du swing et du coup. Beaucoup plus excitant que de jouer en "temps réel".
6. Rappelez-vous l'histoire et les arcs des personnages
Lorsque vous montez et sélectionnez des lignes et des prises de vos personnages tout au long d'un film, souvenez-vous toujours de ce qui s'est passé, se passe actuellement et ne s'est toujours pas produit. Assurez-vous que le développement d'un personnage se déroule de manière appropriée tout au long de l'histoire.
Par exemple, vous ne voulez pas qu'un personnage apparaisse trop confiant alors qu'il n'a pas encore développé ce trait à travers les événements du film. Si jamais vous avez besoin d'un peu d'aide pour suivre le déroulement de votre histoire et le développement de vos personnages, voici quelques conseils utiles pour le montage de films. Retrouvez toutes les scènes que vous avez déjà coupées avec le personnage sur lequel vous travaillez. Disposez-les côte à côte dans l'ordre dans lequel vous les avez dans le film et regardez-les. De cette façon, vous pouvez voir la progression et le développement d'un personnage très rapidement, sans avoir à regarder tout votre film et vous aurez rapidement une idée de si l'ordre de développement a du sens ou doit être ajusté.
7. Continuez à couper
Parfois, les idées ne commencent pas à couler tant que vous ne commencez pas à voir quelque chose sur votre chronologie. Lorsque vous rencontrez un obstacle créatif, n'abandonnez pas. Continuez simplement à éditer et à essayer différentes façons d'aborder une scène, une promo, peu importe. Finalement, vous ferez quelque chose qui vous inspirera et vous mettra sur la bonne voie.
8. Les coupes de correspondance fonctionnent à la fois pour l'image et l'audio
Tout le monde a vu une image coupée d'une scène avec un gros plan sur un globe oculaire à une autre scène avec une photo du soleil de taille similaire - ou une variante de ce type de coupe d'image. Mais n'oubliez pas que vous pouvez également faire correspondre l'audio coupé. Voici un exemple.
Dans la scène A, une femme déclare :« Je ne volerais jamais quelque chose dans votre magasin, monsieur. Pourquoi, la seule personne que je connaisse même qui ait volé quoi que ce soit est… » – coupe à la scène B où un homme crie « Fletcher ! Les coupes de correspondance pour l'audio sont un excellent moyen de connecter des idées entre les scènes. Faites preuve de créativité :il existe de nombreuses possibilités.
9. Découpez d'abord grossièrement, puis affinez
Ne vous souciez pas de travailler sur les petits détails d'une coupe lorsque vous la posez pour la première fois. Déterminez d'abord votre structure approximative, puis commencez à affiner les images et l'audio. Cela vous permettra la vitesse et la flexibilité les plus créatives pendant que vous créez la pièce, sans vous enliser dans les détails.
10. Plans coupés dans une scène de dialogue entre les clauses, les respirations ou juste avant les livraisons intenses
Profitez des pics d'intensité lors d'une scène de dialogue, ainsi que des moments de pause ou de contemplation. Ce sont tous de bons points naturels à couper d'un personnage à l'autre où la coupure passera largement inaperçue.
11. Coupure sur mouvement
C'est l'un des conseils de montage vidéo les plus fondamentaux. Le moyen le plus simple de rendre une coupe invisible est de couper pendant une sorte de mouvement. Cela peut être le mouvement d'un personnage, comme un tour de tête, un geste de la main ou un coup de poing. Ou, vous pouvez couper le mouvement de la caméra elle-même. Souvent, la caméra effectuera un panoramique, un travelling, une inclinaison et un fouet autour de l'écran. Couper ces mouvements aidera à masquer vos modifications et à créer une expérience plus transparente pour le spectateur.
12. Motivez vos coupes
Lorsque les coupes sont motivées, elles sembleront plus naturelles et ne heurteront pas le spectateur. Utilisez-le à votre avantage pour créer une pièce fluide. Un exemple simple de ceci est un gros plan sur le visage d'un personnage alors que ses yeux regardent hors de l'écran, motivant ainsi une coupure sur quelque chose qu'il regarde.
13. Utiliser des plans d'insertion
Les plans d'insertion sont des plans rapprochés d'éléments d'une scène (un jeu de clés sur le comptoir que le personnage principal a juste oublié d'apporter avec lui alors qu'il sortait en courant de l'appartement) ou des actions très particulières qui se produisent (un main prenant un verre de vin sur la table). Les plans d'insertion peuvent aider à faire la transition des scènes, à définir plus complètement ce qui se passe en concentrant l'attention du spectateur et à fournir des informations sur un environnement en montrant les détails qui y sont présents. Les plans insérés offrent également une grande diversité dans les compositions de plans au sein d'un montage, brisant la monotonie des plans moyens qui peuvent avoir tendance à perturber un morceau.
14. Regardez les yeux d'un acteur pour savoir quand couper
Généralement, les yeux d'un acteur vous donneront une bonne indication lorsqu'il est temps de couper vers un autre personnage, un objet dans la scène ou simplement vers un angle de caméra différent. Un mouvement des yeux peut être considéré comme une petite version de couper sur le mouvement, ainsi qu'un moyen de motiver un montage. Lorsque vous ne savez pas quand couper, regardez les yeux !
15. Utilisez le mouvement de la caméra pour un rythme plus rapide
Une excellente façon de donner l'impression d'intensité et d'action est d'utiliser le mouvement de la caméra. Évidemment, la disponibilité des plans avec une caméra en mouvement est déterminée pendant le tournage, mais si vous les avez à votre disposition et que vous souhaitez accélérer un peu l'action, n'oubliez pas de les utiliser. De plus, lorsque vous coupez d'un plan en mouvement à un autre, vous coupez toujours automatiquement le mouvement et vous aurez ainsi plus de possibilités d'effectuer des modifications fluides. En conséquence, vous pourrez réduire la durée des coups individuels et accélérer le rythme de cette façon également.
16. Les coupes sautées ne sont pas toujours mauvaises
Le public est plus indulgent maintenant. Il y a une ou deux décennies, c'était une règle absolue de ne jamais faire de coupe sautée. Ce n'est plus le cas. Bien sûr, un saut coupé dans une scène émotionnelle et dramatique peut encore être un peu gênant et distrayant. Mais les sauts dans l'action, l'horreur et même la comédie sont devenus beaucoup plus acceptables qu'auparavant. Les coupes sautées peuvent donner à votre pièce une sensation stylistique audacieuse et également servir de dispositif pour effrayer ou surprendre le public. Comme pour la plupart des choses, l'astuce consiste à ne pas en abuser.
17. Couper lorsque votre spectateur est distrait
Cette astuce de montage vidéo est un peu générale, mais je voulais l'inclure car elle illustre un concept global important. Que vous coupiez sur le mouvement, les gros sons ou les moments intenses, la clé est généralement de couper lorsque votre spectateur est distrait. Pensez-y comme un magicien qui distrait son public avec des fioritures et des histoires, détournant son attention du tour de passe-passe qui se déroule dans les coulisses qui met en place son tour. Cette astuce vous guidera extrêmement bien dans d'innombrables situations d'édition.
18. Les fondus au noir commencent de nouvelles scènes ; les fondus enchaînés indiquent le temps qui passe
C'est un conseil assez basique, mais bon à retenir. De nombreux éditeurs essaient d'éviter d'utiliser l'un ou l'autre de ces effets, car ils pensent qu'un bon montage peut être réalisé avec des coupes droites correctement motivées. Cependant, je crois que les fondus et les fondus enchaînés ont toujours leur place dans les bonnes circonstances. Veillez simplement à les utiliser avec parcimonie et correctement.
19. Assurez-vous que les angles de caméra entre des plans similaires changent d'au moins 45 °
Si vous devez couper d'une photo à une autre du même sujet, essayez de vous assurer que l'angle de la nouvelle photo est d'au moins 45° différent du premier. Sinon, la coupe sera discordante et ressemblera à une erreur. Si vous ne pouvez pas couper à un angle suffisamment différent, essayez de couper vers un autre sujet - ou comblez l'écart avec un plan d'insertion.
20. Variez la distance de votre appareil photo lorsque vous coupez des photos du même sujet
Ceci est similaire à la règle précédente. À moins que vous ne coupiez quelque chose de style, il est préférable d'avoir un changement substantiel dans la distance de l'appareil photo lorsque vous coupez ou sortez du même sujet. Par exemple, essayez de ne pas passer d'un gros plan extrême à un gros plan. Essayez plutôt de passer d'un ECU à un plan moyen ou large. Cela semblera un peu plus naturel et aidera à garder la coupe plus proche de l'invisible, ce qui est généralement l'objectif.
21. Utilisez des fondus enchaînés sur les têtes et les queues de l'audio pour éviter les éclats
Presque tous les logiciels d'édition ont un moyen assez rapide d'appliquer des fondus et des fondus audio. Utilisez-les sur les bords de vos clips audio pour faire apparaître et disparaître en douceur les effets sonores, les dialogues, le son de la pièce, la musique, etc. Même si vous n'avez que de la place pour appliquer un fondu de 1 ou 2 images après qu'un mot a été prononcé, utilisez-le. Ces fondus enchaînés adoucissent votre mixage audio et évitent les "éclats".
22. Plongez la musique et les effets sonores dans le dialogue
Si votre dialogue et votre narration sont difficiles à entendre, le spectateur sera momentanément confus alors qu'il essaie de donner un sens à ce qui vient d'être dit. Cela fatigue le spectateur et finit par provoquer de la frustration, une perte d'intérêt et des difficultés à s'immerger dans l'œuvre.
23. N'utilisez pas de VFX ringards
Rien ne crie plus «amateur» que les lingettes étoilées, les fusées éclairantes et les boucles de page. À moins que votre vidéo ne soit censée avoir l'air rétro/ringard, évitez ces effets comme la peste.
24. Chronométrez votre montage musical pour un impact maximum
Enregistrez votre musique jusqu'à des moments importants, puis commencez à la jouer - ou modifiez la musique de sorte que les sections les plus importantes et les plus intenses se produisent aux moments appropriés de la coupe. Cela indiquera au spectateur et lui fera savoir que ce qu'il regarde est important d'une certaine manière, que ce soit parce qu'un moment est plein de suspense et que quelque chose d'effrayant est sur le point de se produire ou que ce qu'il voit est une partie importante de l'histoire.
Bien sûr, il existe de nombreuses exceptions à cette règle, mais si vous pouvez faire un effort pour utiliser la musique avec un peu de parcimonie, cela aura beaucoup plus d'impact dans votre pièce.
25. Utilisez des compresseurs sur le dialogue et la narration au besoin
Les compresseurs servent à égaliser les aigus et les graves d'un morceau audio. Ils ont de nombreuses utilisations, mais l'une de mes préférées est d'appliquer un léger compresseur aux lignes de dialogue et de narration qui pourraient autrement être difficiles à entendre dans des sections avec beaucoup d'autres effets sonores ou de la musique. Le compresseur augmentera certains des niveaux inférieurs du dialogue, garantissant que les mots ne sont pas perdus ou mal entendus. Faites juste attention à ne pas trop monter le compresseur, sinon vous vous retrouverez avec un discours de robot très artificiel.
26. Assurez-vous que vos niveaux audio n'atteignent pas de pic
C'est l'un des conseils de montage de film les plus basiques, mais il est facile de perdre le fil. Portez une attention particulière lors des scènes avec beaucoup d'action ou d'effroi, car les inévitables multiples pistes audio peuvent faire basculer votre mix dans le rouge très rapidement.
27. Mixez toujours en stéréo ou mieux — jamais en mono
Le mixage est stéréo vous donne la possibilité de faire un panoramique audio à gauche et à droite pour des effets sonores plus frais (voitures qui passent, une voix appelant hors écran, etc.). Les mixages stéréo ont généralement tendance à avoir un son moins boueux et à vous donner un peu plus de marge audio avant qu'il ne commence à culminer.
28. Utilisez la réverbération et le d-verb pour créer des sonneries sur les arrêts de musique
C'est une astuce vraiment cool utilisée tout le temps dans l'industrie des remorques, mais elle est utile dans tous les types de montage. Si vous avez besoin que votre musique s'arrête à un point avant sa fin naturelle mais que vous ne voulez pas qu'elle sonne trop brusquement, essayez ceci. Trouvez un temps fort de la musique dans la zone où vous souhaitez que la musique se termine. Soulevez tout ce qui se trouve dans cette piste musicale après le rythme et appliquez un effet d-verb ou de réverbération au rythme désormais final. Modifiez la longueur et le type de l'effet du verbe en fonction de la durée souhaitée de la sonnerie. Cela vous donnera un joli arrêt de musique propre qui se résout et ne semble pas brusque. Idéal pour s'arrêter sur un moment d'impact ou juste avant qu'une blague ne soit livrée.
29. Utiliser l'audio pour faire la transition entre les scènes
Une excellente astuce de transition vidéo consiste à prélapser l'audio de la scène suivante sous la fin du courant. Par exemple, lorsque deux personnes terminent une conversation dans leur appartement et décident de faire un voyage à Paris, augmentez progressivement le son d'un avion qui atterrit sous la vidéo de la fin de leur conversation. Ensuite, vous pouvez couper l'atterrissage de l'avion à Paris sans que cela paraisse trop soudain ou inattendu. Ceci est très similaire à la motivation d'une coupe, dans le sens où cela indique à votre spectateur et lui permet de savoir à quoi s'attendre afin qu'il ne soit pas confus ou involontairement surpris.
Il existe de nombreuses autres façons créatives d'utiliser l'audio pour passer d'une scène à l'autre, mais celle-ci est l'une des plus simples et des plus utiles.
30. Utilisez la conception sonore pour façonner les moments et créer et relâcher la tension
Vous n'avez pas toujours besoin de vous fier uniquement à votre musique pour développer l'ambiance d'une scène. N'ayez pas peur d'utiliser des drones, des coups, des gémissements métalliques et d'autres éléments de conception sonore utiles pour aider à créer l'atmosphère d'une scène et guider les émotions de votre spectateur. L'utilisation efficace de la conception sonore demande un peu de pratique, mais cela vous permet essentiellement d'agir en tant que compositeur pendant que vous montez et de vraiment contrôler l'ambiance et le ton.
31. Personnalisez et utilisez les raccourcis clavier
Tout le monde a sa propre façon de travailler avec un ordinateur, mais certains sont simplement plus rapides. I have always found that using keyboard shortcuts when editing — or doing anything on the computer — will DRASTICALLY increase the speed at which an editor can work.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
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Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
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