Quant aux acteurs, beaucoup d'entre eux viennent d'humbles débuts et sont bons pour faire plus avec moins. Si vous avez la chance d'avoir à la fois de bons écrivains et de bons acteurs, vous obtiendrez d'excellents dialogues et actions. En supposant que vous puissiez capturer les performances d'une manière qui améliore ces qualités, le montage devrait être un vrai plaisir. Mais, par où commencer ?
Des débuts sonores
Une stratégie pour éditer la plupart des types de production consiste à faire un montage "radio". En concentrant vos coupes et l'assemblage de votre chronologie sur le dialogue, le contenu de l'histoire est la priorité absolue. Vous voyez cela maintes et maintes fois dans la production télévisée commerciale. Du script au montage final, ce qui est dit dans un spot de 30 secondes aura un grand impact sur le spectateur. Chaque seconde compte et chaque syllabe est répétée.
Même dans les longs métrages – où le temps est moins contraignant – le rythme et la fluidité des dialogues aident à ponctuer le personnage et l'intrigue. Tout cela est l'art de l'édition. Alors, passons moins de temps sur les prises de vue et plus de temps sur le dialogue pour conduire notre histoire. Mais rappelez-vous, c'est toujours le même principe qui consiste à créer un rythme et à susciter l'anticipation du public.
Rythme ou cadence
Vous pouvez traiter le dialogue comme la musique. Vous pouvez éditer des lignes en temps syncopés et construire des pauses pour créer un rythme. La fréquence des montages déterminera le rythme de la séquence. Les scènes d'action rapide auront un dialogue entre les personnages coupés étroitement ensemble. Considérez le montage rapide du dialogue comme un match de tennis. L'échange de lignes entre les personnages va et vient. Lorsqu'il n'y a pas grand-chose à dire, comme une scène de poursuite, vous pouvez utiliser des sons comme battements pour combler «l'air mort» entre les lignes. Par exemple, deux cyclistes s'affrontent dans une course pour atteindre la dernière ligne droite. L'antagoniste prend les devants et nargue le protagoniste avec une ligne de dialogue. Notre héros calme ne dit rien. Pour garder le rythme rapide, l'éditeur ajoutera des effets sonores pour maintenir le rythme du dialogue, peut-être quelques acclamations de la foule ou un coup de klaxon avec les effets sonores évidents des engrenages de vélo qui tournent, des pneus qui grattent le béton, et le vrombissement venteux des coureurs alors qu'ils se précipitent. Ensuite, nous entendons un grognement de notre protagoniste alors qu'il se précipite vers l'avant. L'antagoniste dit:"C'est trop tard, je t'ai déjà battu!" Ensuite, il y a un effet sonore d'explosion d'un pneu et un cri de l'antagoniste. Ensuite, ajoutez quelques acclamations de la foule. C'est un montage radio rapide et rapide avec seulement deux lignes de dialogue des personnages et beaucoup de rythmes fournis par des effets sonores. La meilleure partie est que les effets sonores aident également à créer l'environnement de la scène. Mélangez simplement vos visuels, et le tour est joué.
Lorsque vous utilisez une chronologie multipiste, il est parfois plus facile de placer chaque personnage sur une piste distincte. De cette façon, vous pouvez rapprocher les sections plus facilement. Lorsque vous manipulez le temps comme celui-ci, il peut devenir difficile de trouver des visuels qui correspondent. Si vous avez de la chance, vous aurez quelques plans de coupe avec lesquels travailler. Il est également essentiel que vous ayez le ton de la pièce. La tonalité de la pièce est généralement un clip audio de 30 secondes (parfois plus long) de «l'ambiance» d'une pièce ou de l'endroit où vous tournez. Vous demandez au talent et à l'équipe de ne pas faire de bruit pendant que vous capturez la tonalité de la pièce. Utilisez le clip de tonalité de la pièce pour remplir les espaces vides entre les modifications de clip audio, afin que ces zones ne deviennent pas complètement « mortes ».
La coupe en L en coupe
La coupe en L se produit lorsque la piste audio du premier clip continue après le montage dans le visuel du deuxième clip, remplaçant l'audio du deuxième clip pendant une bonne partie du temps. Une coupe est un exemple classique de coupe en L. Vous pouvez utiliser la coupe en L pour vous aider à faire correspondre les visuels lorsque vous êtes pressé. Par exemple, le premier clip montre un gros plan d'un personnage qui livre une ligne de dialogue suivie d'une pause, puis d'une autre ligne de dialogue. Vous décidez de couper la deuxième ligne de dialogue après la pause et de mettre une ligne différente. Pour vendre ce montage visuellement, vous coupez en une coupe (c'est-à-dire un clip d'un plan de réaction d'un autre personnage) quelques secondes seulement avant la fin de la première ligne de dialogue. Le clip en coupe dure quelques secondes, simulant la pause, et nous passons au clip suivant avec la nouvelle ligne de dialogue. La coupe en L aide à maintenir notre rythme en mouvement sans aucun accroc visuel. L'utilisation d'astuces de rythme comme l'introduction d'effets sonores (ou de personnages plus bavards d'ailleurs) et l'utilisation de coupes rapides et efficaces comme la coupe en L aideront à créer un rythme qui convient parfaitement à votre scène.
La coupe en J pleine de suspense
Un bon moyen d'attirer immédiatement l'attention sur le dialogue et le suspense consiste à utiliser un J-cut entre deux clips. Une coupe en J laisse la piste audio (c'est-à-dire la boîte de dialogue) précéder l'image visuelle de connexion. Ce faisant, le public entendra le dialogue du clip suivant avant de voir la source d'un dialogue. Par exemple, les sitcoms changent généralement de lieux et de scènes en utilisant cette technique. La séquence d'ouverture est un large plan d'établissement d'un immeuble de bureaux. Nous entendons le directeur parler de licenciements massifs alors que le visuel se rapproche de l'immeuble de bureaux. Quelques secondes après le début de la boîte de dialogue, l'éditeur passe au clip source, révélant le visuel qui accompagne l'audio. Pendant ces brèves secondes de dialogue précédant le clip source, votre public anticipe le prochain plan. Ils écoutent attentivement.
Cette technique de coupe en J n'a pas à être réservée aux scènes d'ouverture. Lorsque le dialogue atteint un point critique de l'histoire, un J-cut bien placé aidera à créer du suspense. Par exemple, un détective interroge un suspect dans un crime. Vous avez édité un montage A/B très serré et rapide entre les deux personnages. Alors que vous atteignez le grand moment de l'histoire, le détective a enfin le suspect dans les cordes et se déplace pour le tuer, montrant les preuves préjudiciables contre le suspect. Le monteur conserve la vidéo du premier clip montrant le détective puis insère sous ce visuel le dialogue du suspect. Après une petite pause, le spectateur entend la voix du suspect se mettre à trembler. Les aveux du suspect commencent, mais l'éditeur tient toujours le visuel sur le détective pendant une seconde de plus, créant l'anticipation du prochain coup. C'est la coupe en J utilisée à un moment critique d'une intrigue. Il concentre le spectateur sur le dialogue et modifie également le rythme visuel. Toutes ces choses ont un grand impact sur l'impact émotionnel de la séquence.
Récapitulez
Vous pouvez utiliser ces techniques pour à peu près tous les types de format. Une technique de montage radio est une excellente méthode pour produire des histoires captivantes. Une fois que vous avez terminé le montage radio, vous pouvez revenir en arrière et déplacer un peu plus les choses pour les adapter plus précisément à vos visuels. Faites preuve de prudence lorsque vous faites cela pour vous assurer de ne pas annuler tout ce travail acharné.
Enfin, il va sans dire que vous devez vous assurer de capturer au mieux votre dialogue. Et n'oubliez pas de retirer le capuchon de l'objectif avant de commencer la prise de vue. La radio c'est bien, mais c'est ça le cinéma.
L'éditeur collaborateur Mark Montgomery est un producteur vidéo indépendant.