Lors de la création d'un film narratif, vous allez filmer une bonne quantité de scènes de dialogue. Le dialogue est la façon dont les téléspectateurs ont un aperçu de vos personnages tout en faisant avancer l'intrigue. Ne pas filmer ces scènes correctement aura un impact négatif sur votre film et la façon dont les gens le regardent, nous allons donc discuter de certaines des choses importantes que vous devez garder à l'esprit pendant que vous êtes sur le plateau pour ces moments spécifiques.
Filmer des scènes intensives en dialogue n'est pas différent de n'importe quelle autre scène que vous filmeriez sur le plateau. Les enregistrer concerne davantage la manière dont vous souhaitez qu'une conversation soit transmise plutôt que de simplement obtenir des images dans la boîte. Tout, depuis la façon dont vous dirigez vos acteurs jusqu'au cadrage du plan, devrait contribuer à cet objectif. Cela signifie que vous avez besoin d'une vision claire dans votre tête avant que les caméras ne tournent et du savoir-faire technique pour y parvenir.
Parler à travers des actions
Lors de l'enregistrement de scènes sans dialogue, diriger les acteurs consiste à leur dire d'aller du point A au point B. Lorsque vous ajoutez des dialogues au mixage, un contrôle plus strict du blocage (un ancien terme de scène qui fait référence à l'endroit où se trouvent les acteurs et à ce qu'ils re faire) est nécessaire.
Ce n'est pas un travail chargé pour rendre la scène intéressante pendant les périodes de parole, les actions de blocage que vous donnez aux acteurs doivent servir l'objectif général de la scène et ce que vous espérez transmettre. Si les actions effectuées ne correspondent pas à leur dialogue, il y a une déconnexion pour votre public. Au lieu d'engager les téléspectateurs, ils seront repoussés, essayant de comprendre ce qui ne va pas.
La façon dont vous filmez une scène de dialogue peut avoir un impact dramatique sur le ton de la scène, la façon dont les personnages sont perçus et ce que le public ressent.
Supposons que vous filmez une scène dans laquelle un groupe de personnes se réunit secrètement pour conspirer contre quelqu'un. Dans une scène comme celle-ci, encouragez les acteurs à s'asseoir les uns à côté des autres, en les entassant dans le cadre pour donner l'impression qu'ils sont tous dans le même bateau. Ils sont surveillés, ils doivent se rencontrer en secret et ils ne sont certainement pas à l'aise. En s'asseyant si près, le public ressentira l'inconfort et l'intimité de la réunion.
Demander aux acteurs de vérifier par-dessus leurs épaules et de s'asseoir courbés pour mieux entendre sont d'excellents moyens de les rendre nerveux et de donner à la scène un sentiment d'urgence. Ce type de blocage donne le ton à une scène, qui à son tour améliore le dialogue qu'elle contient. Si vous faisiez la même scène de dialogue avec les personnages principaux répartis dans une grande pièce et allongés dans leurs sièges, cela créerait une sensation radicalement différente de notre exemple précédent.
Un écart ironique entre le dialogue et le blocage des acteurs n'est pas toujours une mauvaise chose, et il y a des moments où cela fonctionne pour l'histoire que vous racontez. Cependant, c'est une décision que vous devez prendre à l'avance et ordonner consciemment à vos acteurs de jouer. Cela ne devrait pas être un accident à gérer en post-production.
Travaillez vos angles…
Les angles à partir desquels vous choisissez de filmer votre dialogue peuvent avoir autant d'impact sur le ton de la scène que le blocage. Si vous filmez une scène censée être rapide avec un sentiment d'urgence, l'utilisation de plans longs et larges ne fonctionnera pas. D'un autre côté, si vous souhaitez donner un ton plus détendu à la scène, une série de gros plans extrêmes n'est pas la solution.
Plus que de donner le ton, la façon dont vous cadrez les acteurs a un impact sur la façon dont le public perçoit un personnage. Dans la scène du complot, vous pouvez entasser la plupart des acteurs dans des plans serrés, mais avoir une photo d'une personne seule avec beaucoup d'espace. Cela donne l'impression qu'il est un solitaire, en dehors du groupe en quelque sorte. Le mettre en surbrillance permet au public de savoir que cette personne est importante et qu'elle doit être surveillée.
Disons qu'il y a un personnage dans le groupe de conspiration qui n'est pas très intelligent. Orienter la caméra vers le bas sur ce personnage donne au public l'impression qu'il le méprise. Inversement, utiliser un angle vers le haut sur un personnage le fait paraître plus grand que nature; une indication que cette personne pourrait être le leader du groupe.
De simples astuces de caméra peuvent donner des résultats considérables en termes de perception du public sur vos scènes de dialogue. Vous pouvez créer quelque chose d'intime, de gênant, montrer qui est responsable et préfigurer les événements à venir, tout en travaillant de manière créative vos angles.
…Mais rappelez-vous les règles
Utiliser des plans dynamiques pour améliorer votre dialogue est formidable, mais les aspects techniques du tournage ne peuvent être ignorés. Il y a certaines "règles" à garder à l'esprit lors de l'enregistrement de scènes de conversation, les mêmes que vous suivrez lors du tournage du reste de votre film.
Même dans une scène plus intime, il est essentiel de faire une sorte de plan large pour montrer tous les intervenants de la scène. Cela réduit la confusion et permet au public de savoir où se trouvent les haut-parleurs lorsqu'il passe d'un plan à l'autre.
Une fois que vous vous êtes assuré d'avoir créé une vision claire de la scène, vous pouvez commencer à travailler sur les angles que vous souhaitez pour créer le ton de la scène pour accompagner le dialogue. Planifier votre tournage de cette manière garantira que votre film est techniquement solide, tout en vous laissant la possibilité d'expérimenter. Voici d'autres règles à garder à l'esprit lors de l'enregistrement d'un dialogue :
- Couverture du tournage ! Vous avez besoin de plusieurs angles et plans de coupe pour étoffer votre scène de manière appropriée en post-production.
- Assurez-vous que les micros restent hors de la prise de vue. Cela semble évident, mais dans l'excitation de créer des plans/angles impressionnants, cela peut être oublié.
- Incluez le technicien du son dans vos plans de prise de vue. Ils doivent connaître la disposition afin de pouvoir préparer leur équipement.
- Gardez la règle des 30 degrés. Différents angles du même sujet doivent varier d'au moins 30 degrés ou vous vous retrouverez avec une coupe sautée redoutée. De même, en suivant la règle des 180 degrés et en gardant votre appareil photo d'un côté de l'action, vous évitez que vos sujets semblent soudainement changer de place
- Restez cohérent avec vos objectifs pour des prises de vue similaires. L'utilisation d'une variété d'objectifs d'appareil photo est aussi utile que le changement d'angle, mais si vous n'êtes pas cohérent avec des plans similaires (c'est-à-dire en utilisant deux objectifs différents pour les gros plans), c'est rebutant pour le public.
Gardez la mise au point avec la profondeur de champ et les prises de vue par-dessus l'épaule
Un plan courant pour les scènes de dialogue est au-dessus des angles d'épaule, ce qui peut être utile pour montrer les interactions entre les personnages. La triste réalité, cependant, est que de nombreux jeunes cinéastes tournent tout cela de travers.
La personne qui parle est au centre de l'attention, alors assurez-vous que votre cadrage par-dessus l'épaule reflète cela. Les deux tiers du cadre doivent être dédiés uniquement à l'orateur, le tiers restant au personnage dont le dos est tourné vers le cadre. La moitié-moitié ne fonctionne pas, car cela permet aux téléspectateurs de rebondir entre les deux sans aucune distinction claire sur qui est au centre de l'attention. De plus, vous ne voulez pas couvrir le haut-parleur avec le dos de quelqu'un.
Lorsque vous retournez la caméra de l'autre côté de la configuration, vous devez garder les acteurs sur les mêmes côtés du cadre, en suivant la règle des 180 degrés mentionnée ci-dessus. Si un acteur est à gauche sur un plan, il doit être à gauche sur l'autre plan. La différence est de savoir si vous le voyez de face ou de dos. Cela évite les confusions et les ruptures d'axe. Assurez-vous de filmer l'intégralité de l'échange de dialogue entre les acteurs sous les deux angles, ainsi que dans un deux plans plus large. De cette façon, vous aurez plus de contrôle sur la scène lors du montage.
Garder à l'esprit la profondeur de champ peut également mettre l'accent du dialogue là où vous le souhaitez. La faible profondeur de champ dans une prise de vue par-dessus l'épaule permet de garder l'accent sur l'orateur. D'un autre côté, il y a des moments où il est plus important de mettre l'accent sur la réaction d'une personne au dialogue. Pour ces moments, la profondeur de champ peut s'avérer utile lorsque vous commencez par vous concentrer sur l'orateur et que vous transférez la mise au point sur l'auditeur.
Gardez le message clair
Le but du dialogue dans n'importe quel film est de donner aux téléspectateurs un aperçu des personnages et de faire avancer l'intrigue. Si vous pouvez le faire sans qu'une grosse perche ne pende dans votre tir, vous êtes sur la bonne voie. Les conseils que nous avons donnés ici sont conçus pour vous aider à faire passer ces scènes au niveau supérieur et à engager votre public, mais ne les suivez pas au détriment de la clarté de votre message. Garder ces choses à l'esprit se traduira par une meilleure scène et un meilleur film global.
Barre latérale
Utilisation dynamique des plans de coupe
Comme c'est le cas pour toute scène, des plans en coupe de l'action principale sont nécessaires. Pour le dialogue, les plans de coupe courants sont des plans d'acteurs réagissant à la conversation, mais ce ne sont pas les seules options à votre disposition, et elles ne devraient pas non plus être tout ce que vous utilisez.
Couper un gros plan d'un accessoire mettra en évidence un objet auquel les personnages font référence, ou ils peuvent être utilisés pour montrer au public quelque chose que les personnages ne savent peut-être pas. Dans une scène où un personnage assure à un autre qu'il a jeté un objet, vous pouvez couper un plan de l'objet dans sa poche, permettant ainsi au public de découvrir le secret.
Une autre grande utilisation des plans de coupe est d'atténuer la tension d'une scène ou de fournir un soulagement comique. Regarder attentivement le visage de deux personnes pendant qu'elles parlent commencera rapidement à se sentir gênant, et l'intensité peut atteindre un point où le public se sentira mal à l'aise. Dans ces cas, les plans de coupe (même s'ils ne sont rien de plus que des plans de diverses choses dans la scène), peuvent diviser les choses afin qu'elles soient plus faciles à digérer pour les spectateurs.
Pensez à des choses qui peuvent faire avancer vos plans de coupe dans les scènes de dialogue. Ne vous limitez pas aux seuls tirs de réaction. Utilisez plutôt d'autres éléments visuels pour raconter votre histoire de manière plus dynamique.
Jordan Maison est un cinéaste et monteur qui a exercé ses talents dans le contenu Web pour les studios Disney, ainsi que des sites Web de films et de jeux vidéo.