Qu'est-ce qui rend la musique si effrayante ? Plongeons-nous dans la théorie derrière les scores d'horreur pour découvrir pourquoi ils font peur.
Nous connaissons tous le type de musique qui afflige les films d'horreur. Au moment où une partition tordue commence à jouer, nous savons que le sort des personnages à l'écran n'est pas trop beau. Mais vous êtes-vous déjà demandé ce qui rend les bandes sonores si obsédantes ?
En tant que compositeur moi-même, écrire de la musique qui met le public mal à l'aise et qui a un ton étrange est quelque chose que j'apprécie énormément. Prenons un moment pour explorer les techniques utilisées par les compositeurs pour créer cet univers sonore particulier et comment utiliser ces théories à votre avantage lorsque vous ajoutez des partitions à votre propre film d'horreur.
Le pouvoir de la dissonance
La dissonance fait référence à un manque d'harmonie dans la musique . La dissonance dans la musique mettra votre public mal à l'aise et contribuera à créer de la tension et une sensation de mouvement dans les compositions. En règle générale, vous avez Majeur et Mineur tonalités en musique. Le majeur fournit généralement une humeur positive et heureuse, tandis que le mineur est associé au sentiment de tristesse ou d'obscurité.
Tout cela a à voir avec les intervalles entre chacune des notes dans une tonalité donnée :dans une tonalité mineure, les notes sont abaissées, ce qui change considérablement l'ambiance générale.
Dissonances est une technique de base utilisée dans les bandes sonores d'horreur pour élever cet inconfort et cette peur. Ceci est réalisé par deux tonalités ou plus jouées ensemble, qui ne semblent pas très agréables à l'oreille. Dans la théorie de la musique classique occidentale, la dissonance est généralement résolue pour lever la tension, mais dans ce cas, elle est là en permanence, persistante.
Un exemple de dissonance se trouve dans la bande originale de Bobby Krlic pour le film Midsommar . La bande originale "Gassed" commence par une longue note de violon soutenue tandis qu'une autre entre, se déplaçant autour de la note d'accueil en complète dissonance. C'est choquant ? !
Contraste et Transition
Le principe de contraste stipule que les chansons doivent présenter des idées opposées au fur et à mesure de leur progression. Tandis que Midsommar a son monde sonore sombre et effrayant, Bobby Krlic utilise également des tonalités qui semblent plus optimistes mais qui ont toujours une nuance dérangeante. Ceci est réalisé en faisant la transition entre des passages contrastés. Vers la fin du film, il y a à la fois un sentiment de soulagement mais aussi une pure perturbation; la musique le traduit parfaitement.
La pièce "Temple du Feu" est initialement calme, avec des cordes douces jouant des accords lents. Bien qu'il ait une longue accumulation, il tourne au vinaigre avec l'introduction du trémolo (répétition rapide des notes) et des cordes aiguës qui ressemblent à des cris. Ce mélange entre deux univers sonores opposés laisse une sensation angoissante, à l'image de ce que l'on voit à l'écran.
Textures dures et rythmes pulsés
La texture musicale est la façon dont les couches sonores sont construites et comment elles interagissent les unes avec les autres. C'est très similaire à la façon dont vous sentiriez un objet tactile avec vos mains. La douceur d'une couverture douce est réconfortante, mais la texture d'un lit de clous est beaucoup moins accueillante. C'est la même chose dans le son.
La combinaison de textures comprend des drones graves avec des murmures étranges d'autres sons, des textures d'accords plus épaisses avec des progressions d'accords plus dures et des cris instrumentaux aigus. De nombreuses bandes sonores auront des explosions soudaines pour compléter les alertes de saut.
La plus célèbre est la partition de Bernard Herrmann pour la scène de la douche dans Psycho. Non seulement les cordes aiguës jouent en dissonance complète, mais elles jouent chaque note accentuée, à une dynamique forte, très probablement jouée au talon de l'archet pour un son plus granuleux et noueux. Le rythme constant imite l'effet coup de couteau, une autre façon de mettre en œuvre la peur indéfinie !
L'une des techniques de composition les plus populaires utilisées est les faibles drones . Le développement lent et bas donne une texture ambiante sombre, ce qui contribue à créer des tensions. Pour améliorer encore cela, mettre un rythme pulsé sur le dessus peut également ajouter de l'anticipation et donne également l'effet d'un battement de cœur.
Les compositeurs peuvent jouer avec cette idée en modifiant le rythme; avoir un rythme cardiaque irrégulier peut augmenter l'anxiété, mais garder un rythme constant peut également faire de même. Howard Shore, qui a composé la partition du Silence des agneaux, utilise cette technique. Non seulement le langage harmonique fait peur avec sa nature dissonante, mais l'ajout des timbales sur la séquence d'accords met en évidence l'angoisse de ce qui se passe à l'écran.
Le rythme pulsé peut également être interprété dans les Jaws thème. John Williams a composé un motif chromatique incontournable, alternant entre deux notes à un demi-pas l'une de l'autre, accélérant progressivement comme si un requin géant s'apprêtait à attaquer !
Instrumentation
Parmi toutes les caractéristiques techniques musicales déjà évoquées, n'oublions pas le choix des instruments. Bien qu'il existe une grande quantité de choix d'instruments, un choix populaire est la famille de cordes . Il offre une palette très polyvalente de tons, de textures, de timbres et de dynamiques pour inciter à la peur. Les cordes inférieures (contrebasse et violoncelle) peuvent jouer des drones à très faible grondement, avec la possibilité de construire dynamiquement en ajoutant plus de pression à l'archet.
Les cordes supérieures (violons et altos) peuvent jouer des passages alarmants, imiter des cris, des cris et même des coups de poignard ! L'utilisation de l'archet peut modifier le son de plusieurs façons :jouer plus près du talon de l'archet pour un timbre plus aigu, jouer plus près du chevalet pour un son semblable à du verre (connu sous le nom de sul ponticello) et des coups d'archet rapidement répétés pour un frémissement. son (appelé tremolo ).
Non seulement des instruments acoustiques sont utilisés, mais les merveilles de la technologie musicale ont encore élargi les possibilités de trouver d'autres sons pour créer une atmosphère effrayante. La création de DAW (stations de travail audio numériques) permet aux compositeurs d'améliorer l'expérience de l'auditeur en incluant des univers sonores plus immersifs. Les méthodes d'édition audio ont rendu le processus de composition beaucoup plus excitant, car la création de ce paysage sonore d'horreur avec plus de paramètres disponibles peut finalement emmener l'auditeur dans cet autre monde.
Pour en revenir à Midsommar, le morceau "Hålsingland" a cet incroyable drone à pulsations lentes, accompagné d'ondes sonores sinistres, qui n'a été rendu possible que grâce à la technologie musicale actuelle.
Synthétiseurs a fourni une plus large gamme de sons à explorer. John Carpenter, qui a marqué Halloween et La Chose, met en valeur la polyvalence du synthétiseur dans la création de bandes sonores effrayantes. Plus récemment, Stranger Things a ressuscité ce premier son de synthétiseur dans la scène d'horreur, non seulement en nous ramenant aux années 80, mais en obtenant toujours cette sensation effrayante.
Alors, la prochaine fois que vous décidez d'organiser une soirée cinéma d'horreur, écoutez ces riffs dissonants, ces textures discordantes et ces rythmes palpitants, et permettez-leur d'inspirer le thème musical parfait pour votre prochain film ou court métrage d'horreur. Étudiez comment ils vous mettent mal à l'aise et comment ils fonctionnent dans le montage et l'histoire. Cela fera sans aucun doute passer votre scène effrayante au niveau supérieur.
Si vous souhaitez explorer la gamme de musique inspirée de Midsommar de PremiumBeat, consultez cette liste de lecture.
Image de couverture par jesadaphorn
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