Contrôler le point de vue de votre public peut être difficile lorsque vous travaillez avec un budget limité. Lors du tournage d'une pièce scénarisée ou d'un projet de style documentaire, vous n'avez peut-être pas toujours autant de contrôle que vous le souhaiteriez sur les éléments qui affectent le ton de vos prises de vue, tels que l'éclairage, les lieux et la conception de la production. Vous pouvez avoir peu ou pas d'argent pour les costumes et les accessoires, vous pouvez être limité à l'endroit où se trouvent les sujets de votre documentaire, ou vous pouvez à peine avoir assez de matériel d'éclairage pour obtenir une photo correctement exposée. En contrôlant la perspective de votre caméra, vous pouvez susciter la réaction de votre public aux images impliquant des techniques qui peuvent être atteintes avec presque tous les budgets.
Les traditions subtiles du langage visuel
Tout comme les peintres préfèrent souvent un certain type de composition pour transmettre une émotion particulière, les directeurs de la photographie ont développé au fil des ans un langage visuel complexe pour la narration. Ce langage est raconté à travers l'utilisation de la couleur, du contraste, du point de vue, de la concentration et du mouvement. Alors qu'au début, il peut sembler que les longs métrages ont un aspect uniforme, en y regardant de plus près, vous remarquerez que les films d'horreur du cinéma moderne sont très différents des comédies romantiques (à moins que vous ne regardiez un film comme "Corps chauds ” qui traverse les deux genres.)
Les styles qui composent ce système de narration visuelle n'ont pas été formés de manière arbitraire. Ils sont le résultat de l'apprentissage de la façon dont les gens réagissent aux images. Beaucoup de grands cinéastes ont étudié les œuvres de maîtres peintres et d'artistes issus de traditions séculaires et ont intégré ces techniques dans leur façon de filmer. Cela ne veut pas dire que le langage de la narration visuelle n'a pas évolué. Si vous regardez des scènes de quelques thrillers des années 1940 et quelques-uns réalisés au cours des dernières années, vous verrez qu'ils partagent certaines similitudes; cependant, beaucoup de choses ont changé dans la façon dont le genre est désormais tourné.
Le public s'est familiarisé avec les techniques courantes utilisées par les directeurs de la photographie lors du tournage de certains types d'histoires. Si vous pouvez intégrer certaines de ces techniques dans vos productions, vous pourrez plus facilement et plus efficacement attirer le public dans votre histoire.
Trouver votre histoire
Le type d'histoire que vous allez raconter affecte la façon dont vous allez la filmer. Pour commencer, vous devez déterminer le type d'histoire que vous racontez. Le style commun de tournage d'un film d'action d'arts martiaux est très différent de celui d'un drame historique. Même si vous tournez un documentaire, vous devez penser au sujet de l'histoire. Les deux "Enron :les gars les plus intelligents de la pièce ” et “Mad Hot Ballroom ” ont été tournés très efficacement mais très différemment.
Pensez à des histoires similaires à la vôtre et regardez-les. Même si vous avez une histoire qui ne rentre pas dans un genre, regardez des histoires qui ont des éléments similaires aux vôtres. Donc, si vous avez une épée et une sandale et un film de zombies se déroulant dans l'Empire romain, regardez des choses comme "Spartacus » et « Aube des morts » Ensuite, trouvez les parties de votre histoire qui la rendent unique. Mettez-les en valeur avec votre utilisation de l'appareil photo.
Apprendre à manipuler et à contrôler la perspective de la caméra pour améliorer votre narration maintiendra l'intérêt de votre public.
Efforcez-vous d'une exécution cohérente de la technique plutôt que de l'originalité. Les westerns trouvent toujours un public, et ils ne les regardent pas pour voir quelque chose de nouveau. Vous constaterez qu'au fur et à mesure que vous apprenez et maîtrisez les compétences techniques de contrôle de vos prises de vue, votre propre point de vue et votre sens de l'histoire vous amèneront occasionnellement à faire une petite pause par rapport à la tradition visuelle. Ce sont souvent ces différences subtiles qui peuvent avoir le plus d'impact sur son propre style visuel.
Les éléments de la perspective de la caméra
Ce que voit votre caméra, votre public le voit. Afin d'utiliser la perspective de votre caméra pour soutenir votre histoire, vous devez apprendre à manipuler les différents éléments de la perspective de la caméra. Ces éléments sont :la fréquence d'images, le format d'image, le champ de vision, la mise au point, la profondeur de champ, le point de vue, les angles, le cadrage, le mouvement et la vitesse.
Fréquence d'images et format d'image
Malheureusement, pour de nombreuses productions, les décisions sur le format d'image ou la fréquence d'images à utiliser ne sont pas créatives mais basées sur la distribution finale du projet ou les limitations techniques de l'équipement utilisé. Même en ligne, la fréquence d'images maximale prise en charge par de nombreux hébergeurs vidéo est de 30 ips. 
La plupart des appareils photo abordables ne prendront que 24, 25 ou 30 ips.
Le format d'image de la plupart des équipements vidéo modernes est de 1,78:1 (16X9) bien que certaines caméras prennent en charge la norme de film de 1,85:1 (Academy), mais des formats plus larges comme 2,35:1 (scope) qui sont populaires pour les grands films épiques ne sont pas pris en charge en dehors des caméras de cinéma haut de gamme sans perdre de résolution en recadrant ou en étirant une image plus étroite.
Champ de vision
Tout ce qui tombe dans le cadre de l'image qu'une caméra capture est son champ de vision. Le champ de vision d'une caméra est déterminé par deux facteurs, la distance entre la caméra et le sujet et la distance focale de l'objectif. L'utilisation d'un objectif à courte distance focale vous offre un large champ de vision vous permettant de capturer beaucoup d'arrière-plan avec votre sujet. Les objectifs avec de larges champs de vision diminuent également la perception du bougé de l'appareil photo, ce qui en fait un choix populaire pour les prises de vue d'action à main levée. Un objectif à longue distance focale vous offre un champ de vision étroit permettant de réaliser des gros plans avec l'appareil photo plus éloigné du sujet. Les objectifs à champ de vision étroit sont également utilisés pour réduire la profondeur de champ et faire ressortir le sujet de l'arrière-plan.
Il existe différents types de plans courants en production qui sont nommés pour décrire leur champ de vision par rapport au sujet. Ces plans incluent :extra-large, large, moyen, gros plan et très gros plan. Certaines prises de vue larges sont appelées prises de vue d'établissement car elles incluent la zone autour du ou des sujets et donnent une impression de placement dans un environnement. Sans établir de plans, le public peut avoir l'impression de ne pas savoir où se déroule l'histoire. Il n'est pas rare de passer d'un plan moyen, où le sujet est cadré d'environ la taille au sommet de la tête, à un gros plan, où le sujet est cadré d'environ le haut de la poitrine au sommet de la tête , mais le champ de vision de ces différents plans doit rester le même.
La cohérence du champ de vision dans les différents types de prises de vue peut être très importante pour maintenir l'ambiance et le ton de votre histoire. Si vous cadrez vos sujets avec tous les gros plans et tous les plans moyens avec le même champ de vision, cela aide à donner un sentiment de stabilité à l'ambiance d'une scène; puis, s'il y a un changement dramatique dans l'histoire, vous pouvez rompre avec ce schéma de prise de vue pour aider à améliorer le changement dramatique. À l'inverse, si le ton de l'histoire est égal et que le champ de vision dans le même type de plans change constamment, cela peut entraîner votre public hors de l'histoire. Ce type d'incohérence de champ de vision est souvent pointé du doigt comme le signe d'une production de mauvaise qualité ou de « grade B ».
Mise au point et profondeur de champ
Le plus souvent, vous souhaiterez que le sujet de votre prise de vue soit net, mais vous voudrez peut-être qu'il soit flou ou qu'il devienne flou pour soutenir sa confusion, sa blessure ou tout autre type de traumatisme. L'utilisation de la mise au point dans les prises de vue pour mettre l'accent sur certaines zones du cadre peut être contrôlée en modifiant la profondeur de champ. Une prise de vue avec une grande profondeur de champ a des objets au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan mis au point. Une prise de vue avec une faible profondeur de champ ne met au point que le milieu du terrain ; si votre sujet est la seule chose au milieu de ce type de prise de vue, il se démarquera vraiment. L'œil humain est naturellement attiré par les choses nettes, c'est pourquoi les prises de vue avec des personnages dans une faible profondeur de champ sont devenues très populaires dans les drames modernes et les comédies romantiques. Une faible profondeur de champ peut également être utilisée pour masquer des éléments en arrière-plan qui n'auraient pas l'air attrayants. Dans les films d'action, le héros est presque toujours représenté visuellement comme étant aux commandes de son environnement, de sorte que seuls les plans avec des profondeurs de champ moyennes et grandes sont généralement utilisés pour le héros.
Point de vue
Le point de vue, c'est lorsque l'appareil photo filme une scène (ou une seule prise) comme si nous la voyions du point de vue du sujet. Ce sujet peut être une personne, un animal ou même un trombone. Souvent, le point de vue d'une caméra peut affecter la façon dont les gens interprètent la scène. Les prises de vue en POV existent depuis l'ère du cinéma muet. 
Ces plans vous emmènent dans la perspective ou les yeux du personnage principal. Depuis le film Le Projet Blair Witch , les cinéastes ont même utilisé des prises de vue en POV comme seul point de vue de la caméra. Les caméras de sécurité constituent la deuxième utilisation la plus courante du point de vue dans les longs métrages ; cependant, le plus cool et le moins utilisé est le point de vue d'un capot ou d'un pare-chocs de voiture. Largement utilisé dans les années 1970, il est depuis devenu un incontournable des scènes de poursuite en voiture.
Angles
Les angles peuvent transmettre inconsciemment des choses sur les personnages. Par exemple, lorsque le héros triomphant intervient pour sauver la situation si un angle bas est utilisé, cela suggère que le personnage est noble, courageux et puissant. Les angles bas peuvent aussi souvent donner aux sujets une sensation accablante, les rendant soit plus grands que nature, soit menaçants. Les angles élevés donnent souvent l'impression que les gens sont petits, faibles ou insignifiants, donc si notre héros a été abattu d'en haut, nous pourrions le penser effrayé, paniqué ou incapable.
Les angles au niveau des yeux ou les angles standard permettent des interprétations plus neutres et semblent souvent plus personnels. La plupart des comédies romantiques sont tournées sous cet angle. Les angles bas qui ne sont pas de niveau sont appelés angles hollandais. Les angles néerlandais sont couramment utilisés dans les thrillers et les films d'horreur pour dépeindre le danger car ils ont tendance à donner au public un sentiment de malaise.
Encadrement
Quelque chose d'aussi simple que l'emplacement du sujet dans le cadre et l'endroit où il regarde peut avoir un impact important sur votre production. Dans les journaux télévisés et les publicités, le sujet est souvent au centre du cadre et regarde directement l'objectif de la caméra. Dans les films, les sujets sont généralement décentrés et regardent rarement, voire jamais, directement dans l'appareil photo. Ce type de cadrage est basé sur la règle des tiers qui divise l'écran en neuf parties avec trois plans horizontaux et trois verticaux. Dans le film, les personnages sont décalés vers la droite ou vers la gauche de l'écran, ce qui correspond aux plans verticaux un et trois. Lorsque les personnes sont encadrées au centre, plan vertical deux, cela sert à casser le quatrième mur ou à mettre le public mal à l'aise selon le contexte. Parfois, au cinéma, on voit même des situations où les acteurs sont presque hors cadre ou seules leurs ombres sont dans le cadre pour suggérer des actions cachées ou leur retrait d'une scène ou d'une situation.
Mouvement
La façon dont vous déplacez la caméra doit également correspondre à votre histoire. Si vous tournez un film se déroulant à la cour royale française au XVIIIe siècle, de nombreux mouvements élaborés de poupées et de grues peuvent bien fonctionner. De même, si vous racontez un drame graveleux du centre-ville, des images à main levée légèrement tremblantes peuvent être bien accueillies par votre public. Si vous avez échangé les deux styles, le public n'acceptera peut-être pas autant que les histoires soient racontées d'une manière visuellement peu familière.
Il existe de nombreux termes différents pour le mouvement de la caméra et ils sont souvent liés aux différents types de support de caméra utilisés.
Le mouvement pour les trépieds est panoramique (tourner la tête du trépied vers la gauche ou vers la droite) et incliner (incliner la tête du trépied vers le haut ou vers le bas). Puisqu'une personne avec un appareil photo tenu à la main peut imiter les mouvements du trépied, les mêmes termes sont utilisés pour les prises de vue à main levée.
Le mouvement du chariot ou du curseur est chariot vers l'intérieur (se rapproche du sujet), chariot vers l'extérieur (s'éloigne du sujet), chariot (déplace l'appareil photo vers la gauche ou la droite), travelling (l'appareil photo se déplace avec le mouvement du sujet tout en maintenant le champ de vision de même taille. Cela peut également être fait à la main.)
Le mouvement de la grue ou de la flèche est la flèche vers le haut ou vers le bas (incline le bras vers le haut ou vers le bas.) Les grues et les flèches sont parfois appelées flèches.
Le mouvement de l'objectif zoom est un zoom avant (rallonge la distance focale) ou un zoom arrière (rallonge la distance focale). Alors qu'un zoom avant ou arrière a un effet similaire à un travelling avant ou arrière, la profondeur de champ de la prise de vue change avec le zoom; de plus, la plupart des zooms déforment l'image lors du zoom, ce qui modifie également l'aspect de la prise de vue. Un zoom avant ou un travelling sur le visage d'un sujet peut rendre son expression faciale plus perceptible.
Vitesse
Des effets comme le ralenti ou l'accéléré affectent la façon dont les événements sont perçus par le public. Le ralenti créé par le tournage à des fréquences d'images élevées et la lecture à une vitesse normale peut être utilisé pour obtenir un certain nombre de réponses différentes et est actuellement vu le plus souvent dans les films d'action pour souligner une action spectaculaire d'un héros tel qu'un spartiate sautant de façon spectaculaire dans l'air alors qu'il est sur le point d'abattre son ennemi. Le time lapse est créé en prenant des photos ou des séquences vidéo sur une longue période de temps et en les compressant sur une courte période de temps. Cela peut donner l'impression que le temps file ou peut signaler une transition dramatique. Un exemple courant serait de voir les phases de la lune passer rapidement pour suggérer qu'un mois de temps s'est écoulé dans l'histoire.
Conclusion
L'une des meilleures façons d'apprendre à contrôler la perspective de votre public avec votre travail de caméra est d'étudier d'autres visuels de grandes histoires similaires à la vôtre et de voir comment le directeur de la photographie l'a accompli. La plupart des genres cinématographiques ont des films qui ont révolutionné la façon dont ce type de film a été tourné, comme "Stage Coach » pour les westerns, « Blade Runner » pour la science-fiction et « Die Hard » pour les films d'action. Étudier ces types de films pour vous aider à comprendre quels choix de plans ont été utilisés pour conduire ces histoires vous aidera à prendre des décisions similaires sur vos projets. Bien sûr, rien ne remplace l'expérience pratique, alors assurez-vous de pratiquer ce que vous avez regardé.
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Perspective forcée et effets visuels de profondeur de champ
La perspective forcée est l'illusion que deux objets sont de la même échelle et existent dans le même plan de profondeur. Avant CGI, les maquettistes créaient des décors élaborés avec des trous ou des « fenêtres ». En plaçant ce décor extrêmement près de la caméra, ils mettaient en scène les acteurs très loin en arrière-plan. Cela donnait l'illusion que les acteurs étaient bien à l'intérieur de ce modèle et que le modèle était réel. Une autre utilisation de la perspective forcée consistait à faire apparaître des objets plus grands ou plus petits. Un incontournable des films de science-fiction pré-CGI, cet effet a été obtenu en mettant en scène un acteur (ou un objet) près de la caméra pour les faire paraître plus grands que nature et en plaçant un objet (ou un acteur) loin en arrière-plan pour les faire paraître petit par rapport à l'objet de premier plan.
La perspective forcée avec profondeur de champ peut également être utilisée pour les effets visuels intégrés à l'appareil photo. Dans l'application la plus courante, la caméra effectue un zoom avant complet et raccourcit la profondeur de champ. Ensuite, les acteurs qui courent, conduisent ou sont immobiles réagissent à une série de signaux tels que la pyrotechnie. Devant la caméra, les acteurs apparaissent en plein milieu d'une explosion ou d'un crash alors qu'en réalité ils peuvent être à plusieurs centaines de mètres. En raison de la perspective de la caméra et de la profondeur de champ raccourcie, le public a l'illusion que tout cela se passe dans le même plan d'existence.
Avec les progrès de CGI et la présence continue de la 3D, les techniques de perspective forcée et de profondeur de champ sont désormais des effets pratiques utilisés par la plupart des cinéastes à petit budget; cependant, des réalisateurs à gros budget comme Peter Jackson et Christopher Nolan les utilisent encore aujourd'hui.
Odin Lindblom est un monteur et directeur de la photographie primé dont le travail comprend des films, des publicités et des vidéos d'entreprise.