Remarque :bienvenue dans notre guide ultime de la photographie d'art. Il s'agit de l'un des didacticiels les plus complets que nous ayons jamais créés. En plus de l'article que vous pouvez lire ci-dessous, nous avons une version téléchargeable à imprimer et/ou à consulter ultérieurement. Indiquez votre adresse e-mail ci-dessous et nous vous enverrons une copie.
Oser être différent
L'un des sujets controversés dans le monde de la photographie ces jours-ci semble être ce qu'est exactement la photographie d'art. En fin de compte, c'est ce que le photographe considère comme étant, mais dans le monde de l'art, il y a beaucoup plus que cela. Si vous souhaitez être reconnu en tant qu'artiste qui utilise le médium de la photographie, il y a certaines attentes quant à ce que devrait être votre travail et comment vous allez l'exécuter.
Les galeries et les collectionneurs ne vont pas collectionner d'œuvres ni investir dans l'art s'il n'y a pas beaucoup de cohérence dans cet ensemble d'œuvres. Une image d'art ne suffit pas pour faire de vous un photographe d'art. Le travail doit être fait avec intention, avec une direction, et avoir une cohérence sur toutes les images. Un style est développé qui est reconnaissable dans toutes les images.
Il est important de regarder d'autres artistes célèbres, pas seulement des photographes, mais des peintres et des sculpteurs, pour voir comment leur travail a évolué. Voyez comment vous pouvez faire quelque chose de similaire avec votre photographie. La photographie n'est pas différente de ces autres médiums et les mêmes définitions qui s'y appliquent s'appliquent également à la photographie d'art.
Qui peut être photographe d'art ?
Une longue exposition qui a été prise pendant la journée, mais la lumière de l'image a été manipulée pour donner l'impression qu'elle a été prise à une heure différente.
N'importe qui peut être un photographe d'art; il n'y a pas de règles strictes à ce sujet. Bien que cela exige une bonne dose de dévouement. Il n'y a pas de règles ou de qualifications particulières qu'une personne doit suivre ou avoir avant de s'appeler photographe d'art.
Certaines des choses qui aident à définir un photographe d'art
Peut-être que la meilleure façon de décrire comment vous pouvez être un photographe d'art est de regarder comment ils fonctionnent. Il y a bien plus à faire que de simplement créer de belles images. Nous pouvons tous faire cela, mais un artiste travaille à quelque chose. Leur travail est fait avec intention, et ils ont une direction qu'ils suivent. Enfin, il y a une cohérence dans leur travail. Examinons chacun de ces points individuellement.
Intention
Souvent, lorsque vous sortez pour prendre des photos, vous choisissez un endroit parce que vous pensez que vous pourriez obtenir de belles images à cet endroit. Cela ne vous posera probablement jamais de problème. Mais si vous voulez être davantage considéré comme un photographe d'art, vous devez vous rendre dans des endroits dont vous savez qu'ils vous aideront à créer des images qui feront avancer votre travail et à construire votre portfolio. Il doit y avoir une intention derrière la raison pour laquelle vous photographiez des choses.
Le paysage urbain qui a quelques différences, mais il est assez efficace et si je manquais d'images pour une exposition celle-ci serait incluse.
Par exemple, un photographe de portrait d'art qui fait des images de personnes dans certaines scènes, comme des scènes de plage sombres et de mauvaise humeur, n'ira pas prendre des photos d'un bébé dans un parc. Eh bien, ils pourraient le faire pour un ami, mais ils n'incluraient pas ce travail dans leur portfolio.
Les artistes essaient toujours de prendre des photos qui fonctionnent avec ce qu'ils ont déjà. Ils sortent avec l'intention de photographier des sujets qui suivent la direction de leur travail.
Direction
Cela ressemble beaucoup à l'intention, mais cela signifie que le photographe a une direction. S'ils prennent des photos quelque part, ils sont dirigés par leur travail précédent. Cela les aide à obtenir des images qui continueront à suivre ce style.
Avant traitement.
Après traitement pour lui donner mon style de signature.
Cohérence
Pour les mêmes raisons que l'intention, ce même photographe portraitiste ne va pas photographier un bébé car cela ne donnera aucune cohérence à son flux de travail. Pour un photographe d'art, vous devez avoir un travail assez cohérent et qui donne l'impression que tout va ensemble.
Cela ne signifie pas qu'il doit s'agir du même sujet tout le temps, il peut également s'agir d'un style de traitement similaire. Toutes les images sont traitées de manière similaire afin qu'elles paraissent cohérentes lorsqu'une galerie ou un investisseur regarde le portefeuille.
Plus vous êtes cohérent, plus les galeries et les investisseurs seront intéressés par votre travail.
La cohérence est importante et il est important de s'assurer que les images ont toutes la même sensation et le même aspect pour créer un ensemble d'œuvres.
C'est certainement le cas. J'ai demandé à la conservatrice de la Stills Gallery de Sydney, Josephine Skinner, à quel point il est important qu'il y ait de la cohérence dans un ensemble d'œuvres. Voici ce qu'elle avait à dire :
Qu'est-ce qu'un ensemble d'œuvres et comment le créez-vous ?
Un corps de travail est l'endroit où vous avez plusieurs pièces qui montrent la cohérence et l'intention dont il a été question plus tôt. Lorsque vous avez une œuvre, elle doit avoir un style similaire et donner l'impression qu'une seule personne a tout créé.
Le sujet doit être le même ou très similaire. Il doit y avoir un certain nombre d'images dans le corps de l'œuvre pour que vous puissiez avoir une exposition. Le montant réel dépendra de l'endroit où vous exposez et du nombre nécessaire.
Ceci est une sélection de mon travail, notez le style de traitement, le sujet et l'ambiance similaires dans toutes les images.
Déclaration de l'artiste
Que vous vouliez le croire ou non, une déclaration d'artiste est très importante. Il n'est pas nécessaire que ce soit un essai, mais mettre sur papier ce que vous essayez de réaliser avec votre photographie est un excellent moyen d'aider dans les domaines dont nous venons de parler. intention, direction et cohérence.
Lorsque vous en écrivez un, vous voulez être clair sur la raison pour laquelle vous faites ce que vous faites. Qu'est-ce qui est important à ce sujet et pourquoi avez-vous choisi le médium de la photographie ?
Voici ce que Joséphine avait à dire sur les déclarations des artistes :
Certaines déclarations peuvent tergiverser et ne pas avoir beaucoup de sens. Il est bon d'avoir l'air professionnel, mais il doit être concis et laisser au public de votre travail une compréhension très claire de ce que vous essayez d'accomplir.
Cette image a été prise avec l'intention de pouvoir changer l'ambiance et la rendre différente.
L'image finale. De nombreux aspects ont été modifiés pour donner l'impression que cette image a été prise la nuit avec une seule lumière brillante.
Regardez quelques photographes d'art qui pratiquent maintenant
Vous a-t-on déjà dit que si vous voulez être un bon écrivain, vous devez étudier et lire les écrits de ceux qui sont dans le même domaine ? La même chose peut être dite pour les beaux-arts.
Si vous voulez être un artiste, vous devriez étudier et regarder le travail d'autres grands artistes, dans ce cas, des photographes d'art. Cependant, vous devez inclure un large éventail d'artistes, car les photographes peuvent également apprendre beaucoup des peintres, des dessinateurs, des graveurs et des sculpteurs.
Cette image des 12 apôtres n'appartient pas vraiment à la plupart des travaux, mais elle a toujours la même chose. La lumière a été manipulée, elle appartient donc presque. Mais, le sujet différent signifierait qu'il ne serait probablement pas inclus dans une exposition.
Vous devez vraiment regarder quel est votre travail et trouver des photographes similaires. Il y a tellement de photographes qui travaillent en ce moment, qu'il m'est difficile de vous dire qui étudier. Mais voici une liste de quelques photographes d'art pour vous donner un point de départ.
- Julia Anna Gospordarou
- Bill Henson
- Tracey Moffat
- Cindy Sherman
- Brook Shaden – déclaration d'artiste et galerie d'œuvres.
- Andréas Gursky
- Joel Grimes
- Art Wolfe
- Annie Leibovitz
Qu'est-ce qu'un CV d'artiste ?
Une image de paysage urbain avant traitement.
L'image finale montrant comment la lumière a été modifiée pour créer ce look.
Ceci est très similaire à un CV de travail (curriculum vitae) ou à un curriculum vitae. Mais au lieu d'énumérer tous les emplois que vous avez occupés, vous énumérez tout ce que les galeries et d'autres personnes du monde de l'art pourraient vouloir savoir sur vous.
Ils commencent généralement par votre formation, où vous avez étudié et quand. Ensuite, vous énumérez les expositions personnelles que vous avez eues, si vous en avez eues. Le but est de se retrouver avec une liste massive de ceux-ci. Ensuite, vous enchaînez avec les expositions collectives auxquelles vous avez participé. Ensuite, vous pouvez ajouter les prix que vous avez gagnés.
Enfin, vient une liste des endroits où votre travail a été publié. Par exemple, si vous avez eu des travaux publiés dans un magazine. Vous pouvez également inclure des collections et dans cette section, vous mentionnerez si vous avez vendu des œuvres à des lieux importants comme une grande galerie publique, par exemple.
Une autre image qui a le même aspect et le même traitement, mais qui n'appartient pas. Il appartient cependant à plus que l'image des 12 Apôtres.
Chaque fois que vous vous approcherez d'une galerie, votre CV d'artiste vous sera demandé. Si vous n'en avez pas, il est temps de commencer à travailler dessus. Ils sont généralement d'une page.
Voici un lien vers mon CV à titre d'exemple.
Avez-vous besoin d'étudier les beaux-arts au niveau tertiaire ?
La réponse simple à cette question est non, vous n'avez pas besoin d'étudier au niveau tertiaire pour être photographe d'art. Mais la réponse longue est que si vous le faites, vous acquerrez une meilleure compréhension des nombreux aspects d'être un artiste. Les très bons endroits vous offrent également un espace de studio et imposent le besoin de travailler dans cet espace comme le ferait un artiste professionnel.
Une autre des centrales électriques, qui pourrait fonctionner, mais ne serait pas incluse dans une exposition.
Il y a tellement d'autres choses que vous apprenez aussi, par exemple, comment développer votre style ou votre corps de travail. Ou, comment créer la cohérence dont nous avons parlé plus tôt. Vous commencez à comprendre comment fonctionne le système de galeries et comment les approcher. Souvent, vous avez la possibilité d'exposer votre travail afin que vous puissiez vous faire une idée de ce que c'est. Ceux-ci peuvent vous aider à démarrer sur le CV de votre artiste.
Les conférenciers sont généralement des artistes eux-mêmes, ils peuvent donc vous guider et vous encadrer. Ils comprennent ce que vous vivez et leurs conseils peuvent être précieux.
Obtenir un baccalauréat en beaux-arts n'est jamais une mauvaise chose. De nombreux autres artistes et galeries vous prendront plus au sérieux parce que vous avez montré un engagement envers votre pratique.
Celui-ci est un peu différent, mais il correspond toujours à la déclaration de l'artiste.
Où l'étudier si vous le souhaitez
Il y a des endroits partout dans le monde et où vous étudiez dépendra de l'endroit où vous vivez, du coût et de votre acceptation. Regardez d'autres artistes et voyez où ils ont étudié. Faites vos recherches pour savoir ce qui est disponible près de chez vous. Découvrez combien de diplômés de cette institution ont eu une carrière réussie à la fin.
Toutes les écoles d'art ne sont pas égales. Certains ont une très bonne réputation, tandis que d'autres vous permettront d'obtenir le diplôme, mais pas nécessairement le prestige. Par exemple, à Melbourne, vous pouvez obtenir un diplôme en beaux-arts dans de nombreux endroits, mais deux sont plus recherchés, l'Université de Melbourne, la Faculté VCA et l'Université RMIT. Les gens remarquent plus si vous avez fréquenté et obtenu un diplôme dans ces écoles.
Cette image semble fonctionner, mais comme le reste des images sont davantage des paysages urbains et non des gros plans de quoi que ce soit, elle ne serait pas incluse. Si d'autres images similaires ont été créées, je devrai peut-être reconsidérer cette décision.
Gardez à l'esprit que ce type de diplôme ne mènera pas à un emploi rémunéré et que vous êtes formé pour devenir un artiste. On s'attend à ce que vous y travailliez à temps plein lorsque vous aurez terminé. Bien sûr, la plupart des artistes finissent par faire d'autres emplois pour compléter leurs revenus jusqu'à ce qu'ils tirent suffisamment de leur art. Bien que cela ne semble se produire que pour quelques-uns. Presque tous enseignent ou ont d'autres emplois pour payer les factures.
J'ai eu un conférencier une fois qui nous a dit que si nous faisions encore de l'art et que nous exposions notre travail 10 ans après l'obtention de notre diplôme, nous gagnerions de l'argent grâce à cela. Je ne sais pas si c'est vrai, mais c'est un sentiment agréable.
Visitez des galeries et voyez ce que les autres exposent
Celle-ci a été prise près d'une marina, mais elle est trop différente et je n'ai pas pu la faire ressembler aux autres images, donc elle ne serait jamais incluse dans une exposition.
Pour bien comprendre ce qu'est la photographie d'art, l'une des meilleures choses que vous puissiez faire est de visiter des galeries d'art, publiques et commerciales. Vous pouvez voir comment l'artiste travaille, regarder la cohérence et aussi à quoi ressemble l'œuvre lorsqu'elle est assemblée dans une exposition.
Recherchez des galeries commerciales qui exposent des œuvres photographiques ou, mieux encore, trouvez celles qui se spécialisent dans la photographie d'art. Si vous ne pouvez pas leur rendre visite en personne, cherchez sur Internet. Ils ont tous des sites Web et présentent généralement les œuvres des artistes qu'ils représentent.
Étudiez l'œuvre et l'artiste. Si vous en trouvez dont vous aimez vraiment le travail, accordez-leur beaucoup plus d'attention. Découvrez ce qui motive l'artiste, regardez son CV d'artiste et voyez si vous pouvez trouver une déclaration d'artiste. Cela vous aidera vraiment à comprendre leur intention, leur direction et leur cohérence.
Les galeries publiques ont souvent une partie de leur collection en ligne, mais vous devez généralement aller voir. Ne soyez pas déçu si la section photographie est très petite, d'autres œuvres d'art obtiennent souvent plus d'espace mural. Vous pouvez chercher des galeries spécialisées dans la photographie, par exemple à Victoria, en Australie, il y a un endroit appelé Centre for Contemporary Photography et c'est tout ce qu'elles montrent. C'est un excellent moyen de voir ce que font les autres photographes.
Comme l'image de l'océan, celle-ci a le même aspect, mais le sujet ne correspond pas.
En voici quelques autres :
- Centre international de la photographie à New York
- Une galerie pour la photographie fine à la Nouvelle-Orléans :elle propose des tirages de nombreux photographes célèbres et emblématiques, dont Ansel Adams, Julia Margaret Cameron, Henri Cartier-Bresson, W. Eugene Smith, Edward Steichen, Elliott Erwitt et bien d'autres.
- Centre de photographie créative à Tucson, Arizona. Ils abritent une grande collection d'archives photographiques, dont de nombreux négatifs originaux d'Ansel Adams.
- Maison Européenne de la Photographie à Paris entièrement dédiée à la photographie.
- Galerie de la Torche à Amsterdam
- Galerie Carla Sozzani à Milan
- Magnum Photos and Gallery :ils représentent le travail de plusieurs photographes emblématiques et disposent d'une galerie à Paris, ainsi que d'événements dans de nombreuses villes du monde et d'une superbe galerie en ligne à consulter.
- La galerie des photographes à Londres, en Angleterre.
- Travail de caméra à Berlin.
Étude sur tout l'art, son histoire et ce qui se passe maintenant
Une partie d'être un artiste consiste à se tenir informé. Comme indiqué précédemment, vous devriez aller dans des galeries et voir d'autres expositions. Il est si important de lire et d'étudier d'autres artistes. Cela peut vous aider à comprendre à quoi ressemblait leur vie et ce qui les a poussés à créer leur art.
Il est également bon de se tenir au courant de ce qui se passe dans le monde de l'art. Qui remporte des prix, quel travail est vraiment populaire en ce moment et comment vous pourriez vous intégrer. Regardez qui est exposé et quelles galeries présentent leur travail.
Regardez des peintres, des sculptures et d'autres médiums
Ne limitez pas votre étude de la photographie aux seuls photographes. Vous devriez également regarder les peintres, les sculpteurs, les graveurs et les dessinateurs. Vous pouvez également apprendre beaucoup d'eux.
L'éclairage Rembrandt est un type de modèle d'éclairage que les photographes portraitistes s'efforcent de créer. Il s'agit d'une tache de lumière triangulaire sur la joue du sujet du portrait. Les photographes ont essayé de reproduire ce style pendant des années, mais il est venu d'un peintre - Rembrandt.
L'image est similaire, mais elle ne serait probablement pas incluse dans une exposition. Ça ne va pas tout à fait.
À certains égards, les peintres ont été nos premiers photographes alors qu'ils essayaient de peindre ce qu'ils voyaient. Regarder leur travail est très important. Vous pouvez en apprendre beaucoup sur le sujet et, plus important encore, sur la composition. Pour ces artistes, la composition était essentielle et ils auraient passé beaucoup de temps à travailler sur cet élément de leur métier. Étudiez comment ils assemblent leurs peintures et apprenez.
Les sculpteurs créent des compositions et travaillent souvent de manière conceptuelle. Si vous êtes intéressé par la photographie conceptuelle, regarder comment ces artistes travaillent peut vous aider à trouver une direction. Voyez jusqu'où ils vont pour créer leurs sculptures.
Vivre la vie d'un artiste et ce que cela signifie
Il existe un mythe selon lequel de nombreux créatifs étaient des «artistes souffrants». Que pour être un artiste, il fallait être dans une sorte de lutte. L'autre mythe est d'être "l'artiste affamé", donc si vous voulez être un artiste, vous devez aussi être très pauvre.
Une image qui ferait partie du corps de l'œuvre. Il suit le thème du reste des images.
Le premier est un mythe, vous n'avez pas besoin d'être dans une lutte interne pour être un artiste. Il a été dit que vous devez traverser des catastrophes dans votre propre vie pour vous aider à créer des chefs-d'œuvre. Ce n'est pas vrai, bien sûr. Des gens très normaux créent les œuvres d'art les plus étonnantes. Il y a bien plus que de la souffrance émotionnelle.
Dans le passé, de nombreux artistes mouraient de faim. Même dans le monde d'aujourd'hui, gagner de l'argent en tant qu'artiste est incroyablement difficile. Il y a plus de gens qui veulent être artistes que de gens qui veulent acheter l'œuvre. La référence à la famine était davantage liée au fait de ne pas gagner d'argent et de ne pas avoir assez pour acheter de la nourriture.
La réalité est que la plupart des artistes vivent une vie très normale. Ils occupent souvent des emplois à temps partiel pour survivre et vivent dans des maisons ordinaires. Ce sont souvent des gens très normaux. Il y a des artistes excentriques, mais ils sont plutôt l'exception à la règle. Beaucoup ont des studios et des espaces de travail, et chaque moment libre qu'ils ont, ils travaillent dans leur pratique artistique.
Un paysage urbain qui fonctionnerait dans une exposition, il a le même ressenti que les autres.
Exposer votre travail
Il existe différents types de galeries et si vous souhaitez exposer votre travail, vous devez commencer à les étudier. Découvrez ceux qui vous conviennent le mieux pour vous approcher en premier des différents types (grand public et privé). Tout d'abord, vous devez savoir ce que les galeries recherchent. Encore une fois, Joséphine a quelques conseils pour ceux qui souhaitent approcher les galeries :
Un paysage urbain pris d'un pont d'observation. Bien qu'il s'agisse d'un paysage urbain, il ne serait pas non plus inclus. Il n'a vraiment pas le même regard que les autres.
C'est un excellent conseil et une bonne idée pour tous les artistes. Faites vos recherches et étudiez les galeries qui vous intéressent pour voir si elles vous conviennent. Vous pouvez également poser des questions pour voir ce qu'ils ont à dire. Ils seront souvent plus qu'heureux de vous parler du type de travail qu'ils recherchent et de la manière de soumettre votre travail.
Joséphine a fourni quelques informations sur la façon dont ils trouvent de nouveaux artistes :
La plupart des galeries auront des informations et des directives sur la façon d'envoyer des propositions d'expositions; vous devez les suivre de près. Ils reçoivent beaucoup de soumissions et si vous ne faites pas ce qu'ils demandent, vous pourriez être immédiatement éliminé. Faites tout ce que vous pouvez pour qu'ils regardent votre œuvre.
Préparer votre travail pour exposer
Le sujet correspond à une grande partie de ce qu'est l'œuvre d'art, mais ce sont les mauvaises couleurs et envoient un message différent des autres.
Avoir une exposition de leur travail est le but ultime pour la plupart des artistes. C'est là qu'ils développent un nom et une réputation. Si vous le souhaitez également, vous devez vous assurer que votre travail est suffisamment bon pour être diffusé.
Il y a tellement de décisions à prendre avant de faire un spectacle. Vous devez décider qui imprimera votre travail et comment il sera imprimé. Une partie de la raison d'exposer est de vendre votre travail et s'il n'a pas l'air bien, les gens ne l'achèteront pas.
Avant que le travail ne soit envoyé à l'impression, vous devez vous assurer qu'il n'y a pas de défauts dans les images. Lorsqu'ils sont agrandis, les points de capteur ou d'autres éléments indésirables de vos scènes seront également agrandis. Ils pourraient finir par se démarquer tellement qu'ils prennent le dessus sur l'image. Agrandissez l'image sur votre ordinateur (vue à 100 % ou taille 1:1) et regardez de très près pour détecter toute erreur ou défaut.
Travailler dans une exposition.
Œuvre emballée et prête à être envoyée à une exposition.
Trouvez un imprimeur professionnel qui travaillera avec vous. Cherchez-en un sur qui vous pouvez compter et qui connaît son affaire. Ils devraient pouvoir vous aider à trouver la meilleure façon de présenter votre travail. Il y a tellement d'options pour les photos de nos jours. Vous pouvez faire des impressions sur toile, mettre des images sur du papier d'art et même les avoir sur du métal, ce qui est très populaire en ce moment. Ensuite, vous êtes confronté à la possibilité d'encadrer ou non. La plupart des galeries répondront à cette question pour vous.
Lisez mon article :Comment préparer une exposition photographique de votre travail pour en savoir plus sur ce sujet.
Édition de votre travail
Ce n'est pas obligatoire, mais une chose que beaucoup de photographes font est d'éditer leur travail. Cela signifie qu'ils ne vendront qu'un certain nombre de cette image ou une édition limitée. L'artiste définit l'édition en fonction de ce qu'il pense pouvoir vendre.
Un paysage urbain qui ressemble beaucoup à beaucoup de ceux que je fais, mais je n'inclurais pas cette image car elle n'a pas l'impact que beaucoup d'autres ont.
Pour de nombreux artistes débutants, le nombre d'éditions est généralement faible, autour de 10 ou 20. Plus un artiste a du succès, plus les images sont chères, et souvent le nombre d'éditions augmente au fur et à mesure. Certains feront des éditions jusqu'à 200 photos.
Pour la plupart d'entre nous cependant, surtout au début, il n'est pas nécessaire de faire des éditions. Vous ne pouvez vendre qu'une ou deux copies d'une image. Au fur et à mesure que les ventes reprennent et que vous commencez à vous faire un nom, il est bon d'envisager de publier des éditions de votre travail.
Si vous mourez, votre travail doublera de prix
C'est probablement le plus grand mythe qui existe sur la photographie d'art et l'art en général. S'il est vrai que lorsque certains artistes meurent, leur travail devient beaucoup plus précieux, ce n'est pas la même chose pour tout le monde. Si l'artiste a eu une carrière réussie et a été collectionné par beaucoup de gens, alors il y a du vrai là-dedans.
Image avec des couleurs similaires et une longue exposition, mais ce n'est pas une image que j'inclurais dans une exposition.
Quand ils meurent, leur travail prend de la valeur parce qu'il devient rare. Comme aucune nouvelle œuvre ne sera produite, l'ensemble de leur travail précédent devient plus précieux. C'est tout ce qu'il y a, un montant fini, donc sa valeur augmentera.
Pour la plupart des artistes, notre mort n'aura d'importance que pour ceux qui nous entourent et nos œuvres d'art ne feront qu'augmenter en valeur sentimentale. C'est triste, mais votre mort n'augmentera probablement pas la valeur de votre travail.
Être un photographe d'art
Vous pouvez suivre de nombreuses étapes qui feront de vous un photographe d'art. Il existe de nombreux chemins différents et c'est à vous de décider lesquels vous emprunterez. En fin de compte, être un artiste, c'est travailler avec intention, avoir une direction et travailler de manière cohérente.
Cela serait très certainement inclus. La lumière a été changée et elle fonctionne avec la déclaration de l'artiste.
Les artistes exposent généralement leur travail avec l'idée d'acquérir une réputation afin que les collectionneurs l'achètent. Ceci, à son tour, conduit à une augmentation de la valeur de leur travail et ils peuvent vendre plus. Être artiste est un métier noble et vieux de plusieurs centaines d'années, qui ne veut pas appartenir à ce groupe ?
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