Photographie de paysage d'art :le guide complet

Peut-être avez-vous entendu le terme photographie de paysage d'art .

Mais est-ce que la photographie de paysage d'art est quelque chose que vous devriez aspirer à faire ? Et qu'est-ce qui distingue une photographie d'art d'un instantané ?

Dans cet article, je vais vous expliquer tout ce que vous devez savoir sur la prise de vue de paysages artistiques. Je commencerai par vous expliquer de quoi il s'agit réellement, puis je vous donnerai de nombreux conseils que vous pourrez utiliser pour améliorer vos propres photos de paysages !

Commençons.

Qu'est-ce que la photographie de paysage artistique ?

Certains termes sont difficiles à définir, et la photographie d'art entre dans cette catégorie.

Cela dit, la photographie d'art concerne moins le sujet que le photographe. Votre objectif dans la photographie de paysage d'art n'est pas simplement de montrer à votre spectateur ce que vous avez vu; c'est pour communiquer ce que ça fait d'être là et ce que la scène vous a fait ressentir.

Alors, comment communiquez-vous des sentiments à travers des photographies ?

Voici quelques conseils à prendre en compte lors de la capture de photographies de paysage d'art.

1. Réfléchissez à ce qui rendrait votre image unique

Avez-vous déjà fait une photo de paysage à un endroit où d'autres photographes sont alignés à côté de vous et travaillent également sur la scène ?

La plupart d'entre nous ont.

La question à se poser est :

En quoi votre photo sera-t-elle différente, unique, spéciale ? En quoi votre image va-t-elle se démarquer ? Comment pouvez-vous apposer votre signature unique sur le cliché ?

Les choix que vous faites pour créer une image qui vous est propre comptent . N'importe quel cuisinier peut suivre une recette, et si une douzaine de cuisiniers travaillent tous à partir de cette même recette, les plats seront essentiellement indiscernables. Le chef gastronomique qui prépare son plat signature s'efforcera cependant de rendre le repas unique.

Et en tant que photographe de paysage d'art, votre objectif devrait être le même.

2. Soyez intentionnel et délibéré

Lorsque la lumière change rapidement, un photographe paysagiste peut avoir besoin de se déplacer rapidement. Cependant, la plupart des photographies de paysages peuvent être réalisées à un rythme lent et réfléchi.

Plutôt que de simplement voir une scène, positionner votre trépied, tirer d'abord et poser des questions plus tard, faites le contraire. Avant même de toucher votre appareil photo, observez attentivement la scène. Ralentissez.

Demandez-vous ce qui vous a d'abord attiré vers la scène. Comment vous sentez-vous ? Comment pouvez-vous mieux composer le plan? Et si vous vous déplaciez plus haut, plus bas, vers un point de vue différent, utilisiez un objectif différent ? Que pouvez-vous faire pour capturer au mieux vos sentiments dans le cadre ?

Ne soyez jamais un tireur unique. Profitez de la capacité de lecture instantanée de votre appareil photo, évaluez votre image et décidez ce qui pourrait être mieux.

Ensuite, faites quelques prises de vue supplémentaires.

Bien qu'il ne soit pas photographe et qu'il ne parle pas de photographie de paysage d'art, le célèbre joueur de hockey Wayne Gretsky offre tout de même des conseils que les photographes feraient bien de retenir :

3. Entraînez-vous à la prévisualisation

Vous saurez que vos compétences en tant que photographe se développent lorsque vous pourrez voir votre photo avant même de mettre votre œil sur le viseur.

Finalement, vous devriez prévisualiser votre image finale, avoir la vision, puis simplement utiliser la caméra comme instrument pour capturer cette vision.

C'est une belle boucle :

Plus vous photographiez, plus vous devenez bon pour voir - et plus vous devenez bon pour voir, meilleures seront vos photos.

Mais si la prévisualisation est importante, la photographie de paysage d'art doit toujours être ouverte à la sérendipité :ces moments inattendus où la lumière change, les anges chantent et le miraculeux apparaît pendant un bref instant à capturer.

Il y a souvent eu des moments où j'ai prévisualisé une prise de vue, je me suis installé et j'ai attendu la lumière, seulement pour que quelque chose d'étonnant apparaisse derrière moi à l'improviste.

Entraînez-vous à utiliser les commandes de votre appareil photo afin que, lorsqu'un tel moment se produit, vous puissiez réagir rapidement et prendre la photo.

4. Les paysages d'art ne sont pas que monochromes

Google "photographie d'art", et vous verrez principalement des images en noir et blanc (monochrome). En raison, peut-être, de sa longue existence, ainsi que d'un bon nombre des premiers photographes pour qui le noir et blanc était la seule option, les photographies monochromes peuvent être plus nombreuses que les images couleur dans le monde des beaux-arts.

Mais cela ne veut pas dire que les images couleur ne peuvent pas également être considérées comme des photographies d'art.

Revenons à notre définition :la photographie d'art concerne davantage l'artiste/photographe et sa vision que le contenu de la photographie. Que ce soit en couleur ou en monochrome, la meilleure façon de représenter une vision dépendra de l'intention du créateur.

Maintenant, gardez à l'esprit les points forts de la photographie en noir et blanc. Sans l'ajout de couleur, les images monochromes reposent davantage sur les bases, les "os" d'une bonne photo :ligne, forme, forme, ton et texture.

Les images en noir et blanc sont généralement plus simples, avec une plus grande attention portée au sujet. Parfois, une image monochrome peut mieux transmettre un look ou une humeur que son homologue couleur.

Lorsqu'il décide si une image peut être meilleure en couleur ou en noir et blanc, le photographe d'art doit revenir à l'objectif et se demander :

Quelle version traduit le mieux les sentiments et la vision que j'avais lors de la création de l'image ?

Cela, et non l'idée que les photographies d'art sont toujours monochromes, devrait dicter la direction que prend le photographe.

5. N'ayez pas peur de modifier la réalité

Nous avons parlé de la photographie d'art comme étant moins une interprétation précise d'un sujet et plus sur les sentiments et la vision du photographe.

Alors, qui a dit que vous ne pouviez pas complètement changer votre image pour mieux transmettre ces choses ?

Des techniques telles que les vitesses d'obturation longues pour flouter les objets en mouvement et les vitesses d'obturation très rapides pour geler totalement les objets en mouvement rapide sont parfaitement adaptées à la photographie d'art.

Il en va de même pour le flou délibéré des scènes avec un mouvement intentionnel de la caméra (ICM) et l'utilisation d'outils numériques spéciaux pour donner à une image un aspect « pictural ».

Photographie infrarouge ou autres techniques qui changent les couleurs ? Bien sûr !

L'art est totalement subjectif, tout comme la photographie de paysage d'art.

La façon dont vous choisissez de représenter une scène est votre prérogative, où la "bonne manière" est celle qui communique le mieux vos sentiments et votre message.

6. Expérimentez le montage interprétatif

J'ai beaucoup lu sur l'expression « bien faire les choses à huis clos », quelque chose avec laquelle je suis à la fois d'accord et en désaccord. Oui, je pense qu'il faut maîtriser les commandes de son appareil photo afin d'obtenir la meilleure exposition possible d'une image sur le terrain.

Oui, faire la meilleure image possible sur le terrain est important. Une séance de montage ne devrait jamais être une mission de sauvetage où vous essayez de surmonter les erreurs commises lors de la prise de vue. Corriger une image dans Photoshop est une option, mais généralement pas une bonne.

Cependant, l'amélioration d'une image avec l'esquive, la gravure ou l'une des dizaines d'autres techniques d'édition est la marque d'un photographe d'art qualifié. Utiliser des compétences d'édition pour interpréter davantage une image, pour transmettre des sentiments et une intention, fait partie du métier.

Les gens qui aiment se vanter que leurs images sont inédites et sortent tout droit de l'appareil photo n'ont probablement jamais étudié le travail du photographe paysagiste peut-être le plus renommé de tous les temps, Ansel Adams. Il n'avait pas l'avantage d'un logiciel de montage numérique pour éditer ses images, mais cela ne l'a pas découragé.

Jetez un coup d'œil à certaines de ses images avant et après, et vous serez émerveillé par le changement qu'il y a eu entre le négatif capturé par la caméra et l'impression finale.

7. Mettez du temps

La photographie de paysage d'art ne se fait pas à la hâte.

J'ai vu des fabricants de logiciels affirmer que leurs programmes vous permettraient de travailler plus rapidement en utilisant l'intelligence artificielle. Bien que ces programmes aient parcouru un long chemin, je ne suis pas convaincu qu'ils puissent encore égaler la qualité de l'intelligence humaine à l'ancienne et un style de montage plus prudent, bien que plus lent.

Vous pourrez peut-être obtenir des résultats intéressants avec un préréglage en un clic, mais cela aboutira-t-il à une image qui communique votre vision unique ? Si vous remplacez un ciel par quelque chose de « conservé », cela pourrait être plus dramatique, mais est-ce toujours votre photo ?

Je dois aussi demander :qu'est-ce qui est pressé ?

J'aime l'édition de photos, voir où je peux prendre une image avec un travail réfléchi. Je sais qu'il y a ceux qui ne se soucient pas de l'édition, et je suppose que ça va. Je crois simplement que l'art le plus soigneusement conçu prend du temps.

J'ai utilisé un tel logiciel à l'occasion, et vous aussi. Mais plutôt que de simplement apprendre les ficelles du métier, que diriez-vous de consacrer du temps et des efforts pour apprendre le métier lui-même ?

Si votre objectif est la photographie de paysage d'art qui a votre propre style personnel et votre propre look, il n'y a pas de raccourcis. Les préréglages en un clic ne feront que rendre votre travail semblable à celui de tout le monde !

8. Voir la lumière

J'aime différents types de photographie, de la nature morte de table et de la macrophotographie au travail au flash et en particulier aux paysages. Ce qui différencie la photographie de paysage de bon nombre de ces autres genres, c'est l'éclairage, le degré de contrôle que le photographe a sur la scène et la facilité de créer le look souhaité.

Je peux prévisualiser le look que je veux pour une nature morte de table, l'installer sur le comptoir de la cuisine, l'allumer, faire des ajustements et peaufiner jusqu'à ce que j'obtienne la photo que j'aime.

Ce n'est pas le cas pour la photographie de paysage.

Au lieu de cela, je dois me rendre dans la zone que je veux photographier, être là quand le temps est coopératif, la lumière est bonne, le feuillage est de saison et tout le reste (rien sous mon contrôle) se réunit. Si jamais c'est le cas.

Mais c'est aussi la joie de la photographie de paysage d'art.

Cela pourrait signifier s'asseoir patiemment dans le froid de l'aube, en espérant que les nuages ​​arrivent juste et que le lever du soleil frappe juste. Vous pouvez parcourir des kilomètres pour vous rendre à ce point de vue pour un coucher de soleil qui ne vient jamais, ou avoir de la chance et avoir un orage soudain sur le canyon avec des nuages ​​et des éclairs dramatiques.

Le manque de contrôle fait partie de l'attrait de la photographie de paysage, la connaissance que la chance est vraiment quand la préparation rencontre l'opportunité.

Donc, si vous voulez être un grand photographe de paysage d'art, vous devrez y travailler. Vous devrez sacrifier un peu, vous lever avant le lever du soleil, rester bien après le coucher du soleil, marcher dans des endroits difficiles, rechercher des endroits que les photographes en voiture ne verront jamais et vous efforcer d'être différent avec vos images, en capturant non seulement ce vous voyez, mais ce que vous ressentez.

9. Tirez sur un thème

Parfois, un bon moyen de stimuler votre créativité est de photographier un thème. Plutôt que de simplement saisir votre équipement et vous rendre à un endroit pour faire de la photographie de paysage avec tout ce que vous voyez, décidez que vous allez faire en sorte que toutes vos images correspondent à un thème.

Décrivez visuellement un concept ou faites des photos comme si vous faisiez un article sur un lieu ou un sujet unique. Ensuite, utilisez le « vocabulaire visuel » que sont vos photographies pour décrire et définir ce sujet.

Ajoutez votre propre style en tant que photographe de paysage d'art pour déterminer ce que vous voulez que votre spectateur sache et ressente à propos de votre sujet.

10. L'impression est la performance

Aujourd'hui, la plupart des photos réalisées ne sont probablement jamais imprimées. Au lieu de cela, ils ne sont visualisés que sur des moniteurs ou des écrans LCD, et parfois projetés. À l'époque du cinéma, les photographes n'avaient pas de telles options. Après avoir tourné et développé leur film, ils n'étaient qu'à mi-chemin pour pouvoir montrer leur photo aux spectateurs. Les tirages étaient obligatoires.

Ansel Adams l'a vu de cette façon :

Lorsque je parle de photographie de paysage d'art, je dois soulever la question :

Une photographie peut-elle être considérée comme beaux-arts s'il n'est visualisé que sur un moniteur et jamais imprimé ?

Si vous avez passé du temps dans une galerie de photos et regardé de près des photographies imprimées, vous saurez qu'il n'y a aucune comparaison entre voir une photographie imprimée et voir la même image sur un moniteur. Les impressions peuvent rendre beaucoup plus de détails, de couleurs et de tons.

Même le type et la texture du papier ou autre substrat sur lequel une photographie est imprimée peuvent faire une énorme différence.

Enfin, lors de la visualisation de photographies sur écran, la lumière est produite par l'écran lui-même, alors que lors de la visualisation d'un tirage, la lumière est réfléchie. Cela change la façon dont vous voyez la photo.

Donc, pour répéter ma question d'une manière différente :

Une photographie doit-elle être imprimée pour être considérée comme une œuvre d'art ?

Je pourrais discuter de chaque côté, mais je dois avouer que je suis un grand partisan de l'impression. Oui, apprendre à faire soi-même de bonnes impressions est une toute autre compétence, et pas facile à apprendre. Obtenir simplement la couleur et la luminosité d'une image imprimée pour correspondre approximativement à ce que vous voyez sur votre moniteur est un défi.

Mais je dirais qu'apprendre à imprimer fait partie du métier photographique.

Vous pouvez également choisir de confier vos photos à un imprimeur professionnel dont la spécialité est de savoir comment tirer le meilleur parti de votre image. Ça va aussi. Je suppose que ce que je veux dire, c'est que la différence entre une photographie de paysage imprimée et la même image vue sur un moniteur est presque aussi grande que la différence entre aller à un concert et simplement en regarder un à la télévision.

11. Vos photos vous concernent

Ce que vous voyez, ce qui attire votre regard et votre appareil photo, et la façon dont vous choisissez d'interpréter un sujet en dit long sur vous.

Même si vous n'avez pas consciemment défini une « vision photographique » pour vous-même, il y a de fortes chances que, si vous examinez vos archives, vous puissiez identifier des points communs dans votre travail.

J'espère que vous aurez développé un système de notation (peut-être un code couleur ou un classement par étoiles comme cela peut être fait dans Lightroom) afin que vous puissiez déterminer quelles photos vous considérez comme vos préférées. Prenez le temps de parcourir vos meilleurs clichés et prenez peut-être quelques notes sur la définition des styles, des caractéristiques ou des techniques.

Que faites-vous régulièrement qui fonctionne, et quel style de signature avez-vous ?

Concentrez-vous spécifiquement sur vos images de paysage et recherchez des points communs. Qu'est-ce qui a bien fonctionné ? Qu'est-ce qui n'a pas fonctionné ? Comment pouvez-vous trouver des moyens de tirer parti de vos réussites, mais aussi de définir et de développer davantage votre style personnel afin que vos images communiquent avec votre spectateur ?

Lorsque vous envisagez le sujet de la photographie de paysage d'art, vous vous demandez peut-être :« Mon travail est-il à la hauteur ? Suis-je assez bon pour que mes photographies puissent être considérées comme de l'art ? Est-ce que j'appartiens au club d'élite des photographes d'art ?

Je dirais que ce qui constitue une photographie d'art tient moins à la qualité de l'image qu'à la réussite du photographe à communiquer quelque chose au spectateur.

Si vous voulez réussir dans la photographie de paysage d'art, ou dans tout autre genre de photographie, d'ailleurs, apprenez à vos photos à parler d'elles-mêmes. S'ils étaient exposés dans une galerie sans que vous soyez là pour dire un mot, que diraient-ils à un spectateur ? Que ressentirait une personne en les regardant ?

Oui, une photo peut valoir 1000 mots, voire plus. Mais ça doit parler de lui-même !

Photographie de paysage d'art :conclusion

Maintenant que vous avez terminé cet article, vous savez tout sur la photographie de paysage d'art.

Et vous savez comment créer vous-même de superbes photos de paysage d'art !

Alors sortez et tirez. Meilleurs voeux dans vos efforts photographiques !

FAQ sur la photographie de paysage d'art

Cette description de Wikipédia le résume bien :« La photographie d'art est une photographie créée conformément à la vision du photographe en tant qu'artiste, utilisant la photographie comme moyen d'expression créative. Le but de la photographie d'art est d'exprimer une idée, un message ou une émotion."

Alors que de nombreux photographes choisissent d'utiliser le noir et blanc lorsqu'ils font des photos de paysage d'art, et bien que les images traditionnelles aient été faites de cette façon, ce n'est pas une obligation. Le photographe doit choisir la représentation qui traduit le mieux son intention pour l'image.

Les bonnes photos sont faites dans la tête, et l'appareil photo devient alors un outil pour capturer ce que le photographe a déjà "vu".

Non, mais une impression peut faire beaucoup plus pour transmettre le message du photographe au spectateur en tant qu'objet physique tangible avec une plus grande subtilité de couleur, de ton et une résolution plus élevée. De plus, bien que chaque dispositif d'affichage affecte la façon dont l'image est vue, une impression conserve l'aspect de l'image tel que prévu par le photographe. L'impression fait également partie de l'art et de l'artisanat de la photographie.

Déterminez ce que vous voulez que votre spectateur voie, pense et ressente lorsqu'il regarde votre image, et imprégnez votre photo de ces qualités afin qu'elle puisse parler d'elle-même au spectateur.