10 conseils de photographie de scène (pour de belles images)

Il est peut-être temps d'entrer dans une nouvelle étape de votre voyage photographique :la photographie de scène, où vous capturez des artistes sur scène lors de concerts, de pièces de théâtre, de récitals de danse, etc.

Ce genre combine certaines des compétences de la photographie de studio, du portrait et même de la photographie sportive. Lorsque la lumière est souvent faible et que l'action est rapide, vous serez mis au défi de prendre des photos nettes et vous devrez bien comprendre les commandes de votre appareil photo. La photographie de scène mettra vos compétences à l'épreuve, mais lorsque vous réussissez une superbe photo, les résultats peuvent être très gratifiant.

Découvrons dix conseils pour vous aider à atteindre ces performances de commande.

1. Obtenir l'autorisation

Voici un élément clé à retenir lorsque vous filmez une performance sur scène :le spectacle est sur scène. Vous n'êtes pas le spectacle. Si votre présence perturbe les interprètes, distrait le public ou attire autrement l'attention sur vous, vous n'êtes pas seulement une nuisance, vous courez le risque d'être expulsé. Et même si cela ne se produit pas, il est peu probable que vous soyez invité à nouveau et d'autres photographes pourraient alors être interdits de futurs spectacles.

Ne soyez pas ce type.

C'est une mauvaise idée de se présenter à un spectacle avec un appareil photo professionnel et des objectifs longs sans autorisation préalable. Il se peut que vous ne soyez pas autorisé à l'intérieur, et si vous l'êtes, on pourrait vous demander de laisser votre équipement coûteux derrière vous. Si vous vous glissez à l'intérieur et que vous vous faites prendre plus tard, il y aura une scène laide. Et si vous filmez d'une manière ou d'une autre l'intégralité de l'émission et que vous souhaitez ensuite publier vos clichés, vous risquez d'être poursuivi parce que vous n'aviez pas le droit de faire des photos… ce qui est… eh bien… n'allons pas là-bas.

Encore une fois, ne soyez pas ce type - point final.

2. Soyez un "ninja de la photo"

Lorsque vous faites de la photographie de scène, « perturbation minimale » devrait être votre devise. Voici quelques trucs que vous pouvez faire pour prendre vos photos tout en restant invisible pour les artistes et le public.

• Portez des vêtements sombres. Étant donné que les lumières de la maison sont généralement éteintes pendant une représentation sur scène, porter des vêtements sombres vous aidera à vous cacher dans l'ombre et à être moins visible.
• Soyez furtif et silencieux. Éteignez toutes les distractions de l'appareil photo, y compris les bips, les lumières et peut-être même votre écran LCD arrière. Si votre appareil photo dispose d'un mode d'obturation silencieux, utilisez-le. Si vous devez piéger vos plans, faites-le entre les actes et de manière à ce que votre écran ne soit pas visible pour le public ou les artistes. Ne pas placez-vous entre le public et la performance, même si cela vous donne le meilleur angle.
• N'utilisez jamais de flash sauf si vous avez préalablement obtenu l'autorisation du régisseur.
• Tourner la répétition générale quand c'est possible. En supposant que vous puissiez le faire, c'est la meilleure option. Sans public, vous aurez beaucoup plus de liberté pour vous déplacer, trouver de bons angles, peut-être utiliser le flash si vous vérifiez d'abord, et parfois obtenir plusieurs "prises" de la même scène, danse ou numéro musical. Les concerts pourraient être l'exception à cette règle, car la dynamique des interprètes et la réaction du public à une performance en direct feront défaut lors d'une répétition générale et cela apparaît généralement dans les plans. Dans la plupart des cas, cependant, filmer une répétition générale élargira considérablement ce que vous pouvez faire.

3. Connaître le spectacle

Comme pour tout type de photographie d'action, savoir ce qui va se passer à l'avance vous aidera à anticiper et à obtenir les meilleurs clichés. Lisez le programme, parlez au régisseur, connaissez l'intrigue de la pièce et faites tout ce que vous pouvez pour mieux connaître et planifier vos plans.

4. Faites une "étude de site"

Si possible, rendez-vous au préalable au théâtre ou à la salle où aura lieu l'événement. Prenez votre appareil photo et trouvez les meilleurs points de vue.

Pouvez-vous filmer à partir de ces endroits sans être perturbateur ? Y a-t-il plusieurs endroits à partir desquels vous pouvez photographier et pouvez-vous vous déplacer de l'un à l'autre sans attirer l'attention ? Quelle longueur ou quelle largeur d'objectif aurez-vous besoin pour obtenir de bons clichés à partir de ces endroits ? Pourrait-il y avoir quelqu'un pour vous montrer l'éclairage avant le spectacle afin que vous puissiez avoir une idée de ce que vous allez rencontrer ?

Si vous ne pouvez pas être sur place à l'avance, arrivez au moins le plus tôt possible le jour de la représentation. Le faire voler alors que le spectacle est déjà en cours aura presque toujours un impact négatif sur la qualité de vos prises de vue.

5. Prenez le bon équipement

Les deux plus grands défis de la photographie de scène sont généralement :

1. Se rapprocher suffisamment
2. Avoir suffisamment de lumière pour travailler

Et prendre le bon équipement peut aider. Un appareil photo offrant de bonnes performances en basse lumière avec un minimum de bruit sera votre meilleur pari. Un objectif f/2.8 rapide fait également la différence.

Je photographie Canon, et les deux objectifs que je prends généralement pour faire de la photographie de scène sont le zoom Canon EF 24-105mm f/4L IS et le zoom Canon EF 70-200mm f/2.8L IS. Il y a eu de nombreux cas où j'ai souhaité un zoom de 100 à 400 mm.

Vos besoins en distance focale seront dictés par votre distance par rapport à la scène. Plus près, c'est presque toujours mieux, et si vous pouvez être sur scène (et ne pas enfreindre la règle de la "perturbation minimale"), c'est presque toujours mieux.

Je devrais également m'adresser aux lecteurs qui pourraient être des parents qui assistent à la pièce de théâtre de leur enfant, à un récital de danse ou à d'autres représentations sur scène. Il est probable que vous utilisiez un appareil photo point-and-shoot sans objectifs interchangeables et que vous filmiez où que vous soyez dans le théâtre. Il n'y a rien de mal à cela. J'espère que votre appareil photo a un bon zoom optique et pas trop de retard d'obturation. Arrivez tôt et asseyez-vous au premier rang si vous le pouvez. Si vous n'avez pas besoin de vous asseoir dans votre siège de théâtre, vous pouvez peut-être trouver un meilleur endroit pour tirer et être moins visible.

Extrayez ce que vous pouvez de cet article, et surtout, soyez aussi discret que possible lors de la capture de vos photos. Je sais que vous voudrez vous lever lorsque le petit Johnny montera sur scène dans son adorable petit costume de personnage, et vous oublierez peut-être d'éteindre le flash et d'aveugler tout le monde avec un éclat de lumière dans le théâtre sombre. Mon conseil simple :ne soyez pas ce parent. Avec de la chance, un pro tirera depuis la ligne de touche. Cherchez cette personne et donnez-lui votre e-mail. Si vous êtes gentil avec eux, il y a de fortes chances qu'ils vous envoient une superbe photo de Johnny.

6. Utilisez les bons paramètres et la bonne technique

J'ai déjà mentionné que l'une des choses les plus difficiles dans la photographie de scène est de travailler avec une faible lumière (surtout lorsqu'il s'agit d'action). Vous êtes également susceptible de photographier à main levée. Pour maintenir une vitesse d'obturation suffisamment rapide dans des conditions de faible éclairage, vous devrez soit ouvrir votre ouverture (tout en tenant compte de la profondeur de champ), augmenter votre sensibilité ISO (tout en tenant compte des niveaux de bruit), ou les deux.

Les paramètres de caméra suivants fonctionnent bien pour moi dans la plupart des cas, bien que vous deviez faire des ajustements en fonction principalement de la quantité de lumière avec laquelle vous devez travailler. Il n'est pas rare que les lumières passent de très lumineuses à très faibles lorsqu'une scène change, que l'acteur se dirige vers une autre partie de la scène ou (lors d'un concert de rock) que les lumières s'allument et s'éteignent tout en changeant de couleur. Considérez donc ces paramètres de photographie de scène comme un point de départ.

• Mode priorité à l'ouverture – (Av sur Canon, A sur Nikon, varie sur d'autres appareils photo.) Vous souhaiterez généralement que votre ouverture soit aussi grande que possible tout en obtenant une profondeur de champ adéquate.
• ISO automatique – Laissez l'ISO "flotter" pour faire face aux divers changements d'éclairage. Si vous trouvez que votre ISO reste à peu près le même tout au long des performances, vous pouvez le régler à cet endroit, mais en essayant toujours de le maintenir aussi bas que possible. Apprenez quand votre appareil photo produit un bruit inacceptable et définissez les limites maximales ISO automatiques juste en dessous de cette valeur. Si vous ne le faites pas, vous pourriez découvrir plus tard que l'ISO est allé beaucoup plus haut (et que tous vos coups sont très bruyants !).
• En priorité à l'ouverture, votre vitesse d'obturation flottera également. La quantité d'action sur scène, la distance focale de l'objectif que vous utilisez et la vitesse nécessaire pour figer l'action détermineront ce qui est acceptable. Dans une pièce où les acteurs sont immobiles et parlent, vous pouvez vous en sortir avec 1/30s si vous avez un objectif stabilisé ou une stabilisation d'image dans le corps de l'appareil photo. Si vous filmez des danseurs de ballet qui tournent et sautent et que vous voulez les figer, vous aurez peut-être besoin de 1/500 s ou plus pour faire le travail. Vérifiez si votre appareil photo vous permet de définir une vitesse d'obturation minimale lorsque vous utilisez la priorité à l'ouverture.
• Mode mise au point – Cela dépendra encore une fois de la quantité d'action à laquelle vous avez affaire. Si l'action est lente, la mise au point à un seul coup convient. (N'oubliez pas de désactiver le bip de verrouillage de la mise au point !). Si vous devez suivre un mouvement plus rapide, la mise au point continue peut être très utile. Les caméras plus récentes peuvent avoir une mise au point sur le suivi des yeux, ce qui peut très bien fonctionner, sauf lorsque plusieurs personnes se produisent et à proximité. Ensuite, la mise au point automatique peut devenir confuse quant à la personne à verrouiller. Apprenez les modes de mise au point de votre appareil photo afin de pouvoir choisir ce qui convient le mieux à la situation donnée.
• Comptage – Cela dépendra de l'éclairage que vous rencontrez. Habituellement, je m'en tiens à la mesure évaluative complète, et la caméra fait un très bon travail. Parfois, cependant, lorsque l'interprète est fortement éclairé par un projecteur et que l'arrière-plan est très sombre, la caméra peut être trompée et l'interprète sera surexposé. Dans ces cas, la mesure pondérée centrale ou même la mesure spot peut être un meilleur choix.
• Commandez-le dans Memory – Je stocke souvent différents paramètres de l'appareil photo dans chacun des modes de mémoire de mon appareil photo (C1, C2, C3), afin de pouvoir modifier rapidement des paramètres complexes en tournant un cadran lorsque la situation change.

7. La composition est toujours la clé

Comme dans toute photographie, la composition est reine. Utiliser de bonnes pratiques de composition ; souvenez-vous de la règle des tiers, des lignes directrices, de la règle des cotes, etc. Et n'oubliez pas de vérifier vos bordures pour les éléments gênants.

Prenez des plans larges qui montrent toute la scène, puis optez pour des plans moyens et rapprochés qui mettent en valeur un acteur ou un interprète. Soyez attentif aux expressions faciales pour capturer les émotions de l'interprète. Ne négligez pas vraiment des plans serrés de détails comme les chaussures d'un danseur de ballet "sur pointes" ou les mains d'un guitariste de rock "déchiquetant sa hache".

8. Travailler avec la lumière

L'éclairage de scène peut être délicat, surtout lorsque vous essayez de photographier avec une bonne précision des couleurs. Différents types d'éclairage auront des températures Kelvin différentes. L'ambiance est souvent créée avec des gels de couleur et d'autres contrôles de couleur d'éclairage.

Parfois, vous voudrez essayer de corriger ces changements de couleur, parfois vous voudrez peut-être capturer la scène aussi près que possible de la couleur d'origine (c'est-à-dire une dominante bleu profond conçue pour simuler une scène nocturne). Et d'autres fois, vous voudrez peut-être améliorer la couleur ou la prendre dans une direction différente.

Maintenant, il y a un élément clé qui vous donnera le contrôle créatif dont vous avez besoin :

Prise de vue au format RAW ! Il y a beaucoup de raisons pour lesquelles vous devriez photographier en RAW, mais la photographie de scène pourrait être tout en haut de la liste. Pendant le tournage, vous ne faites pas voulez ajuster la balance des blancs ou essayer de deviner ce qui pourrait être le mieux. La prise de vue en RAW signifie que les réglages de la balance des blancs peuvent être enregistrés pour plus tard lors de l'édition. En règle générale, je laisse simplement le réglage de la balance des blancs sur Auto et je l'ignore lors de la prise de vue. Plus tard, lors du montage, je peux l'ajuster comme bon me semble. Si une série de prises de vue ont toutes été réalisées dans les mêmes conditions d'éclairage, je peux ajuster la première prise de vue, sélectionner toutes les prises de vue suivantes et synchroniser la balance des blancs sur cette première prise de vue ajustée. Bazinga !

Il y a une chose à garder à l'esprit ici :ne vous fiez pas à l'écran LCD pour juger de la balance des blancs. Il affichera toujours une image JPEG avec le choix de la balance des blancs de l'appareil photo, et puisque vous photographierez en RAW, vous pourrez apporter des changements spectaculaires par la suite.

Par exemple, dans un théâtre, l'éclairage de la scène était très chaleureux. J'ai mis l'appareil photo sur la balance des blancs Tungsten pour que la lecture sur l'écran LCD soit meilleure, mais j'ai quand même tourné en RAW. Plus tard, lors de l'édition, le réglage Tungsten a donné de meilleurs tons de peau, donc je l'ai utilisé comme point de départ. Si cela n'avait pas fonctionné, j'aurais pu modifier ma balance des blancs pour un résultat complètement différent.

Une fois, un ami m'a remplacé lors d'une cérémonie de remise des diplômes sur une scène de théâtre. Ensuite, ils m'ont envoyé les images pour le montage, et j'ai vu qu'ils avaient tourné toute la cérémonie en JPEG. Argh ! Le théâtre avait un éclairage mixte, certains au tungstène, d'autres fluorescents. Les images JPEG avaient très peu de potentiel d'ajustement et les tons chair étaient horribles. J'ai même pensé à convertir tout l'ensemble en noir et blanc.

9. Racontez l'histoire

Je ne sais pas si chaque image raconte une histoire, mais lorsque l'on photographie une pièce de théâtre, un récital de danse, un spectacle ou un concert, il y a définitivement une histoire sur scène. C'est votre travail en tant que photographe de raconter cette histoire avec vos photos. Voici quelques conseils qui vous aideront :

• Connaître l'histoire – Si vous assistez à une pièce de théâtre, connaissez l'intrigue à l'avance. Il en est de même pour une danse. Presque tous les ballets sont construits autour d'une histoire. Les numéros de danse moderne sont généralement conçus pour évoquer un sens et une humeur. Un guitariste de rock évoquera une ambiance avec sa musique et les paroles des chansons peuvent raconter une histoire. Comment pouvez-vous faire ressortir ces histoires dans vos photos ? En capturant des expressions, des mouvements, des pics d'action ?
• Figer ou flouter ? – Tous les mouvements n'ont pas besoin d'être gelés. Laisser les personnes en mouvement floues peut ajouter au sentiment d'action dans une scène.
• L'ambiance de la lumière – Les bons photographes apprennent à « voir la lumière » et savent comment sa couleur, sa direction, sa douceur, sa dureté et d'autres propriétés affectent l'ambiance et l'histoire. Les bons concepteurs d'éclairage de théâtre le savent aussi et travaillent dur pour éclairer les scènes afin d'évoquer la bonne ambiance et d'améliorer l'histoire. Contrairement à une séance photo en studio où vous, en tant que photographe, pouvez régler les lumières, lorsque vous photographiez une performance sur scène, vous travaillerez avec les choix d'éclairage de quelqu'un d'autre. Portez une attention particulière à ce qu'ils ont fait et essayez de le capturer dans vos images.

10. Améliorer avec une bonne édition

À l'époque du cinéma, après un tournage, vous n'aviez que les négatifs non traités. Il y a eu de nombreuses étapes avant de pouvoir considérer votre image comme une impression finie et de nombreuses possibilités d'ajustements créatifs en cours de route. Aujourd'hui, avec les appareils photo numériques, il suffit de cliquer sur l'obturateur et de voir immédiatement le résultat sur un écran LCD.

Mon opinion est que trop de photographes se contentent de l'image directement sortie de l'appareil photo (SOOC) ; après ce premier clic, ils croient que leur travail est terminé. De nombreux instructeurs de photo qualifiés prêcheront l'importance de "bien faire les choses à huis clos" et exprimeront un dégoût évident de devoir passer du temps derrière un écran d'ordinateur.

Comme vous l'avez peut-être deviné, je me moque de ces gens. Ansel Adams n'a pas tourné en numérique, mais je pense que sa citation mérite d'être prise en considération :

Ma conviction personnelle est que vous n'en avez pas fini avec une image tant que vous n'avez pas terminé, et cela inclut l'édition. Cela peut être particulièrement vrai lorsque vous prenez des photos de performances sur scène. Vous n'aurez pas le contrôle de la scène qui se déroule devant vous, vous aurez des options limitées pour changer votre point de vue ou votre perspective, vous travaillerez avec l'éclairage souvent changeant de quelqu'un d'autre, la scène peut être faiblement éclairée et vous aurez du mal à jonglez entre la vitesse d'obturation, la profondeur de champ et le bruit de l'appareil photo. Il n'y a pas non plus de refonte. Si la prise de vue n'est pas tout ce qu'elle pourrait être, le montage peut être la solution. Même s'il s'agit d'un très bon cliché SOOC, un montage pourrait-il le rendre encore meilleur ?

(Vous avez tourné en RAW, n'est-ce pas ? Alors ne me dites pas que vous n'éditez pas ; vous devez faire au moins certains modification avec une image Raw.)

D'accord, je vais arrêter la diatribe. Qu'il suffise de dire que je pense personnellement que l'édition de vos images de photographie de scène est presque obligatoire si vous voulez qu'elles brillent.

Conseils pour la photographie de scène :derniers mots

Comment ai-je pu écrire un article sur la photographie de scène sans inclure une citation célèbre de ce type ? Vous avez peut-être entendu parler de lui :

Dans cette pièce, nous appelons la vie , vous avez été choisi pour le rôle du photographe. Allez maintenant développer vos talents et capacités. Tenez un miroir aux autres joueurs avec le médium de la photographie de scène !

FAQ sur la photographie de scène

Le spectacle est sur scène. Vous n'êtes pas le spectacle. Si vous êtes une distraction pour les interprètes ou le public, vous n'êtes pas le bienvenu, vous risquez d'être expulsé, vous ne serez certainement pas invité à revenir et vous empêcherez probablement d'autres photographes d'être invités à photographier des performances. Obtenez de bons clichés, mais soyez discret.

Se rapprocher suffisamment. Travailler avec une lumière faible et changeant fréquemment. Une longue lentille ou un bon point de vue peuvent aider avec le premier. Un objectif rapide (c'est-à-dire f/2,8 ou plus rapide) et un appareil photo avec de bonnes performances en basse lumière peuvent aider avec ce dernier.

Connaître l'histoire. Raconte l'histoire. Sachez de quoi parle la pièce de théâtre, la danse, la performance, la chanson ou tout ce que vous photographiez. Travaillez pour capturer cette histoire dans vos images.

Cela variera en fonction de l'éclairage, du type de spectacle, de la quantité d'action sur scène et d'autres facteurs, mais pour commencer :priorité à l'ouverture (Av, A), ISO automatique (avec une limite supérieure), mise au point continue/servo, évaluative la mesure (bien que la mesure pondérée centrale ou même ponctuelle fonctionne dans certaines situations).

Prenez toujours des photos au format RAW et soyez prêt à modifier vos photos. Un fichier RAW vous permettra d'ajuster la balance des blancs après la prise de vue, d'ouvrir vos possibilités créatives, de récupérer des images surexposées et sous-exposées et de mieux gérer le bruit de l'image.