Ce qui était autrefois une petite niche étrange dans la photographie est maintenant un phénomène mondial. La photographie culinaire ne gagne en popularité que si l'on en croit les 32 millions de publications actuellement sur Instagram.
La photographie culinaire est là pour rester, mais ce n'est pas un genre facile à maîtriser.
Notre guide vous donne quelques-uns des meilleurs trucs et astuces pour vous aider à obtenir des résultats appétissants.
Équipement
Caméras
La première chose à laquelle vous devez penser lorsque vous êtes à la recherche d'un nouveau boîtier d'appareil photo est la taille du capteur.
Que vous décidiez d'acheter un appareil photo avec un capteur recadré ou d'investir dans un plein format, votre budget déterminera probablement votre choix.
La chose importante à savoir est que votre appareil photo et vos objectifs se comportent différemment lorsqu'ils ont un capteur recadré qu'un plein format.
Chaque appareil photo a un facteur de recadrage. Il s'agit d'un nombre utilisé pour décrire à quel point l'appareil photo recadre votre image par rapport au 35 mm standard.
Un appareil photo plein format correspond à la norme recadrée de 35 mm d'un appareil photo argentique traditionnel. Il a une taille de capteur de 24 mm x 36 mm. Un capteur recadré est plus petit que cela et est donc moins cher à fabriquer pour les fabricants d'appareils photo. Il ne correspond pas à beaucoup d'objectifs et les images finales sont différentes.
Le Canon Rebel, par exemple, a un facteur de recadrage de 1,6. Cela signifie que vous multipliez 1,6 fois la distance focale de votre objectif pour obtenir la distance focale réelle à laquelle il semblera que vos photos ont été prises.
Sur un appareil photo plein format, un objectif de 50 mm se comporte comme un 50 mm. Mettez ce même objectif sur un appareil photo avec un capteur recadré, il se comporte plus comme un 80 mm.
Lentilles
Les verres sont là où vous devriez dépenser la plus grande partie de votre budget. Vous devriez les considérer comme un investissement à long terme dans votre métier.
Voici les facteurs à considérer :
Netteté
Votre plus grande préoccupation lorsque vous achetez un objectif est la netteté.
Les objectifs à focale fixe sont préférables pour photographier des aliments car ils sont plus nets que les zooms.
Les objectifs zoom ont plus de pièces mobiles qui permettent au zoom de fonctionner. Cela a tendance à réduire la qualité et la netteté de l'image.
Les objectifs à focale fixe sont généralement « plus rapides ». Ils ont une ouverture maximale plus grande, ce qui permet des vitesses d'obturation plus rapides.
Ils vous offrent également une profondeur de champ beaucoup plus étroite, ce qui vous permet d'isoler votre sujet et d'obtenir ce très joli arrière-plan flou que nous aimons tous dans la photographie culinaire.
L'objectif 50 mm
Le 50 mm peut aussi être un objectif utile, surtout si vous n'avez pas de zoom. Cet objectif est idéal pour les prises de vue aériennes et les paysages de table. Cependant, cela peut vous donner une certaine distorsion lorsque vous prenez une photo de style portrait. En photographie culinaire, le 50 mm est en fait considéré comme un objectif grand angle.
Le 50 mm f / 1,8 est souvent appelé le « fifty-fifty » car il vous donne des résultats décents pour un prix très bas. Si vous débutez et que votre budget est serré, procurez-vous celui-ci.
L'objectif 24-70mm
Bien que les objectifs principaux soient idéaux, il est en fait très utile d'avoir un objectif zoom dans votre kit, comme un 24-70 mm.
Il est très net pour un objectif zoom et vraiment polyvalent. De nombreux photographes culinaires considèrent qu'il s'agit d'un élément de base de leur kit.
La macro 60 mm
Si vous photographiez avec un capteur recadré, une macro de 60 mm est un excellent choix.
Sur un capteur recadré, c'est plus comme avoir un 100 mm. Si vous passez au plein format, vous pouvez l'utiliser comme vous le feriez avec un 50 mm.
Cet objectif vous permet d'obtenir des prises de vue 3/4 de votre sujet avec un joli bokeh sur un capteur recadré.
Vous n'obtiendrez pas non plus la distorsion à cet angle que vous obtiendriez lors de la prise de vue avec une distance focale plus large, comme un 50 mm.
La macro 100 mm
Un excellent objectif à avoir dans votre kit est un objectif macro 100 mm. Cet objectif n'est pas seulement destiné aux prises de vue macro ou rapprochées, bien qu'il soit également excellent pour ces prises de vue.
En vous éloignant davantage de votre décor, vous pouvez également obtenir de très belles photos de style portrait. La distance focale vous donnera un superbe arrière-plan flou.
Si vous optez pour l'objectif macro 100 mm/105 mm sur un capteur recadré, vous photographierez à une distance focale de 150 mm.
Ce sera une récolte très serrée, ce qui peut être un problème si l'espace est un problème.
Trépieds
Un trépied est un must pour la photographie culinaire. Il vous aide à créer des images cohérentes et libère vos mains pour créer un style en fonction de ce que vous voyez à travers votre appareil photo.
La plus grande exigence dans un trépied est la stabilité. Un trépied doit pouvoir supporter le poids de votre appareil photo et de votre objectif.
Lorsque vous magasinez pour un trépied, recherchez-en un dont la hauteur et l'orientation sont réglables. C'est là que vous avez une colonne centrale que vous pouvez déplacer.
Assurez-vous qu'il a des pieds en caoutchouc pour éviter de glisser et qu'il a une charge utile élevée.
La charge utile fait référence au poids que le trépied est capable de supporter. Il doit supporter le poids de votre appareil photo, de votre objectif et de tout autre ajout tel qu'un support ou un bras d'extension.
Stylisme culinaire
L'objectif du style alimentaire est de faire en sorte que les aliments aient l'air d'être les meilleurs. La plupart des aliments ont besoin d'un peu de retouche pour les rendre présentables à la caméra.
Voici quelques éléments à prendre en compte lorsque vous abordez le style culinaire :
Utilisez les aliments les plus frais possibles
La nourriture que vous photographiez doit être aussi fraîche que possible pour qu'elle soit attrayante dans vos images. Lorsque vous achetez vos ingrédients, veillez à acheter les articles les plus frais et les plus beaux disponibles.
Ayez toujours votre scène, votre éclairage et votre caméra prêts avant de placer votre nourriture sur le plateau.
Lorsque vous ajustez votre éclairage et les paramètres de votre appareil photo, utilisez un substitut d'une couleur et d'une forme similaires à celles de votre nourriture comme substitut. Remplacez-le par votre « héros » (votre principal sujet alimentaire) au dernier moment, afin qu'il ait l'air aussi frais et appétissant que possible.
Achetez plus que ce dont vous avez besoin
Lorsque vous faites vos courses, assurez-vous d'acheter plus que ce dont vous pensez avoir besoin pour le tournage. Les aliments se dessèchent, fondent, brunissent ou commencent à avoir l'air peu attrayants en peu de temps.
Il doit être remplacé par des articles plus frais.
Selon la nourriture, vous aurez peut-être aussi besoin de beaucoup d'articles pour remplir le cadre.
Placage
Le facteur le plus important lors du choix des plats sur lesquels vous présenterez vos aliments est la taille.
Les objets peuvent sembler très différents à la caméra qu'à l'œil et semblent souvent plus gros que prévu. Pour cette raison, c'est une bonne idée de choisir des plats plus petits que ceux que vous utiliseriez habituellement.
Présentez vos sujets sur des assiettes à salade ou des assiettes plus petites. Les grandes assiettes peuvent éclipser le sujet principal et dominer le cadre.
Garnitures
Les herbes et les épices, ainsi que des éléments tels que les croûtons, peuvent améliorer vos coups de nourriture.
Des brins de diverses herbes comme le romarin peuvent être attachés ensemble avec de la ficelle de cuisine pour faire de petits bouquets que vous pouvez utiliser pour ajouter du contexte à votre histoire culinaire.
Vous pouvez agrémenter un bol de soupe nature d'un filet de crème et d'une pincée de ciboulette ciselée.
L'essentiel est que vos garnitures aient un sens dans le contexte plus large de votre scène. Si vous filmez du saumon avec une sauce au citron et à l'aneth, ne le garnissez pas de basilic.
Lorsque vous utilisez des herbes, utilisez les plus fraîches possibles et remplacez-les au fur et à mesure que vous tirez. Ils flétrissent ou s'oxydent rapidement. Les herbes coupées peuvent être conservées fraîches au réfrigérateur beaucoup plus longtemps lorsqu'elles sont enveloppées dans une serviette en papier humide.
Accessoires
Vous devez avoir une collection d'accessoires de photographie culinaire.
Un accessoire est tout élément que vous utilisez sur le plateau pour améliorer l'image. Dans la photographie culinaire, il s'agit généralement d'ustensiles de cuisine, comme des assiettes et des couverts, des bols et des ustensiles de service, et du linge de maison.
Lors de la sélection de vos accessoires, pensez à votre style de photographie culinaire et aux types d'accessoires qui pourraient le compléter.
Si votre style est vraiment propre et élégant, ou plus raffiné, de tels accessoires n'auraient pas beaucoup de sens et vous seriez mieux avec des pièces plus délicates.
En général, évitez les couleurs très vives et les motifs audacieux, car ils détournent l'attention de la nourriture. Les pièces colorées peuvent ajouter un point d'intérêt, mais elles doivent travailler avec la composition globale et l'ambiance de la photo.
N'utilisez pas beaucoup d'accessoires. Quelques bons accessoires peuvent avoir un impact considérable sur la narration d'une histoire visuelle, mais un trop grand nombre distraira le spectateur et dominera l'image.
Lors de la sélection de vos accessoires, commencez par une ou deux pièces, peut-être une assiette à salade neutre et un couteau ou une cuillère vintage. En cas de doute, restez simple.
Arrière-plans
Vous aurez besoin d'une variété d'arrière-plans intéressants sur lesquels placer votre nourriture.
Utilisez une variété d'articles pour vos arrière-plans, comme du tissu, du papier kraft ou de grands carreaux de sol. Vous pouvez également faire preuve de créativité et créer le vôtre.
Achetez des feuilles de bois et peignez-les ou teintez-les vous-même. Il existe également d'excellentes ressources en ligne pour acheter des arrière-plans de photographie culinaire professionnels et ils sont expédiés dans le monde entier.
Lorsque vous photographiez de la nourriture, les arrière-plans neutres ou froids comme le bleu fonctionnent généralement mieux.
Éclairage
Modificateurs d'éclairage
Que vous utilisiez la lumière naturelle ou artificielle, vous devrez modifier votre source de lumière.
Un élément important de votre kit est un diffuseur. Il s'agit d'un panneau de matériau blanc transparent que vous placez au bord de votre table pour adoucir la lumière qui frappe votre scène.
Vous aurez également besoin de quelques outils simples pour rebondir et absorber la lumière. Vous pouvez acheter un kit de réflecteur professionnel 8 en 1, avec des disques pliables dans une variété de matériaux à utiliser dans vos prises de vue, comme illustré ci-dessous.
Le réflecteur argenté, par exemple, peut éclairer vos aliments, tandis que le réflecteur doré ajoutera de la chaleur. Il est généralement livré avec un diffuseur également.
Pour une version DIY, vous pouvez également utiliser un simple carton noir ou blanc acheté dans un magasin d'artisanat ou à un dollar. Le blanc éclaire votre scène, tandis que le noir absorbe la lumière.
Styles d'éclairage
Vous devriez avoir une idée de ce à quoi vous voulez que votre image finale ressemble avant de prendre votre appareil photo. Voulez-vous que la lumière soit douce et dimensionnelle, ou recherchez-vous un contraste saisissant ?
Plus le contraste entre la lumière et l'obscurité est important, plus votre image sera spectaculaire. Souvent, votre sujet dictera la lumière que vous choisissez.
La prochaine fois que vous prendrez des photos, photographiez votre sujet à la fois sous une lumière douce et sous une lumière forte et notez la différence. Comment chaque approche affecte-t-elle le résultat final ? De nombreux photographes ont tendance à graviter vers l'un ou l'autre dans le cadre de leur style.
Éclairage latéral
C'est lorsque votre lumière vient directement à côté de la nourriture.
L'éclairage latéral est une bonne approche pour beaucoup de vos photographies culinaires. Il fonctionne pour la plupart des configurations et est facile à utiliser.
Placez un réflecteur ou une carte rebondissante du côté opposé à la lumière. Selon la quantité d'ombre que vous voulez sur le côté de votre nourriture, rapprochez-la ou éloignez-la, ou utilisez un réflecteur plus petit ou plus grand.
Lors de la prise de vue de scènes blanches et aérées, vous souhaitez toujours que de l'ombre ajoute de la dimension.
Rétroéclairage
Le contre-jour, c'est lorsque vous placez votre lumière derrière votre nourriture.
Si vous imaginez le cadran d'une horloge, c'est à 12 heures. C'est une position idéale pour les boissons ou les soupes, car elle ajoute un éclat et met en valeur les propriétés liquides des aliments.
En général, le contre-jour est très flatteur pour la nourriture. Il le fait briller et fait ressortir sa texture.
Cependant, il peut être difficile de travailler avec car cela peut rendre votre image trop lumineuse à l'arrière et trop sombre à l'avant. Trop de contraste signifie que le dos de la photo sera soufflé, avec une perte de détails flous dans le sujet principal. Un contraste insuffisant se traduira par une photo soufflée ou qui semble délavée, ce qui se produit lorsque vous photographiez avec trop de lumière.
Rétroéclairage latéral
Le rétroéclairage latéral est une combinaison des deux premiers types d'éclairage. C'est le meilleur des deux mondes et le plus facile à travailler. Ici, notre lumière est placée entre 10h et 11h.
Avec ce style d'éclairage, vous obtenez la brillance de surface apportée par le contre-jour sans risque de surexposition. Vous n'avez pas non plus besoin de réfléchir autant de lumière sur le devant de l'aliment car la lumière arrive sous un angle plus prononcé.
Lorsque vous utilisez le rétroéclairage latéral, vous devrez jouer avec la hauteur de votre lumière par rapport à votre scène, en fonction de la façon dont vous souhaitez que les ombres tombent.
Plus votre source de lumière est proche de votre téléviseur, plus l'atténuation sera douce.
Angles de caméra
L'angle de la caméra peut avoir un effet puissant sur votre image finale.
Avant de prendre votre appareil photo, vous devez réfléchir au type de nourriture ou de plat que vous photographiez et à l'angle de prise de vue qui vous aidera à faire ressortir ses meilleures caractéristiques.
Il existe trois principaux angles de caméra utilisés pour photographier des aliments :au-dessus de la tête, 3/4 d'angle ou droit.
L'angle 3/4
L'angle 3/4 est lorsque votre appareil photo est placé entre 25 et 75 degrés par rapport à votre sujet.
L'angle 3/4 est un angle populaire car il est si polyvalent. Vous pouvez généralement montrer l'avant et la surface du plat, ainsi que les côtés.
Vous voyez souvent cet angle dans la photographie commerciale de nourriture.
L'angle supérieur
L'angle supérieur est l'angle de 90 degrés. C'est devenu un angle très populaire ces derniers temps grâce à Instagram.
Cet angle a certainement plusieurs points positifs. C'est bon pour intégrer plusieurs éléments dans une scène, comme dans un paysage de table. Cela en fait également un excellent angle de narration. Vous pouvez voir une variété d'accessoires, d'ingrédients ou de plats de nourriture dans le cadre lorsque vous photographiez au-dessus de la tête. Il est aussi souvent plus facile de composer son cliché avec cet angle qu'avec un angle 3/4 ou de face.
Cependant, l'angle au-dessus de la tête ne fonctionne pas pour tous les types d'aliments. Il élimine la profondeur, ce qui donne une touche plus graphique à une image mais ne convient pas à tous les types d'aliments.
Avec l'angle au-dessus de la tête, ce que vous mettez le plus en valeur, c'est la forme de la nourriture et divers éléments de la scène.
L'angle droit
Cet angle de caméra droit convient le mieux aux aliments "hauts", comme les hamburgers ou les piles de brownies ou de crêpes. Il met en valeur la hauteur d'un plat.
Lorsque vous photographiez des hamburgers et des sandwichs, le petit pain ou le morceau de pain supérieur cache ce qu'il y a à l'intérieur, donc prendre la photo de n'importe où au-dessus de la nourriture n'a aucun sens.
N'oubliez pas que l'objectif est toujours de se concentrer sur les meilleures caractéristiques de l'aliment.
Composition
Les outils de composition peuvent nous aider à faire de meilleures photographies, cependant, chaque outil ne fonctionnera pas pour chaque image.
Avant de commencer à prendre des photos, connaissez l'objectif de votre image. Quelle est l'ambiance ? Qu'est-ce que tu veux transmettre ? Quel est le but de votre cliché et comment sera-t-il utilisé ?
Une bonne photographie culinaire évoque les émotions du spectateur. La composition est l'un des principaux outils qui nous aident à le faire.
Ligne
La ligne est l'élément le plus fondamental de la composition visuelle. Les lignes guident l'œil à travers une photographie vers des points focaux et des éléments clés et maintiennent l'œil du spectateur concentré sur l'image.
Il y a quelques points à prendre en compte lorsque vous travaillez avec des lignes. Lorsque vous utilisez des lignes pour diriger l'œil du spectateur, elles doivent pointer vers le sujet principal ou dans le cadre.
Les lignes ne doivent pas non plus pointer en dehors du cadre, car les yeux seront obligés de quitter l'image. Cela affaiblit l'image et peut entraîner une perte d'intérêt pour le spectateur.
Règle des cotes
La règle des cotes stipule que lorsque vous photographiez un groupe d'objets, avoir un nombre impair d'éléments dans le cadre est beaucoup plus intéressant visuellement que d'avoir un nombre pair d'éléments.
Les nombres impairs créent un sentiment d'équilibre et d'harmonie et fournissent un point de repos pour nos yeux, tandis que des nombres pairs d'objets peuvent diviser notre attention et se concurrencer.
Lorsqu'il y a plus de cinq éléments dans une image, il devient difficile pour l'esprit d'enregistrer le nombre le plus élevé. Pour cette raison, c'est une bonne idée de composer de nombreux éléments en groupes de nombres impairs dans la mesure du possible.
Règle des tiers
La règle des tiers est destinée à vous aider à placer les éléments principaux et le point central dans la composition.
Pensez à une grille imaginaire qui divise l'image en neuf parties égales, comme une grille de tic-tac-toe. Le rapport est de 1:1 par rectangle.
La règle des tiers est un excellent point de départ. Il aide à ajouter de l'harmonie à vos images et vous aide à faire vos premiers pas dans la composition en tant que nouveau photographe. En fait, cela peut fonctionner pour de nombreuses images, en particulier des paysages.
En ce qui concerne la photographie culinaire, cependant, cette règle peut être limitative. Vous pouvez finir par créer des images déséquilibrées et maladroites.
La grille Phi est un concept similaire qui est plus puissant que la règle des tiers. Les deux grilles se ressemblent presque, mais les lignes centrales de la grille Phi sont plus proches.
La grille Phi
Grille Phi
La grille Phi est une expression du nombre d'or . Il vous aide à créer une image équilibrée et naturellement agréable.
La Grille Phi suit le rapport de 1:1,618, un rapport qui est une constante dans la nature et vers lequel nous gravitons automatiquement.
Il apparaît dans le monde naturel, d'une coquille de nautile au nombre de pétales d'une fleur.
Vous pouvez trouver le nombre d'or partout dans le monde qui nous entoure, bien que personne ne puisse expliquer exactement pourquoi il existe de cette façon.
Vous pouvez utiliser ces connaissances dans votre photographie. Réfléchir à la façon dont l'œil se déplace à travers une image et incorporer une certaine expression du nombre d'or vous aidera à créer des images que le cerveau reconnaîtra comme esthétiquement attrayantes et harmonieuses.
Espace négatif
L'espace positif est l'espace occupé par votre sujet principal. L'espace négatif est une zone où vos yeux peuvent se reposer. Il offre un équilibre, un peu de répit et met en valeur le sujet.
L'espace négatif peut représenter le mouvement et donner un contexte à une image. Cela peut également donner au spectateur l'idée qu'il y a une histoire au-delà de ce que l'œil voit.
En photographie culinaire, on a tendance à prendre des photos avec beaucoup d'espace négatif en raison du placement du texte, en particulier lorsqu'il s'agit de travaux de magazines, d'emballages de produits ou de publicités.
Lorsqu'une image n'utilise pas d'espace négatif, elle peut sembler un peu claustrophobe et encombrée. De plus, lorsqu'il se passe trop de choses dans une image, le spectateur ne sait pas où regarder.
Répétition
Les éléments répétés ajoutent également de l'intérêt à une image. La répétition peut se produire spontanément dans le sujet ou peut être créée par des éléments ajoutés tels que des accessoires et des ingrédients de soutien.
Parfois, les motifs peuvent devenir monotones, donc briser un motif peut créer une photo plus forte.
Il existe différentes manières de créer une rupture de motif, par exemple avec une rupture de couleur, de forme, de taille ou de texture. L'endroit où vous placez cette pause est crucial; vous voulez le placer dans l'un de vos points focaux ou le long de lignes qui se croisent.
Couleur
La couleur est un élément important d'une composition. Il évoque des émotions et crée un sentiment d'ambiance dans une image.
Les couleurs froides et sombres comme le bleu marine et le noir reculent, tandis que les couleurs claires ou chaudes comme le jaune font avancer les objets.
Les arrière-plans et les couleurs de surface trop clairs peuvent nuire à notre sujet; ils doivent être choisis en fonction de l'ambiance que vous souhaitez créer, ainsi qu'en harmonie avec vos éléments choisis.
Les combinaisons de couleurs peuvent être monochromatiques lorsqu'il s'agit de variations de tons au sein d'une même teinte. Cette approche a sa place, mais l'utilisation de couleurs complémentaires est une excellente technique à appliquer à la photographie culinaire.
Les couleurs complémentaires apparaissent directement l'une en face de l'autre sur la roue chromatique, comme le rouge et le vert, ou le bleu et l'orange.
La palette de couleurs avec laquelle vous choisissez de travailler sera en partie dictée par la nourriture que vous photographiez.
Vos couleurs doivent également être équilibrées en termes de ne pas avoir trop de couleurs dans un cadre, ce qui semblera chaotique.
Texture
L'une des meilleures façons d'ajouter de l'intérêt à vos photos est d'utiliser la texture. Il ajoute du contraste et des détails et améliore les sujets alimentaires.
La texture est naturellement présente dans les aliments, mais peut également être utilisée efficacement dans les arrière-plans et les surfaces, ainsi que dans vos accessoires et votre linge de maison, tant qu'elle n'est pas exagérée.
Beaucoup de texture dans la nourriture, les draps et les arrière-plans composés ensemble peuvent sembler trop occupés et submerger le spectateur.
Modification de vos images
Lightroom d'Adobe est un excellent programme de post-traitement. Il est plus intuitif et plus facile à apprendre que Photoshop.
Je recommande d'utiliser Lightroom pour faire vos ajustements globaux, puis d'affiner votre image dans Photoshop si besoin est. Par exemple, si vous devez travailler sur des zones spécifiques de l'image.
Regardons les outils les plus importants :
L'histogramme
Il est important d'avoir une compréhension de base de l'histogramme pour effectuer les ajustements appropriés à l'exposition et aux tons de votre image.
Un histogramme trace la gamme de tons d'une image. La luminosité est représentée graphiquement sur une échelle de gris. Chaque pixel de l'image est affecté à une valeur.
Le noir est à gauche, tandis que le blanc est à droite. Vous pouvez trouver les nuances de gris entre les deux.
La répartition des tons dans l'histogramme vous renseignera sur l'exposition globale de l'image.
Un grand pic dans l'une de ces régions signifie que l'image a beaucoup de pixels à cette densité particulière. Un espace ouvert dans l'histogramme signifie qu'il n'y a pas de pixels à cette densité.
Vérifiez si vous avez un fort pic à l'extrémité noire ou blanche de l'histogramme. Si vous le faites, votre image pourrait être sous-exposée ou surexposée.
Généralement, la plupart des images sont plus belles si elles contiennent à la fois des valeurs sombres et claires. Sinon, ils risquent de manquer de contraste et d'avoir l'air plats.
Recadrage
C'est une bonne idée de recadrer et de redresser votre image avant de commencer à faire des ajustements globaux.
Pour redresser une image, commencez par Transformer panneau et cliquez sur -> Auto .
Si cela ne fonctionne pas, vous pouvez essayer l'un des autres paramètres ou le faire manuellement sous l'outil de recadrage .
Pour accéder à l'outil de recadrage dans Lightroom, cliquez sur le symbole de grille sous l'histogramme dans le panneau supérieur. Ou appuyez sur R pour le raccourci clavier. Cela vous permettra de recadrer votre image en faisant rentrer les coins avec votre curseur.
Notez que lorsque le cadenas est fermé sur le symbole du cadenas, l'outil recadrera uniformément chaque côté de l'image.
Si vous souhaitez recadrer de forme libre, cliquez simplement dessus pour le déverrouiller.
Balance des blancs
La balance des blancs est un aspect très important du post-traitement de vos photos de nourriture.
Je recommande de photographier avec une carte grise et d'ajuster votre balance des blancs en post-traitement. Cela supprime les dominantes de couleur incorrectes et garantit que vos blancs sont vraiment blancs.
Une carte grise est un morceau de plastique gris que vous pouvez acheter dans un magasin de fournitures pour appareils photo. C'est exactement 18 % de gris, ce que votre appareil photo recherche lors de la mesure d'une scène.
Prenez une photo avec votre carte grise dans la scène. Dans Lightroom, prenez la pipette Balance des blancs et cliquez sur la carte grise. Il lira automatiquement la balance des blancs appropriée.
Le panneau de base
Ce panneau est l'endroit où vous pouvez finir par faire beaucoup de réglages avant de vous décider sur un look final.
Exposition affecte la luminosité de la gamme de tons de votre image, cependant, jouer avec vos ombres et vos reflets, et vos blancs et noirs vous donneront un équilibre plus précis des tons que de simplement compter sur le curseur Exposition.
Vérifiez si les zones lumineuses semblent boueuses ou si les ombres ont encore besoin de plus de lumière. Déplacez les curseurs vers les points où l'image semble bonne dans l'ensemble.
Vous devrez probablement revenir en arrière et réajuster votre curseur d'exposition une fois que vous aurez effectué des modifications avec les autres curseurs.
Vibrance et saturation
Éclat est également un curseur important dans l'édition de photographies culinaires.
C'est un meilleur outil d'édition que Saturation car c'est plus subtil. Il ajuste les couleurs les moins saturées sans intensifier celles déjà saturées.
Vibrance augmentera d'abord la saturation des couleurs atténuées, puis les autres couleurs.
Que vous utilisiez réellement le curseur de saturation dépend de l'image. En général, une approche conservatrice est ce qui fonctionne le mieux lors de l'édition de photographies culinaires.
Si vous décidez d'utiliser ce curseur le curseur, poussez-le un peu vers le haut, à environ +5 ou +6.
Courbe de tonalité
Les nouveaux utilisateurs trouvent souvent la courbe de tonalité difficile, mais c'est l'un des outils les plus puissants de Lightroom.
La courbe de tonalité est un graphique qui indique où se situent les tonalités de vos images. L'axe inférieur de la courbe de tonalité commence avec les ombres à l'extrême gauche. Il se termine par Highlights à l'extrême droite. Les tons moyens tombent au milieu, dans une gamme allant du plus foncé au plus clair. Ils deviennent plus sombres lorsque vous vous déplacez vers le bas et plus lumineux lorsque vous vous déplacez vers le haut de l'axe.
Vous pouvez contrôler la légèreté et l'obscurité de vos tons. Ajustez la courbe de points elle-même ou la courbe de région .
La région a des curseurs pour chaque partie de la gamme tonale. Lorsque vous faites glisser chaque curseur, la courbe et l'image changent toutes les deux.
Pour effectuer des ajustements avec la courbe de points, cliquez sur la zone que vous souhaitez affecter. Cela créera un point d'ancrage sur lequel contrôler la tonalité.
Faire glisser le point vers le haut éclaircit ce ton; le faire glisser vers le bas l'assombrit.
Évaluez les tons moyens de votre image pour voir s'ils sont déjà clairs. Si ce n'est pas le cas, cliquez au milieu de la courbe des tons et amenez le point vers le haut.
S'ils sont trop brillants, abaissez la courbe. Vérifiez les autres parties de votre image.
Si vous débutez dans l'apprentissage de la courbe de tonalité, jouez d'abord avec les curseurs de région. Prenez note de la façon dont les différents curseurs affectent la courbe.
Quelle que soit l'approche que vous choisissez, assurez-vous de regarder l'histogramme lorsque vous apportez des modifications. De cette façon, vous vous assurerez de ne pas perdre de détails importants.
HSL
HSL signifie Teinte , Saturation , et Luminosité . C'est ici que vous équilibrez les couleurs dans Lightroom.
Les ajustements de couleur sont généralement plus subjectifs que les ajustements de tonalité. C'est parce que la couleur donne une impression d'ambiance à une photographie.
Il existe deux façons d'effectuer des réglages de couleur dans ce panneau. Vous pouvez tous les ajuster en même temps sous HSL/All . Ou chaque couleur individuellement sous Couleur onglet en haut du panneau.
La teinte L'onglet ou la section en haut du panneau est l'endroit où vous choisissez le degré de chaleur ou de fraîcheur que vous souhaitez pour chaque couleur de votre image.
Par exemple, je trouve que les verts ont presque toujours l'air éteints. Je fais glisser les verts légèrement plus vers la gauche ou la droite pour les rendre plus réalistes.
Pour ajouter plus de chaleur - c'est-à-dire plus de jaune - à vos verts, faites-le glisser vers la gauche. Pour une teinte plus froide, faites-le glisser vers la droite pour ajouter plus de bleu.
La saturation le curseur dans le panneau de base ajuste la couleur de toute l'image. Mais les curseurs de saturation ajustent chaque couleur individuellement.
Si vous ajustez une couleur pour qu'elle soit plus saturée, cela affectera la saturation de cette couleur particulière sur toute la photo.
Que vous travailliez dans le panneau de base ou le panneau HSL, la saturation nécessite une main légère.
Enfin, Luminance affecte la luminosité de la couleur. Ces curseurs sont plus utiles que les curseurs de saturation, alors travaillez d'abord avec ceux-ci.
L'édition dans Lightroom est une question d'équilibre. Il en va de même lorsque vous travaillez avec les réglages Teinte, Saturation et Luminance.
Netteté
La netteté devrait être la dernière étape d'édition. Il ajoute un contraste entre les pixels et les bords, ce qui crée une définition et un aspect plus raffiné.
Cependant, vous n'avez pas besoin d'appliquer la netteté à l'ensemble de l'image car, en photographie culinaire, il n'y a pas grand intérêt à accentuer les accessoires et l'arrière-plan.
L'accent est mis sur la nourriture, c'est donc ce que vous aiguisez.
To do this in Lightroom, mask out the image to select the areas of the image you want to sharpen. Hold down the Alt/Option key while clicking on Masking in the Sharpening panel.
Lightroom will show you where the sharpening is being applied in white. Your image will look like an x-ray.
Slide it to the right. The further right you go, the less the image will be sharpened.
You will find that you will be in the +70-80 range for sharpening for food photography.
En conclusion
There is a lot to learn when it comes to shooting food, but hopefully, this guide has given you an overview of what’s involved and some ideas about how you can improve your images.
The more information you have, the more empowered you can be in your creative decisions.
Above all, lots of practice is what is going to take you to the next level in your food photography.