Chaque fois que vous pointez votre appareil photo, vous faites des choix :quelle partie de la scène inclure ; utiliser un plan fixe ou un mouvement impliquant un panoramique, un vol, un suivi ou un zoom ; angle et position ; longueur.
Ce sont les mêmes décisions qui occupent l'esprit et le temps de cinéastes comme Francis Coppola, Martin Scorsese et Akira Kurosawa. Les choix de composition, plus que toute autre chose, déterminent à quoi ressemblera votre film.
Au début
Chaque fois qu'un nouveau paramètre est introduit, vous devez fournir au spectateur un plan large qui en prend le plus possible. Ce premier aperçu s'appelle un coup d'établissement.
La plupart des films et émissions de télévision établissent rapidement le cadre, le personnage et l'intrigue. Casablanca commence par une série de scènes racontées de façon prodigieuse qui situent la ville géographiquement, politiquement et spirituellement. La séquence va du général au spécifique, commençant par un plan d'un globe en rotation et se terminant par un gros plan du propriétaire de café expatrié Rick.
Chaque épisode de la vidéo noire série télévisée Hill Street Blues a commencé par un briefing matinal de l'enceinte qui prévoyait l'heure à venir. Le générique d'introduction s'est terminé par un plan d'établissement d'une simplicité classique de l'édifice en briques en ruine de Hill Street Station.
Dans Touch of Evil Orson Welles s'ouvre sur un brillant travelling de six minutes qui fouine dans une ville s'étendant de l'autre côté de la frontière américano-mexicaine, en suivant à la fois les personnages principaux et l'automobile bourrée d'explosifs sur laquelle l'intrigue va tourner. Le plan, la scène et la séquence se concluent par une soudaine destruction ardente.
Les producteurs de vidéos qui ouvrent avec un plan d'établissement fournissent au public un contexte pour l'action qu'ils verront. Afficher l'ensemble du décor, même s'il ne s'agit que d'une pièce ou d'une partie de pièce.
Bien sûr, comme dans toutes les conventions, il est parfois intéressant de jouer contre celle-ci. En Velours Bleu David Lynch commence par des bizarreries telles que des coléoptères qui barattent sous la terre, des chiens qui rongent l'eau et une oreille coupée.
Parfois, il est avantageux de désorienter temporairement ou même d'induire en erreur le spectateur. Commencez par une photo d'une alliance en or sur la main d'un homme, puis reculez pour révéler un soldat étendu mort dans une tranchée boueuse.
Gros plan
Après avoir établi la scène, la plupart des cinéastes passent aux plans moyens et gros plans . La progression traditionnelle est longue à moyenne à courte. Les plans les plus fréquents d'êtres humains sont des plans moyens, cadrés poitrine haute.
Il n'y a pas de règles absolues. Les grands réalisateurs choisissent leurs plans par instinct esthétique. Vous devriez apprendre à faire de même.
Les cinéastes débutants ressemblent souvent aux cinéastes de la première heure - ils ont tendance à tourner la caméra en grand et à la laisser tourner. C'est le réalisateur pionnier D.W Griffith qui a finalement défié cette convention, remplissant des films comme Naissance d'une nation et l'intolérance avec des gros plans qui ont ravi les premiers spectateurs cinématographiques.
Les maîtres cinéastes Orson Welles et Akira Kurosawa vont encore plus loin en utilisant des gros plans extrêmes même dans les plans d'action. Découvrez la bataille décisive dans Chimes At Midnight de Welles et la séquence "Blizzard" dans Dreams de Kurosawa.
Pour un gros plan extrême, remplissez le cadre avec le visage, en coupant le haut de la tête et les épaules. Encore une fois, tes yeux seront à un tiers du chemin depuis le haut de l'écran.
Les gros plans et les gros plans extrêmes peuvent également être fascinants lors de l'exposition de sujets humains. Martin Scorsese utilise habituellement des gros plans extrêmes d'objets tels que des chaussures écrasant des mégots de cigarettes fumants (Life Lessons) , boules de billard et queues (La couleur de l'argent) , fumée et sang (Raging Bull).
Règle trois
La règle des tiers est une règle de composition classique utilisée par les peintres, photographes et autres artistes visuels. Il indique que le centre d'intérêt doit se trouver à un tiers du chemin dans le cadre.
Graphiquement, le cadre de l'image est divisé horizontalement et verticalement en tiers. Le sujet principal doit être situé à l'intersection de deux des lignes, ou à un tiers du chemin à partir du bord du cadre.
Si la personne regarde l'appareil photo, la tête de votre sujet doit être centrée ou légèrement décentrée. Si le sujet regarde une autre personne, un lieu ou une chose, indiquez l'objet du regard en laissant plus d'espace dans la direction dans laquelle le sujet regarde. Le terme pour cet espace est salle de discussion, espace de discussion, ou regardez l'espace.
Lorsque vous cadrez deux personnes, placez-les en diagonale. Cela les place plus près les uns des autres dans le cadre et crée une composition équilibrée.
Dans une photo de groupe, ne placez pas les gens en ligne comme si vous alliez prendre un portrait fixe à l'ancienne. Déplacez-les tous dans le cadre, mais regroupez-les naturellement. Un alignement dirige l'œil hors du cadre, tandis qu'un regroupement plus naturel permet à l'œil de parcourir l'image.
Contraste équilibré
Un vidéaste à la recherche d'une bonne composition s'efforcera d'obtenir un plan épuré. Un oiseau qui vole sur fond de ciel bleu est à la fois beau et simple.
Avec plus d'une personne ou d'un objet dans le cadre, le producteur doit rechercher l'équilibre. Un objet principal semble mieux équilibré par un objet plus petit sur le côté. La taille, le contraste et la couleur doivent toujours être équilibrés.
Une technique de composition intéressante est le cadrage intérieur, la composition d'un plan de sorte que le centre d'intérêt soit encadré par quelque chose dans la scène - des branches d'arbre, des rails de clôture, une arche, un miroir.
Alors que le chanteur monte sur scène dans Diva, il y a une coupe sur un gros plan extrême des lunettes de soleil d'un homme reflétant une vue complète de sa marche vers le centre de la scène. Un tel tir est puissant et intelligent, mais perceptible. Ces sortes d'astuces perdront leur impact si elles sont trop utilisées.
Le maître du cadrage intérieur plus subtil est Orson Welles. Au début de Citizen Kane le jeune Charles Foster Kane est vu à travers une fenêtre gambader avec son traîneau dans la neige, tandis qu'à l'intérieur de la maison et en avant dans le cadre sa mère, son beau-père et son banquier déterminent son avenir.
Lignes directrices est une autre technique de composition qui guide l'œil du spectateur vers le centre d'intérêt. Lors de la prise de vue d'un bâtiment historique avec une route goudronnée qui y serpente, photographiez d'un côté de sorte que la route s'incline à travers le cadre vers le bâtiment. Une route est une ligne directrice évidente, mais cherchez-en d'autres que vous pouvez arranger pour qu'elles semblent pointer vers le sujet.
Apprenez à tout remarquer dans le cadre. Supposons que vous tourniez une interview avec le sujet bien équilibré dans le cadre. Malheureusement, vous oubliez la plante à l'arrière-plan qui semble sortir de la tête de la personne interrogée, et la ligne sur le mur qui semble entrer par une oreille et sortir par l'autre.
Pour éviter de telles compositions maladroites et inutiles, utilisez le même soin que vous apporteriez à la mise en place d'une photographie fixe. Éliminer les objets gênants. Réorganiser l'ensemble. Créez votre propre toile de fond.
Surveillez les contrastes extrêmes. Une personne tout de noir vêtue juchée devant un mur blanc peut paraître trop sombre. Généralement, les sujets doivent porter des teintes moyennes et des solides sans rayures ni petits motifs. Le bleu est une bonne couleur vidéo. Soyez conscient des contrastes entre les tons de peau, les vêtements et l'arrière-plan.
Haut, Bas, Latéral
Des effets intéressants sont obtenus lors de prises de vue à partir d'angles élevés ou faibles.
Si vous souhaitez souligner la taille et l'importance d'un sujet, photographiez en contre-plongée. Dans le Road Warrior le réalisateur George Miller voulait que le survivant coriace et ingénieux des batailles post-apocalyptiques pour le carburant soit un héros mythique. Ainsi, Miller a tourné Mad Max en contre-plongée.
Les prises de vue en contre-plongée donnent aux téléspectateurs le sentiment qu'ils regardent des gens et des événements plus grands que nature. Un angle très faible donne plus de puissance à une personne ou à un objet. Le faucon maltais de John Huston a une photo mémorable en contre-plongée de la montagneuse Sydney Greenstreet alors qu'il plaisante avec le détective Sam Spade à propos de la relique mythique disparue.
Matewan de John Sayles comprend une scène où un organisateur syndical finit par gagner des mineurs mécontents à ses côtés. Sayles a délibérément choisi de ne pas tirer en contre-plongée; cela aurait dépeint le syndicaliste comme un héros, alors que Sayles souhaitait le dépeindre simplement comme faisant partie d'un groupe.
Une prise de vue en plongée traduit l'insignifiance et l'impuissance. Dans Tous les Présidents Hommes la caméra se déplace à un angle extrêmement élevé depuis le plafond de la Bibliothèque du Congrès, montrant deux journalistes labourant maussadement des piles de bordereaux de paiement et exprimant l'ennui et l'ennui de leurs efforts apparemment chétifs pour faire tomber une administration grouillante de criminels.
Une prise de vue en très grand angle avec une grue peut révéler l'ampleur d'une scène. Dans Autant en emporte le vent Le tir de la grue de Victor Fleming recule pour montrer Scarlett O'Hara trébuchant à travers des rangées et des rangées de soldats confédérés blessés et mourants gisant dans une gare en ruine.
Bien sûr, la prise de vue à partir du niveau des yeux plus standard est également acceptable. La conviction d'Howard Hawks que le développement de l'histoire était le travail le plus important du réalisateur l'a amené à placer fréquemment la caméra directement au niveau des yeux; de cette façon, le spectateur pourrait considérer le film comme un spectateur. His Girl Friday de Hawks est un film tourné presque exclusivement à hauteur des yeux.
Ne vous limitez pas uniquement aux angles verticaux. Dans les plans d'ouverture du Bagdad Cafe, un couple de touristes allemands qui s'est arrêté dans le désert de Mojave pour se soulager décide de se séparer. La scène est tournée avec la caméra inclinée à droite et à gauche, illustrant le désaccord entre l'homme et la femme.
À À l'est d'Eden Martin Pitt incline soudainement et balance en rythme la caméra pour refléter le désir colérique et malveillant de Caleb de détruire son frère et son père. Spike Lee utilise également une caméra inclinée dans Do the Right Thing , un film sur le conflit ethnique à New York.
Long et rapide
La durée du tir dépend de quel type il s'agit. Un pan coupé pouvait encore durer trois secondes, un panoramique 10 secondes, un plan d'action bien plus longtemps. La durée moyenne d'un film et d'une télévision est de 10 secondes.
Il existe deux styles de montage de base, misc-en-scene et montage. Les deux sont des termes français. La mise en scène signifie diriger l'action dans un décor; montage se traduit par montage. En anglais, nous pourrions définir ces termes comme le long take et le cut.
Dans le long plan, la caméra reste immobile et laisse l'action se dérouler dans le cadre. Étant donné qu'une série d'actions se produit dans une seule image, il doit y avoir suffisamment de profondeur de champ pour que tout reste net. Citoyen Kane, considéré par certains critiques comme l'expression ultime de la technique cinématographique, présente des scènes entières couvertes en une seule prise.
Le style de montage, impliquant de nombreuses coupes rapides, a été développé et perfectionné par le réalisateur russe Sergei Eisenstein dans des films tels que Ten Days that Shook the World et Potemkine.
Les films d'Alfred Hitchcock incluent souvent une utilisation créative du montage. La fameuse scène de la douche dans Pycho dispose de 78 coupes en 45 secondes. Lunette arrière comprend une séquence tendue dans laquelle le fouineur en fauteuil roulant Jimmy Stewart regarde Grace Kelly saccager l'appartement du meurtrier présumé Raymond Burr alors que Burr lui-même se rapproche de son domicile. Cette séquence dure quatre minutes et se compose de 61 coupes.
Dans de bonnes séquences de montage, la juxtaposition de plans crée chez le spectateur l'effet recherché par le réalisateur :l'horreur dans Psycho, suspense dans la lunette arrière.
Les coupes rapides et violentes de Sam Peckinpah dans des films comme The Wild Bunch et Croix de Fer augmenter l'identification viscérale du spectateur avec des hommes déchirés et mourants. L'utilisation du montage par Eisenstein a réussi à suspendre les lois du temps et de la gravité.
Les bons réalisateurs sont à l'aise avec les deux styles. Les films qui utilisent efficacement à la fois le montage et les longues prises incluent The Black Stallion de Carroll Ballard et Apocalypse Now de Francis Coppola.
Les bons réalisateurs sont aussi le plus souvent économes. Il n'y a pas de séquences excédentaires; chaque plan est aussi long qu'il le faut et important pour l'histoire. Les œuvres de moindre importance sont gâchées par des poursuites flagrantes en voiture de rembourrage, des bagarres, des dialogues inutiles, des scènes de sexe superflues.
Tirez jusqu'à ce que vous ayez mis le point en travers, puis coupez.
À l'intérieur et à l'extérieur
Une coupe est un plan de quelque chose en dehors de l'action principale, mais lié à celle-ci. Lors du tournage d'un pique-nique familial, un plan de fourmis en parade servirait de plan de coupe.
Chaque scène offre des possibilités de plans de coupe. Une coupe ajoute de l'intérêt et des détails, et est utile dans l'édition pour couvrir une édition où l'action ne correspond pas.
Un coupage, comme une coupe, est un bref gros plan d'une personne ou d'un objet loin de l'action principale. La différence est qu'un cut-in fait partie de l'action, alors qu'un cutaway ne l'est pas.
Supposons que vous photographiez une personne en train de mouler une sculpture. Prenez un gros plan des mains et de l'objet, soit pendant que vous enregistrez l'action principale, soit comme un plan séparé à éditer plus tard. Avec les coupures, vous offrez au public un aperçu plus précis du centre d'intérêt.
Les plans coupés ajoutent de la variété et sont utiles lors du montage. Une coupure peut être utilisée pour raccourcir une scène. La découpe en gros plan peut couvrir ce qui serait une modification délicate entre deux plans similaires.
Une prise de vue avec mise au point en rack , parfois appelé pull focus, est une prise de vue avec deux objets dans le cadre à différentes distances de la caméra. Concentrez-vous d'abord sur un, puis changez le focus sur le deuxième objet. Cela déplace l'attention d'un sujet à un autre.
La mise au point en rack ne fonctionnera que lors de la prise de vue avec une faible profondeur de champ. Prenez des photos avec votre objectif en position téléobjectif et utilisez un F-stop bas. Il devrait y avoir une différence substantielle de distance entre les deux objets.
Une autre façon d'attirer l'attention de votre spectateur sur un sujet est d'utiliser un swish pan, panoramique aussi rapidement que possible sur un objet. Entraînez-vous à l'avance pour garder le sujet bien cadré. Pour que la prise de vue soit efficace, le panoramique doit être effectué si rapidement que les images sont floues.
Carroll Ballard utilise efficacement une poêle à frire lorsque le jeune Alec tombe du paquebot qui coule dans The Black Stallion. Le cimetière cherche de l'or dans Le Bon, la Brute et le Truand contient une poêle à frire étendue.
Un swish pan peut également être utilisé comme transition entre les scènes. Par exemple, supposons que vous photographiez une visite touristique d'une ville. Swish panoramiques car les transitions entre les emplacements donneraient un sentiment de changement sans la finalité d'un fondu.
Non coupable
Comme dans un roman ou une nouvelle, un film ou une émission de télévision a un point de vue. Il s'agit souvent d'une perspective strictement objective et omnisciente où la caméra observe l'action en tant qu'observateur neutre.
Documentaire d'Errol Morris The Thin Blue Line est presque entièrement composé d'entretiens avec des personnes impliquées dans une affaire de meurtre. Morris dramatise différentes versions du meurtre, fournissant plusieurs traitements différents des mêmes événements. Il n'adopte aucun point de vue cinématographique, même s'il est évident pour le public à la fin du film que l'accusé est innocent.
Rashonzan de Kurosawa utilise la même technique, fournissant trois versions différentes d'une agression et d'un viol présumés d'une femme. A la fin de son film, rien ne saute aux yeux.
Un réalisateur peut également choisir de prendre le point de vue d'un personnage, montrant des gros plans fréquents suivis de plans du point de vue du personnage. Une grande partie du Chinatown de Roman Polanski est tiré de cette manière. De cette façon, le réalisateur crée de l'empathie pour les personnages; le public s'identifie aux personnes qui donnent le point de vue.
Dans Psycho, Hitchcock nous donne le point de vue de Janet Leigh, créant de la sympathie pour elle. Quand il la tue ensuite, il nous embrouille et nous rend vulnérables à d'autres surprises. Le public de l'époque n'était pas amusé.
La plupart des films mélangent à la fois un point de vue omniscient et personnel, offrant parfois les perspectives de plusieurs personnages.
Je suis un appareil photo
Habituellement, l'objectif de l'opérateur de caméra est d'effectuer des mouvements de caméra invisibles pour le spectateur, de manière fluide, régulière et appropriée.
Il existe cependant un cas où les opérateurs souhaitent délibérément rendre leurs mouvements évidents. Appelée caméra subjective, cette technique souhaite convaincre le spectateur que la caméra est une personne. Il marche en se déplaçant, lève ou baisse la tête en inclinant, surveille une scène en panoramique et perd connaissance en perdant la mise au point ou en tournoyant.
La dame du lac a été filmé entièrement d'un point de vue subjectif. La caméra a représenté le personnage principal tout au long du film. Le public ne le voit jamais mais seulement ses réactions :une femme penchée vers l'objectif pour un baiser, par exemple. L'effet est très étrange.
Passage sombre utilise initialement la même technique, avant que le personnage principal ne subisse une chirurgie plastique pour devenir Humphrey Bogart.
Une longue séquence de caméra subjective est utilisée dans Robocop lorsque le policier est transformé en robot. Nous voyons des gens regarder dans l'objectif comme s'ils regardaient son visage. Cette séquence nous introduit à ce qui plus tard dans le film devient une question importante :bien que l'homme soit mort, transformé en machine, ses souvenirs émotionnels demeurent.
La plupart des films utilisent avec parcimonie une caméra subjective mélangée à d'autres points de vue. Stanley Kubrick utilise efficacement la caméra subjective pour les moments clés du voyage de l'astronaute dans 2001 :L'Odyssée de l'espace. Dans Une histoire de Noël La caméra subjective met en scène les attentes effrayantes du petit Ralphie alors qu'il monte la longue rampe menant au père Noël épuisé et cynique du grand magasin.
Disparaître
Les transitions sont une ponctuation visuelle, le moyen de passer d'un plan à l'autre. Les transitions primaires sont le couper, dissoudre, et fondu . La coupe, où un plan se termine et le suivant commence sans chevauchement, est la plus couramment utilisée.
Un fondu enchaîné se produit lorsque deux plans se chevauchent, l'un s'estompant à mesure que l'autre s'estompe. Les fondus enchaînés sont souvent utilisés pour indiquer des sauts de chaux et de lieu. Dans La ménagerie de verre les fondus enchaînés et l'éclairage diffus servent à différencier les monologues sur le passé des souvenirs dramatisés.
Robert Altman a fait face à un défi similaire dans Come Back to the 5 &Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, où l'action passe du présent à 20 ans dans le passé. Altman reflétait les scènes précédentes dans un grand miroir et s'y fondait.
Un réalisateur doué peut également utiliser le fondu enchaîné pour indiquer des caractéristiques communes. Touche du mal contient un bel exemple de fondu enchaîné qui non seulement indique un saut dans l'espace, mais souligne également l'agitation émotionnelle similaire de deux personnages apparemment disparates.
Lors d'un fondu, une image passe du noir au noir, indiquant un début ou une fin précis. Un fondu indique la finalité et est mieux utilisé comme fin pour une séquence. Apocalypse maintenant est réduite de moitié par un fondu extraordinairement long. Il fait suite au meurtre soudain et accidentel par Willard d'une femme vietnamienne gravement blessée et nous laisse le temps de réfléchir à notre opinion soudainement révisée sur son personnage.
Avec un balayage, une image semble en repousser une autre hors de l'écran. Les lingettes ne sont pas toujours latérales; ils peuvent commencer par le haut, le bas, le coin ou le centre du cadre. Un balayage est moins final qu'un fondu et convient à une série de plans qui ne montrent pas d'action continue, mais qui sont en quelque sorte liés.
Dans Sept Samouraïs Kurosawa utilise des lingettes pendant que les samouraïs travaillent pour recruter d'autres combattants. Les plans sont similaires dans leur composition, mais l'action ne se produit pas au même moment ni au même endroit.
Chanson du tournage
Une mélodie est créée à partir de la relation de notes individuelles. De même, la signification d'un film ou d'une émission de télévision découle de la relation entre les plans.
La relation entre une série de plans crée une séquence. La scène de la douche dans Psycho fait partie d'une séquence qui commence avec Norman Bates regardant à travers un judas dans son bureau et se termine avec lui en train de couler une voiture chargée de corps dans le marais.
En tournant une séquence, essayez de construire une histoire. À son niveau le plus simple, une histoire a un début, un milieu et une fin. Cela devient plus intéressant si un conflit est introduit et résolu.
Dans une séquence montrant des enfants décorant un sapin de Noël, commencez par les premières décorations placées sur le sapin. Tirez sur les enfants en ajoutant plus au milieu et terminez avec l'étoile placée avec une fioriture sur le dessus. Voilà, vous avez créé une histoire. Si le bébé retire les ornements aussi vite que les enfants plus âgés les mettent, vous avez un conflit et une source potentielle d'humour.
Lors du tournage d'une séquence, choisissez d'abord un point de vue. Commencez ensuite par un coup d'établissement. Gardez vos prises de vue courtes, pas plus longtemps qu'il ne faut au public pour saisir l'action. Variez les distances et les angles de vos tirs. Utilisez des plans moyens et des gros plans. Évitez d'utiliser le zoom; concentrez-vous sur une série de prises individuelles.
Les techniques mentionnées ici sont celles que les professionnels passent des vies à essayer de perfectionner. Ne vous attendez pas à les maîtriser lors de votre prochain tournage.
Mais essayez-en une la prochaine fois et continuez d'essayer jusqu'à ce que vous obteniez la bonne réponse. Lorsque vous maîtrisez cette technique, essayez-en une autre. Persévère. Bientôt, vous tirerez comme un pro.