Maîtrisez la narration vidéo avec le look hollywoodien

Il y a un silence qui s'abat sur une foule lorsqu'un film tourné de manière classique apparaît sur- filtrer. C'est cette même anticipation feutrée qui plane autour du feu de camp quand quelqu'un dit "Il était une fois…" alors que nous accordons toute notre attention au divertissement. La magie de la narration du cinéaste est un métier soigneusement perfectionné appelé le look hollywoodien. Les vidéos de mariage, les temps forts des vacances et les présentations d'entreprise peuvent tous bénéficier des techniques classiques du grand écran.

N'importe qui, quel que soit son niveau d'expérience, peut obtenir le look hollywoodien en utilisant des techniques subtiles. Chaque prise de vue et chaque montage doivent compter. Hollywood compte sur des sommes énormes pour atteindre la "valeur de production", mais pour vous, la seule exigence est votre œil attentif. Avec cet article, vous apprendrez quelles sont ces techniques et comment les utiliser pour créer une vidéo classique.

Créez votre vocabulaire vidéo

Un maître vidéaste ne crée pas une vidéo classique en enchaînant des éléments totalement indépendants, pas plus qu'un journaliste n'écrit une histoire primée remplie de mots absurdes. Parce que la vidéo est si réaliste, nous avons tendance à oublier qu'il s'agit d'un langage complexe d'images au lieu de mots. Lorsque nous collectons toutes nos vidéos d'une journée entière de tournage, nous avons généralement des prises de vue aléatoires éparpillées sur la bande. Lue "telle quelle", notre vidéo est tout aussi déroutante et tout aussi ennuyeuse qu'une phrase composée de mots qui n'ont pas de sens. Quelle est la solution ? Un plan.

Chaque fois que la caméra tourne, elle doit ajouter un autre plan qui continuera la logique d'une séquence particulière. Comme structurer des mots pour faire une phrase, chaque plan suggère ceux qui le suivent.

Prise de vue pour modifier, modifier à partir de vos prises de vue

Votre vidéo peut porter sur n'importe quoi, mais vous aurez une idée précise à transmettre dans chaque scène. Plutôt que d'informer vos téléspectateurs de manière pédante, vous pouvez les engager dans de petits drames tout au long de votre vidéo. Vous les divertirez et aiderez vos informations à rester dans leur esprit.

Imaginons une situation spécifique :vous avez besoin d'une scène dans votre vidéo qui montre ABC Machining répondant rapidement au besoin d'un client. Un machiniste, John, donnera à l'entreprise un visage humain. Vous pouvez montrer John en train de travailler pendant qu'un narrateur en voix off explique au public à quelle vitesse lui et l'entreprise répondent aux besoins du client. C'est facile à filmer, facile à monter et finalement ennuyeux pour le public.

Si vous avez un peu plus de temps, pourquoi ne pas raconter une histoire au public ? Il est 16h45 et John semble prêt à rentrer bientôt chez lui. Le téléphone du magasin sonne et John note rapidement quelques informations sur un bloc-notes. Un client a besoin d'une pièce usinée, et c'est une urgence. John fraise efficacement la pièce et la remet au client lorsqu'il entre par la porte arrière. Un travail bien fait a pris John jusqu'à 5h25, mais le client est content et John est fier. Il éteint les lumières et rentre chez lui. La différence hollywoodienne vient du fait qu'on ne pense pas seulement aux plans, mais à la façon dont ils s'emboîtent.

Établissement, plans moyens et gros plans

En organisant vos prises de vue dans une séquence visuellement plus étroite, vous donnez à votre public une chance de s'orienter dans le lieu et votre histoire. Dans notre vidéo de machiniste, un plan d'établissement pour cette séquence pourrait être l'extérieur d'ABC Machining, avec le signe clairement visible, ou une vue large de l'atelier lui-même. Une fois que le public comprend où nous sommes, un plan moyen leur indique qui ou quoi chercher et permet à la caméra de suivre facilement la ligne de mire. Réservez les gros plans pour les points vraiment importants que vous voulez faire valoir. Dans ce cas, nous aurions besoin d'une série de trois gros plans :l'horloge approchant 5h00, le téléphone qui sonne et le visage surpris de John indiqueraient au public tous les détails nécessaires pour mettre en place le drame.

Direction de l'écran

La direction de l'écran ne consiste pas à diriger ; il s'agit de savoir dans quelle direction vos personnages se dirigent dans le cadre. Si vous voulez vous assurer que John progresse, montrez-lui qu'il se déplace dans la même direction à chaque coup. S'il entre du côté droit du cadre et se déplace vers la gauche, chaque plan suivant dans la séquence devrait avoir John se déplaçant de droite à gauche. Même si vous photographiez ces parties à des endroits différents, en vous déplaçant toujours de droite à gauche, vous pouvez donner l'impression que John se déplace en succession fluide à travers la plante.

Dans la salle de montage

Si vous filmez votre bande avec l'intention de la monter, vous avez des choix à faire à chaque coupe. N'oubliez pas de laisser la caméra tourner pendant au moins 10 secondes avant et après chaque prise de vue, ce qui vous laisse de la place pour déplacer le montage dans la salle de montage.

Sauf si vous voulez surprendre le public, chaque montage doit tomber à un endroit où le rythme de votre séquence n'est pas perturbé. La meilleure astuce du métier s'appelle couper sur l'action. En recherchant le mouvement dans le cadre et en le faisant correspondre de votre premier plan à votre deuxième, le public ne remarquera même pas que vous avez modifié l'angle de la caméra.

Lorsque John répond au téléphone au début de notre séquence, une chaîne de matériaux assez disparates doit s'enchaîner de manière fluide et intelligible. À partir d'un gros plan du téléphone, la main de John se déplace. Alors qu'il saisit le récepteur et commence à le décrocher, nous pourrions couper à un plan plus large de lui au téléphone. En coupant dans le plan large au moment où il lève le récepteur, on adoucit toute perturbation de la séquence. Ce plan large pourrait en même temps révéler l'horloge en arrière-plan. Pour établir l'importance de l'horloge pour John, nous avons coupé un gros plan de son visage. Son œil vacille un instant vers le mur. C'est le moment où nous avons coupé à un gros plan de l'horloge. En coupant l'action de John, il a attiré notre attention sur l'horloge et a effectué une transition en douceur qui ne dérange pas les téléspectateurs.

Couper sur le rythme

Couper vos prises de vue pour qu'elles correspondent au rythme de la musique de fond aide à établir un rythme pour vos montages. Pour ce faire, vous aurez besoin d'un système de montage qui prend en charge à la fois le code temporel et le doublage A/V (la possibilité de copier la vidéo sans détruire l'audio existant, et vice-versa). Vous déposerez d'abord la musique pour votre bande éditée, en vous assurant ensuite que chaque nouveau clip commence au moment du battement de la musique.

Réalisez ceci dans un montage à deux doigts entre votre appareil photo et votre magnétoscope sans contrôleur de montage est très difficile. Même si vous pouviez appuyer sur le bouton de pause précisément au bon moment, vous devriez prendre en compte le délai de pause à enregistrement de votre platine d'enregistrement. De plus, si vous avez une platine de montage de qualité décente, elle voudra probablement exécuter un pré-roll avant chaque montage pour s'assurer que la bande est à la bonne vitesse avant le début de l'enregistrement.

Couper à la comédie musicale beat est encore plus facile avec un système de montage non linéaire. Vous marquez les rythmes de la musique et faites simplement glisser et déposez vos nouveaux plans sur une chronologie pour qu'ils correspondent au tempo de la bande sonore.

Le rythme visuel s'apparente au rythme de la comédie :un petit point mort ce qui permet à l'image précédente (ou à la blague) de s'enfoncer. Contrairement à la coupe sur l'action, vous recherchez les petits points morts entre les mouvements. À ces respirations, vous pouvez couper à n'importe quoi (lié ou non). Parce qu'il y a une pause momentanée (le "battement"), le public ne s'attend pas à ce que le mouvement dans le plan en cours se poursuive. Ceci est aussi utile pour les documentaires (où vous mélangez beaucoup de matériel différent) que pour les dramatiques (où vous devez contrôler le rythme et le déroulement de l'histoire).

En dehors de ces éléments plus subtils bribes de « grammaire » hollywoodienne, il existe un certain nombre d'autres « mots et expressions » qui peuvent vous aider à raconter votre histoire. Vous trouverez ci-dessous une liste de certaines des "phrases" les plus courantes (et utiles) à votre disposition :

Les astuces du look hollywoodien peuvent rendre votre travail homogène et classique, et ce n'est pas une illusion. C'est à vous; parler à votre public dans la langue de narration qu'il comprend garantira qu'il comprend votre message.