La moitié du travail d'un réalisateur vidéo consiste à mettre en scène l'action pour l'écran. Si vous pensez que ce n'est pas grave à accomplir, vous êtes mûr pour rejoindre la liste des grands metteurs en scène de Broadway qui ont lamentablement échoué à Hollywood. Diriger pour l'écran signifie installer l'appareil photo au bon endroit avec le bon objectif pointé dans la bonne direction au bon moment, puis déplacer les sujets devant lui. Deux conditions incontournables compliquent ce processus de base.
Premièrement, chaque plan n'est qu'un minuscule fragment de projet qui doit correspondre aux plans précédent et suivant à certains égards, mais contraster avec eux à d'autres égards. De plus, comme l'écran est essentiellement plat, toute profondeur apparente sur celui-ci est une illusion minutieusement créée par le réalisateur et le vidéaste. . (Nous avons également examiné l'autre moitié du métier de réalisateur, travailler avec talent). Cette fois-ci, nous nous concentrerons sur les spécificités de la mise en scène de l'action pour le monde plat de l'écran vidéo. Nous examinerons quatre principaux outils de mise en scène :le point de vue, la composition, la perspective et le mouvement.
Point de vue et composition
Le point de vue, ou POV, est le point de vue à partir duquel un caméscope enregistre une action. Le premier composant du POV est la taille du sujet, ou la distance apparente de la caméra :plan extrêmement long, gros plan extrême ou quoi que ce soit entre les deux. La taille du sujet est un outil clé pour la mise en valeur, comme vous le verrez.
Le PDV inclut également l'angle horizontal, de la prise de vue de face au profil (prise de vue latérale) et tout autour vers l'arrière. Dans les gros plans, un angle de face est plus ouvert, une vue de trois quarts a plus de profondeur et un profil confère une qualité formelle et iconique (regardez l'utilisation des gros plans de profil par Clint Eastwood).
L'angle vertical est tout aussi important. Un angle bas (par le bas) a tendance à renforcer son sujet, tandis qu'un angle élevé fait exactement le contraire. Un angle encore plus élevé (à vol d'oiseau) donne une sensation de détachement lointain.
En ce qui concerne la taille de l'image, nous avons dit distance apparente car la taille est déterminée autant par la distance focale de l'objectif que par la distance entre l'appareil photo et le sujet. Parce que les objectifs grand angle exagèrent la perspective et le mouvement tandis que les téléobjectifs les suppriment, le choix de l'objectif a un grand effet sur la profondeur, l'accentuation, l'énergie et l'ambiance.
Une fois que vous avez établi un point de vue, vous organisez les éléments de votre prise de vue l'art de composer. Ici, nous nous intéressons principalement à la composition telle qu'elle s'applique à l'action se produisant dans le cadre. Dans cet esprit, rappelez-vous qu'il existe deux approches opposées de la composition, bidimensionnelle et tridimensionnelle.
La composition bidimensionnelle dispose les éléments picturaux sur le plan plat de l'image, en utilisant souvent des réglages de téléobjectif pour supprimer la profondeur apparente et souligner la surface de l'écran. Le résultat est un look plutôt distant et conçu qui peut améliorer les ambiances formelles.
La composition tridimensionnelle utilise des lentilles grand angle pour améliorer la profondeur apparente, transformant l'écran d'une surface en une fenêtre invisible donnant sur un monde au-delà. Cette approche attire les spectateurs dans le monde de l'écran et contribue à les impliquer dans l'action.
En plus des objectifs grand angle, la composition 3D repose sur six techniques anciennes que les peintres ont longtemps appelées perspective.
Perspective
Les six techniques de perspective sont :la taille (plus elle est grande, plus elle est proche); chevauchement (un sujet devant doit être plus proche que le sujet qu'il recouvre en partie); convergence (des lignes parallèles semblent se rejoindre au loin); position (plus elle est haute sur l'écran, plus elle est éloignée); résolution (plus le détail est visible, plus il est proche) et couleur (plus il est délavé, plus il est éloigné). L'action de mise en scène implique principalement la taille, la convergence et le chevauchement (bien que David Lean utilise brillamment la résolution dans Lawrence d'Arabie, quand Omar Sharif commence comme un point vacillant à l'horizon du désert, puis se résout lentement en un homme à cheval alors qu'il s'approche de la caméra).
La taille est évidemment importante dans la mise en scène de l'action car plus le sujet est grand, plus il devient visuellement important. Les directeurs novices, cependant, se chevauchent souvent légèrement. Notez la fréquence à laquelle les professionnels utilisent des plans à deux prises par-dessus l'épaule, dans lesquels le sujet qui parle est partiellement recouvert par la tête et l'épaule de la personne qui écoute. En plus d'améliorer la profondeur, les plans OTS, comme on les appelle parfois, gardent les deux sujets dans l'esprit du spectateur tout en attirant l'attention sur celui qui est le plus important.
Les lignes convergentes (diagonales) suggèrent un mouvement vers et loin du caméra, et met l'accent sur la profondeur apparente. Psychologiquement, les lignes diagonales semblent plus énergiques car elles semblent tomber sur la surface de l'image, tandis que les lignes verticales et horizontales sont soit debout, soit au repos. Lorsque vous mettez en scène le mouvement de la caméra, le mouvement diagonal semble dynamique. Et bien sûr, rapprocher les sujets de l'appareil photo augmente leur taille apparente et leur importance.
Mouvement
Les sujets ne sont pas les seules parties mobiles d'une prise de vue. Habituellement, la caméra bouge également, que ce soit de manière spectaculaire dans un travelling suivi ou subtilement lorsque le vidéaste corrige la composition pour correspondre aux petits mouvements du sujet.
Lors de la mise en scène des mouvements de caméra, quelques conseils peuvent s'avérer utiles. Tout d'abord, assurez-vous que le mouvement est motivé soit par le mouvement du sujet, soit par la nécessité de regarder un sujet différent sans passer à un nouveau plan.
Ensuite, assurez-vous que le mouvement commence par une composition forte et se termine de manière décisive par une autre , encore plus fort, si pratique. Sans s'en apercevoir consciemment, le public ressentira un sens de l'ordre et de la justesse du mouvement. La technique hollywoodienne classique exige une ouverture statique avant le début du mouvement; mais la pratique moderne commence souvent une prise de vue avec la caméra déjà en mouvement. Si vous voulez que vos mouvements soient plus suaves, conduisez-les comme une voiture, en accélérant doucement jusqu'à la vitesse de croisière, puis en ralentissant doucement jusqu'à l'arrêt.
Enfin, évitez de bouger pour le plaisir. Le travelling à 360 degrés tourné autour des amants enlacés est depuis longtemps devenu un cliché et une démonstration de technique. D'autre part, les plans Steadicam utilisés si souvent dans la série télévisée The West Wing transportent le spectateur avec les personnages souvent harcelés alors qu'ils déferlent dans les couloirs animés de la Maison Blanche.
Pour un autre ensemble de mouvements qui méritent d'être étudiés, notez comment la caméra itinérante de Shakespeare in Love vous plonge dans les rues et ruelles grouillantes de Londres élisabéthaine.
Mise en scène et style
La mise en scène pour l'écran est la principale source du style de réalisation. Certains réalisateurs transforment la caméra vidéo en personnage, se déplaçant constamment autour et à travers l'action. D'autres permettent à l'objectif de s'asseoir tranquillement et d'enregistrer les mouvements qui vont et viennent à travers le cadre.
Certaines situations (comme les combats ou les poursuites) exigent un look intensément 3D, plein de POV bas, d'objectifs grand angle et de mouvements dynamiques vers et loin de la caméra. D'autres ont besoin de la sérénité et du détachement d'une mise en scène 2D, dans laquelle des téléobjectifs et un caméscope fixe peignent des compositions évolutives à la surface de l'écran.
Mais qu'un artiste soit Picasso ou Dali, exactement les mêmes outils de peinture sont utilisés. Et que vous soyez aussi dynamique que Martin Scorcese, ou aussi volontaire qu'Ingmar Bergman, vous atteindrez votre style personnel grâce à votre maniement de vos outils de mise en scène :point de vue, composition, perspective et mouvement.